René Magritte'nin tablosu: Öngörü. René Magritte

Bella Adtseeva

Belçikalı sanatçı Rene Magritte, sürrealizme olan şüphesiz bağlılığına rağmen, hareket içinde her zaman ayrı durdu. İlk olarak, belki de tüm Andre Breton grubunun ana hobisi olan Freud'un psikanalizi konusunda şüpheciydi. İkincisi, Magritte'in resimleri ne Salvador Dali'nin çılgın entrikalarına ne de Max Ernst'in tuhaf manzaralarına benzemektedir. Magritte çoğunlukla sıradan günlük imgeleri (ağaçlar, pencereler, kapılar, meyveler, insan figürleri) kullanmıştır, ancak resimleri eksantrik meslektaşlarının çalışmalarından daha az absürt ve gizemli değildir. Belçikalı sanatçı, bilinçaltının derinliklerinden fantastik nesneler ve yaratıklar yaratmadan, Lautreamont'un sanat dediği şeyi yaptı - banal şeyleri alışılmadık bir şekilde birleştirerek "ameliyat masasında bir şemsiye ve daktilo buluşması" düzenledi. Sanat eleştirmenleri ve uzmanları, resimlerine ve şiirsel başlıklarına ilişkin, neredeyse hiçbir zaman resimle ilgisi olmayan yeni yorumlar sunmaya devam ediyor ve bu da bir kez daha şunu doğruluyor: Magritte'in sadeliği aldatıcıdır.

Rene Magritte, sanatını gerçeküstücülük değil, büyülü gerçekçilik olarak adlandırdı ve resimlerle yapılacak tek şeyin onlara bakmak olduğunu savunarak herhangi bir yorumlama girişimine ve hatta sembol arayışına çok güvensizdi.

O andan itibaren Magritte periyodik olarak melon şapkalı gizemli bir yabancının imajına geri döndü ve onu ya kumlu deniz kıyısında, ya bir şehir köprüsünde, ya da yeşil bir ormanda ya da bir dağ manzarasına bakarken tasvir etti. İki veya üç yabancı olabilir, izleyiciye sırtları dönük veya yarı yan dururlardı ve bazen - örneğin High Society (1962) tablosunda olduğu gibi ("High Society" olarak tercüme edilebilir - editörün notu) - sanatçı yalnızca melon şapkalı erkeklerin onu bulutlar ve yapraklarla dolduran bir taslağını gösterdi. Bir yabancıyı tasvir eden en ünlü resimler “Golconda” (1953) ve elbette “Son of Man” (1964) - Magritte'in en çok kopyalanan eseri, parodileri ve imaları o kadar sık bulunuyor ki, görüntü zaten ayrı yaşıyor onun yaratıcısı. Başlangıçta Rene Magritte, resmi bir otoportre olarak çizdi; burada bir adam figürü, bireyselliğini kaybetmiş, ancak günaha karşı koyamayan Adem'in oğlu olarak kalan modern bir adamı simgeliyordu - dolayısıyla yüzünü kaplayan elma.

"Aşıklar"

Rene Magritte sık sık resimleri hakkında yorum yaptı, ancak en gizemli olanlardan biri olan “Aşıklar” (1928)'ı açıklama yapmadan bıraktı ve sanat eleştirmenlerine ve hayranlara yorum alanı bıraktı. İlki, resimde yine sanatçının çocukluğuna ve annesinin intiharıyla ilgili deneyimlere bir gönderme gördü (cesedi nehirden çıkarıldığında kadının başı geceliğinin eteğiyle örtülmüştü - editörün notu). Mevcut versiyonların en basit ve en bariz olanı - "aşk kördür" - resmi genellikle tutku anlarında bile yabancılaşmanın üstesinden gelemeyen insanlar arasındaki izolasyonu aktarma girişimi olarak yorumlayan uzmanlar arasında güven uyandırmıyor. Kimileri burada yakın insanları sonuna kadar anlamanın, tanımanın imkansızlığını görürken, kimileri de "Aşıklar"ı "aşktan aklını yitirmenin" gerçekleşmiş bir metaforu olarak anlıyor.

Aynı yıl, Rene Magritte "Aşıklar" adlı ikinci bir tablo çizdi - burada erkek ve kadının yüzleri de kapalı, ancak pozları ve arka planları değişti ve genel ruh hali gerginden huzurluya dönüştü.

Öyle olsa bile, "Aşıklar", Magritte'in gizemli atmosferini günümüz sanatçıları tarafından ödünç alınan en tanınabilir tablolarından biri olmaya devam ediyor - örneğin, İngiliz grubu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep'in ilk albümünün kapağı. Conversation'da (2003) buna gönderme yapılıyor.

"İmajların İhaneti" Veya Bu Değil...

Rene Magritte'in resimlerinin isimleri ve resimle olan bağlantıları ayrı bir çalışma konusudur. “Cam Anahtar”, “İmkansızı Başarmak”, “İnsanın Kaderi”, “Boşluğun Engeli”, “Güzel Dünya”, “Işık İmparatorluğu” - şiirsel ve gizemli, izleyicinin ekranda ne gördüğünü neredeyse hiç anlatmıyorlar tuval, ama hakkında Sanatçının isme ne anlam katmak istediği, her durumda yalnızca tahmin edilebilir. Magritte, "Başlıklar, resimlerimin tanıdık olanın alanına yerleştirilmesine izin vermeyecek şekilde seçilmiştir, burada düşüncenin otomatikliği kesinlikle kaygıyı önlemek için çalışacaktır," diye açıkladı Magritte.

1948'de, üzerindeki yazı nedeniyle Magritte'in en ünlü eserlerinden biri haline gelen “Görüntülerin İhaneti” tablosunu yarattı: tutarsızlıktan inkar noktasına gelen sanatçı, bir pipo imgesinin altına “Bu bir pipo değil” yazdı. boru. "Şu meşhur pipo. İnsanlar beni bununla nasıl suçladılar! Ama yine de içini tütünle doldurabilirsin? Hayır, bu sadece bir resim, değil mi? Yani resmin altına 'Bu bir pipo' yazarsam, yalan söylemiş olurum!" - dedi sanatçı.

Magritte'in Gökyüzü

Üzerinde bulutların uçuştuğu gökyüzü o kadar gündelik ve kullanılmış bir görüntü ki, onu herhangi bir sanatçının “kartviziti” haline getirmek imkansız gibi görünüyor. Bununla birlikte, Magritte'in gökyüzü, çoğu zaman resimlerinde süslü aynalara ve kocaman gözlere yansıdığı, kuşların hatlarını doldurduğu ve ufuk çizgisiyle birlikte ufuk çizgisiyle birlikte fark edilmeden geçtiği için başkasının gökyüzüyle karıştırılamaz. şövale üzerine manzara (“İnsanın Kaderi” serisi "). Sakin gökyüzü melon şapkalı bir yabancı için arka plan görevi görür (Decalcomania, 1966), odanın gri duvarlarının yerini alır (Kişisel Değerler, 1952) ve üç boyutlu aynalarda kırılır (Elementary Cosmogony, 1949).

Görünüşe göre ünlü "Işık İmparatorluğu" (1954), Magritte'in eserlerine hiç benzemiyor - akşam manzarasında, ilk bakışta alışılmadık nesnelere ve gizemli kombinasyonlara yer yoktu. Yine de böyle bir kombinasyon var ve bu da "Magritte" resmini oluşturuyor - bir gölün üzerinde açık bir gündüz gökyüzü ve karanlığa gömülmüş bir ev.

Bella Adtseeva

"Aşıklar"

"İmajların İhaneti" Veya Bu Değil...

Magritte'in Gökyüzü

Geçtiğimiz yüzyılın seçkin sanatçılarından biri olan Rene Magritte (1898-1967) aslen Belçikalıydı. 1912'de annesi kendini nehirde boğdu; bu, görünüşe göre o zamanlar henüz genç olan gelecekteki sanatçı üzerinde büyük bir etki yarattı; ancak, popüler inanışın aksine, bu olayın yazarın çalışmaları üzerindeki etkisi fazla tahmin edilmemelidir. Magritte, çocukluğundan, o kadar trajik olmayan ama daha az gizemli olmayan bir dizi başka anıyı da beraberinde getirdi ve kendisinin eserlerine yansıdığını söyledi.

Brüksel Güzel Sanatlar Akademisi'nde eğitim gördü ve başlangıçta Dada ve Kübizm'den güçlü bir şekilde etkilendi. 1925 yılı çalışmalarında bir dönüm noktasıydı: "Picardy'nin Gülleri" tablosu yeni bir üslup ve yeni bir tutum olan "şiirsel gerçekçilik" i işaret ediyordu. Sanatçı, tüm sürrealist sergilere katıldığı “gerçeküstücülüğün merkezi” Paris'e taşınıyor. Ve 1938'de Belçikalı ustanın ilk büyük sergisi Londra sanat galerisi tarafından düzenlendi.

1950'lerin başında. Magritte'in sanatı, Roma, Londra, New York, Paris ve Brüksel'deki büyük sergilerinin de gösterdiği gibi, giderek artan uluslararası tanınırlığa ulaşıyor. 1956'da Magritte, Belçika kültürünün seçkin bir temsilcisi olarak prestijli Guggenheim Ödülü'ne layık görüldü.

Sanatçının ideolojik inancını ifade eden “Sahte Ayna” (1929) tablosunda tüm alan kocaman bir göz imgesiyle kaplanmıştır. İzleyici yalnızca iris yerine, üzerinde şeffaf bulutların yüzdüğü yaz mavisi bir gökyüzü görüyor. Başlık, resmin fikrini açıklıyor: Duyular, dünyanın gizli derinliğini, sırlarını aktarmadan, yalnızca nesnelerin dış görünüşünü yansıtır. Magritte'e göre yalnızca uyumsuz olanlar varoluşun anlamını kavramaya yardımcı olur. Bir görüntü ancak az çok uzak iki gerçekliğin yakınsamasından doğabilir.

Magritte, tüm yaratıcı kariyeri boyunca bu yöntemi izlemiştir ve bu, özellikle “felsefi” resimlerinde belirgindir. Bunlardan biri “Hegel'in Tatili” (1958).

"Son resmim" diye yazdı, "şu soruyla başladı: Bir bardak su bize kayıtsız kalmayacak şekilde nasıl resmedilir? Ama aynı zamanda öyle bir şekilde resmedilir ki? özellikle tuhaf, keyfi veya önemsiz olmazdı.Tek kelimeyle şunu söyleyebiliriz: harika (gereksiz utancı bırakalım).
Gözlükleri teker teker (üç eskiz), her seferinde çapraz vuruşla (eskiz) çizmeye başladım. Yüzüncü veya yüz ellinciden sonra
çizim, vuruş biraz daha genişledi (taslak). Şemsiye ilk başta camın içinde duruyordu (taslak), ancak daha sonra camın altına düştü (taslak).
Böylece asıl soruya bir çözüm buldum: Bir bardak su nasıl harika bir şekilde tasvir edilebilir? Çok geçmeden bu konunun Hegel'in büyük ilgisini çekebileceğini fark ettim (o aynı zamanda bir dahidir), çünkü benim konumum iki karşıtlığı birleştiriyor.
özlemleri: su istemez (onu iter) ve su ister (onu alır). Sanırım hoşuna giderdi ya da komik bulurdu (örneğin tatillerde). Bu yüzden tabloya "Hegel'in Tatili" adını verdim.

Magritte, gerçeküstücüler arasında keskin bir şekilde öne çıkıyor: Onlardan farklı olarak, fantastik değil, tuhaf ilişkilerde alınan gündelik unsurları kullanıyor. Bu onun ünlü tablosu “Kişisel Mülkiyet” (1952).

Buradaki “anahtar” aynı zamanda isim haline gelir. “Kişisel” korkunç boyutlarda abartılmıştır. Oda, duvarlar yerine bulutların yüzdüğü gökyüzüne rağmen kapalı, sıkışık bir tür "mikrokozmosta" dönüşüyor. Buradaki her şey tuhaf bir şekilde değişti, sanki canlanmış gibi, faydacı olmayan bir görünüm kazandı, ancak Magritte'de her zaman olduğu gibi nesneler görünümlerini, dokularını, renklerini değiştirmemiş ve mükemmel bir şekilde "tanınabilir". İzleyici sanki geçerken camın mavimsi parlaklığına, ahşap mobilyaların dokusuna, ayna yansımalarını aktarma becerisine hayran kalıyor. Ama tam da geçerken, çünkü nesneler sanki sahipleri adına konuşuyormuşçasına bağımsızlık kazanmış gibi görünüyor ve onun "lider" rolünü tamamen gasp ediyor. Kendileri “kişilik” haline gelmişler ve kendi aralarında sohbet ediyor gibi görünüyorlar.

Magritte'in ilk dönem resimlerinin özelliklerinden biri de kelimenin tam anlamıyla "edebilik"tir. Magritte şairler, filozoflar ve yazarlardan oluşan bir çevrede hareket ediyor, 19. yüzyılın ünlü romantiklerinin teorik eserlerini inceliyor. 19. yüzyılın başlarındaki İngiliz romantik şairi ve filozofunun eserlerinden büyük ölçüde etkilendi. Sanatta sembolizme her şeyden önce saygı duyan Samuel Taylor Coleridge - öyle "maddenin ruha tamamen tabi kılınması, maddenin ruhun kendisini açığa çıkardığı bir sembole dönüşmesi."

Bu fikir özellikle Magritte'in 1933'te yarattığı ünlü "Kurtuluş" ("Tarlalara Uçuş") tablosunda örneklenmiştir.

Kırık bir pencereden tuhaf bir manzara açılıyor. Yeşilimsi akşam tepeleri, küresel mavi ağaçlar, şeffaf sedefli gökyüzü, mavi mesafeler. Tonal resim tekniklerini zekice kullanan sanatçı, neşeli bir mutluluk havası, alışılmadık ve harika bir şeyin beklentisi yaratıyor. Ön plandaki perdelerin sıcak gölgesi, bu büyüleyici manzaranın ferahlık izlenimini artırıyor... Magritte'in resimleri sakin, cesur bir el tarafından yapılmış gibi görünüyor. Renk ustası Magritte, rengi idareli ve tutumlu bir şekilde kullanıyor. "Kurtuluş"ta renk sembolizmi karmaşık çağrışımları ifade etmek için kullanılır. Mavi, pembe, sarı ve siyah noktalar görüntüye inanılmaz bir renk dolgunluğu ve canlılık kazandırır.

"Sürrealizm ve Freudculuk" konusuna dönersek, Rene Magritte'in çalışmalarının özgünlüğü daha iyi ortaya çıkacaktır. Gerçeküstücülüğün ana teorisyeni, mesleği psikiyatrist olan Andre Breton, sanatçının çalışmalarını değerlendirirken Freud'un psikanalizine belirleyici bir önem verdi. Freudcu görüşler yalnızca birçok gerçeküstücü tarafından benimsenmekle kalmadı, aynı zamanda onların düşünme biçimi haline geldi. Örneğin Salvador Dali için, kendi itirafına göre, Freud'un fikirlerinin dünyası, ortaçağ sanatçıları için Kutsal Yazıların dünyası ya da Rönesans'ın ustaları için antik mitoloji dünyası kadar anlam taşıyordu.

Sigmund Freud'un önerdiği "serbest çağrışım yöntemi", onun "hata teorisi" ve "rüyaların yorumlanması" öncelikle iyileşme amacıyla ağrılı zihinsel bozuklukları tanımlamayı amaçlıyordu. Freud'un önerdiği sanat eserlerinin yorumlanması da buna yönelikti. Ancak bu anlayışla sanat, deyim yerindeyse özel bir “iyileştirici” unsura indirgeniyor. Bu, sürrealizm teorisyenlerinin sanat eserlerine yaklaşımının yanılgısıydı. Magritte bunun gayet farkındaydı ve 1937'deki bir mektubunda şunu belirtiyordu: "Anladığım kadarıyla sanat psikanalize tabi değildir. Her zaman bir gizemdir." Sanatçı, resimlerini psikanaliz yardımıyla yorumlama girişimlerini ironik bir şekilde ele aldı: "Benim 'Kırmızı Modeli'min bir hadım edilme kompleksi örneği olduğuna karar verdiler. Bu tür birçok açıklamayı dinledikten sonra, hepsine göre bir çizim yaptım" Doğal olarak aynı şekilde soğukkanlılıkla analiz ettiler. Bir insanın masum bir çizim yaptıktan sonra nasıl bir alay konusu olabileceğini görmek korkunç... Belki de psikanalizin kendisi bir psikanalist için en iyi konudur. "

Magritte'nin kendisine "sürrealist" demeyi inatla reddetmesinin nedeni budur. "Büyülü gerçekçi" tanımını hemen kabul etti. Bu yön, Magritte'in Paris'ten Brüksel'e tamamen döndüğü 1930'dan başlayarak, çalışmalarının "Belçika döneminin" karakteristik özelliğidir.

Eski Hollanda sanatının geleneklerinin Magritte'in çalışmaları üzerinde olumlu bir etkisi oldu. “İntihal” (1960) tablosunda birçok simgesel ayrıntı dikkat çekmektedir.

Masanın solunda bir yuva ve üç yumurtanın resmini görüyoruz - Üçlü Birliğin sembolizmi. Sanatçı, bir sihirbaz gibi, hayal gücünün görüntülerini gözlerimizin önünde gerçekleştiriyor gibi görünüyor ve bunlar, canlı bir yaratıcı hayal gücünün sembolü olan, meyve veren güzel bir bahçeye dönüşüyor. Magritte incelikli, ruhsallaştırılmış şiirsel bir imaj yaratır. Resme baktığımızda, yalnızca en narin pembe, mavimsi, sedefli tonlara hayran kalabilirsiniz - gerçekten muhteşem bir manzara.

1930'larda Magritte, Bosch'un sanatının yanı sıra, 1889'da "Seralar" koleksiyonunda yazan yurttaşı, oyun yazarı ve filozof Maurice Maeterlinck'in çalışmalarını da derinlemesine inceliyor: "Bir sembol doğanın bir gücüdür, ancak insan zihni buna karşı koyamaz" kanunları... Sembol yoksa sanat eseri de yoktur."

Magritte, Maeterlinck'e, sanatçının hayal gücünün gerçek dünyaya dönüştürdüğü bütün bir görüntü ağıyla karşılaştırma geliştirme yeteneğini borçludur. “Büyüklüğün Çılgınlığı” (1948) adlı resimde, insan yaşamının kırılganlığının bir sembolü olarak, sonsuz masmavi denizin fonunda taş bir korkuluk üzerinde sönmekte olan bir mum tasvir edilmiştir. Yakınlarda birbirinden büyüyen birkaç kadın gövdesi var (duygusallığın sembolü). Ve güzel donmuş bulutların olduğu gökyüzünde (Magritte için - zamansızlığın sembolü), izleyici "saf fikirleri" simgeleyen mavi "maddi olmayan" geometrik şekilleri ve soyut "saf düşüncenin" sembolü olan bir sıcak hava balonunu görüyor.

Sanatçı, ince düşünülmüş bir renk şemasının yardımıyla ana fikri "açıklığa kavuşturuyor". Onun "duygusallığı" sıcak bir ten rengidir. “Saf Formlar” soğuk mavimsi bir tonda, sembolizme karşılık gelen ve aynı zamanda sınırsız bir mekan hissi yaratan bir tonda tasarlandı.

Maeterlinck "Alçakgönüllülerin Hazinesi" adlı incelemesinde şöyle yazmıştı: "Vadide rastgele dolaşıyoruz, tüm hareketlerimizin yeniden üretildiğini ve gerçek anlamlarını dağın zirvesinde kazandığını fark etmiyoruz" ve "Mütevazıların Hazinesi" adlı incelemesinde şöyle yazmıştı: Bazen biri yanımıza gelir ve şöyle der: "Gözlerinizi kaldırın, ne olduğunuza bakın, ne yaptığınıza bakın. Biz burada yaşamıyoruz, hayatımız orada. Karanlıkta birbirimize baktığımız o bakış, bizi hayır yapan o sözler. Dağın eteğinde hissedin, bakın, ne hale geldiler ve orada, karlı tepelerin üzerinde ne anlama geliyorlar."

Maeterlinck'in bu fikri Magritte'nin "Arnheim'ın Sahipliği" (1962) adlı tablosuna da yansıdı.

Sanatçı, gerçeğin tüm ışıltılı ihtişamıyla ancak üzerine sahte bir resim çizilen camı kırarak görülebileceğine inanıyor. Gerçek burada, Maeterlinck'in bahsettiği dağların doruklarında gizleniyor.

"Beklenmeyen Cevap" (1933) tablosu Maeterlinck'in başka bir düşüncesini somutlaştırıyor: "Hayatta önemsiz gün yoktur. Git, geri dön, tekrar dışarı çık - ihtiyacın olanı alacakaranlıkta bulacaksın. Ama asla unutma kapıya yakın. Bu "belki de karanlığın kapılarındaki dar çatlaklardan biri, bu sayede bize henüz keşfedilmemiş hazineler mağarasında olmak üzere olan her şeyi bir an için görme fırsatı veriliyor. "

Resim, heyecan verici bir gizemin bir tür amblemi gibi görünüyor - eğer bu tanım Magritte'in en gizemli ve mistik kompozisyonlarından birine atfedilebilirse, buradaki her şey o kadar bütünsel, "doğal". Açık bir "saldırıya uğramış kapı", birçok gizemle dolu başka bir boyutun sembolüdür.

Magritte hakkında yazan bazı yazarlar onu, resimlerinin hiçbir anlamı olmayan bir "saçma sanatçı" olarak tanımlıyor. Eğer durum böyle olsaydı, sanatçının amacı yalnızca "gündelik varoluşumuzun saçmalığını" tasvir etmek olsaydı, bu ciddi bir sanat değil, bulmaca düzeyinde bir yaratıcılık olurdu. Magritte şunları yazdı: "Bir resmi dinlemek yerine rastgele soruyoruz. Aldığımız yanıtın açık sözlü olmaması bizi şaşırtıyor."

Sanatına genellikle "hayal rüyaları" deniyordu. Sanatçı şu açıklamayı yaptı: "Resimlerim sizi uyutan rüyalar değil, sizi uyandıran rüyalardır." Tanınmış sürrealist Max Ernst'in 1950'li yılların başında New York'taki sergisini gezdikten sonra "Magritte ne uyuyor ne de uyanık kalıyor. Aydınlatıyor. Hayal dünyasını fethediyor" demesi boşuna değil.

Magritte, "Gizem olmadan ne dünya ne de fikir mümkün olur" diye tekrarlamaktan asla bıkmadı. Otoportrelerinden birinin epigrafı olarak da 19. yüzyıl Fransız şairinden bir dizeyi almış. Lautreamont: "Bazen rüya görüyorum ama asla kimliğimin bilincini bir an bile kaybetmiyorum."

Magritte'in eserlerinde "iç ve dış" kavramının beklenmedik bir şekilde yorumlanmasının nedeni budur.

Sanatçının “Hayattan Kareler” (1934) adlı tablosuna yorumu şöyle: “Odanın içinden gördüğümüz pencerenin önüne, manzaranın kapladığı kısmını tam olarak resmeden bir tablo yerleştirdim. resimdeki ağaç, arkasında duran ağacın dışarısını gizlemektedir.İzleyici için ağaç aynı anda hem resimde odanın içinde, hem de gerçek manzarada dışarıdadır.Biz dünyayı böyle görüyoruz.Onu hem kendi dışımızda hem de dışarıda görüyoruz. aynı zamanda kendi içimizde de onun temsilini görüyoruz. Bu şekilde bazen şu anda olup biteni geçmişe yerleştiriyoruz. Böylece zaman ve mekan, sıradan bilincin onlara yüklediği önemsiz anlamdan kurtuluyor."

Herbert Read şunu kaydetti: "Magritte, formlarının sertliği ve belirgin görüş netliğiyle öne çıkıyor. Onun sembolizmi, tasvir etmeyi çok sevdiği pencerelerin camları gibi saf ve şeffaftır. Rene Magritte, dünyanın kırılganlığı konusunda uyarıyor." Cam kırıldı: Uçuş sırasında önemli ölçüde donuyor, görüntüler düşüyor ve buz kütleleri gibi sıralanıyor." Bu, Magritte'in çokanlamlı metaforlarının olası yorumlarından birine bir örnektir. Bu sanatçının cam pencere motifi aynı zamanda iki dünya arasındaki sınır olarak da görülebilir: gerçek ile gerçeküstü, şiirsel ile gündelik, bilinç ile bilinçdışı arasındaki sınır.

“İnsanın Oğlu” (1964) adlı resimde, modern insan, onu okyanusun ve gökyüzünün uçsuz bucaksız alanlarından ayıran ve sonsuzluğu simgeleyen bir duvarın arka planında tasvir edilmiştir. Bir kişinin yüzünün önünde asılı olan bir elma, görüntüye gizem katar. Bu elma hem bilgi ağacının meyvesi olarak hem de insanın anlamaya çalıştığı doğanın sembolü olarak algılanabilir. Bu detay aynı zamanda temiz bir burjuvanın sıradan görünümüne de uyum sağlıyor.

“Golconda” (1953) tablosu somutlaştırılmış bir metafor olarak görülebilir: “ağırlığı olan” insanlar ağırlıksız hale geldi. Adında bir ironi gizli: Sonuçta Golconda, Hindistan'ın altın yatakları ve elmaslarıyla ünlü, yarı efsanevi bir şehri ve bu insanlar altına ilgi duyuyor gibi görünüyor. Sanatçı, sınırsız bir alanda, melon şapkalı, kravatlı ve modaya uygun paltolu, düzgün giyimli birkaç düzine kiracıyı mutlak bir soğukkanlılığı koruyarak asıyor.

Magritte'in daha sonraki resimlerinden biri olan "Hazır Buket" (1956), aynı melon şapkalı ve kuyruklu, terasta sırtı izleyiciye dönük duran bir adam, akşam parkını seyrediyor. Sırtında ise Botticelli'nin çiçekler ve renklerin ışıltısı içinde yürüyen “Bahar”ı tasvir ediliyor. Bu nedir? “İnsan geçer, sanat kalır” aforizmasının gerçekleşmesi? Ya da belki parka hayran olan biri Botticelli'nin bir tablosunu hatırlamıştır? Cevap belirsiz.

Sanatçı, alışılagelmiş olan, bilinen, değişmeyen düşünceyi yıkıp nesneyi yeni bir boyutta görmesini sağlamaya çalışarak izleyiciyi kafa karışıklığına sürüklemektedir. Tuvallerinde gerçek şeylerden bir fantezi ve rüya dünyası yaratarak izleyiciyi rüya ve gizem atmosferine sürüklüyor. Sanatçı duygularını nasıl "yönlendireceğini" çok iyi biliyordu. Sanatçının yarattığı dünya statik ve güçlü gibi görünüyor, ancak gerçek dışı her zaman gündelik hayatı istila ediyor, bu tanıdık dünyayı yok ediyor (bir odadaki sıradan bir elma büyüyor, insanları yerinden ediyor veya bir buharlı lokomotif şömineden dışarı atlıyor) tam hız - “Delinmiş Zaman”, 1939).

En sık kopyalanan tablo İnsanın Yaratılışı'dır (1935). Açık pencerenin önünde duran şövale üzerindeki tablodaki deniz görüntüsü, pencereden görülen “gerçek” deniz manzarasıyla mucizevi bir şekilde birleşiyor.

Magritte'in pek çok tablosunun teması sözde "gizli gerçeklik"ti. Görüntünün bir kısmı, örneğin ana karakterin yüzü bir şeyle (bir elma, bir buket çiçek, bir kuş) kaplıdır. Magritte bu eserlerin anlamını şöyle açıklıyor: "Bu resimlerdeki ilginç şey, doğada hiçbir zaman birbirinden ayrılmayan, bilincimize birdenbire patlayan açık ve gizli olanın varlığıdır."

Rene Magritte, “Aşıklar” adlı tablosunda gerçekten aşık olduğumuzda gözlerimizin kapalı olduğunu gösteriyor.

Magritte'in resimlerinin anlaşılması zor anlamını kavramaya, onları "açıklamaya" çalışan izleyicinin zihni çılgınca her ikisine de kapılır. Sanatçı, resmin başlığını kendisine "atır" (genellikle iş tamamlandıktan sonra ortaya çıkar). Magritte, tablonun algılanmasında başlığa belirleyici bir rol verdi. Akrabalarının ve arkadaşlarının anılarına göre, isimler bulurken onları sık sık edebiyatçı arkadaşlarıyla tartışıyordu. Sanatçının kendisi bu konuda şunları söylemiştir: "Başlık, tablonun işlevinin göstergesidir", "Başlık canlı bir duygu içermeli", "Bir tabloya verilecek en iyi başlık şiirseldir. Hiçbir şey öğretmemelidir," bunun yerine şaşırtın ve büyüleyin.”

Resimlerin pek çok başlığı kasıtlı olarak bilimseldir ve içlerinde ironi görülmektedir: “Felsefi Lamba” (1937), “Diyalektiğe Övgü” (1937), “Doğal Bilgi” (1938), “Duyular Üzerine İnceleme” (1944) ). Diğer başlıklar şiirsel bir gizem atmosferi yaratıyor: “Rüzgarın Kestiği Diyalog” (1928), “Düşlerin Anahtarı” (1930), “Acı Süre” (1939), “Işık İmparatorluğu” (1950), “Tanrı'nın Yaşaması” Odası” (1958).

"Işık İmparatorluğu" tablosu Magritte tarafından hayatının son on yılında yapıldı, ancak hemen onun belki de en popüler eseri haline geldi. O kadar popüler ki pek çok koleksiyoncu koleksiyonlarında sadece bir kopyasına sahip olmak için her türlü parayı ödemeye hazırdı.

Peki dünyanın her yerindeki insanların zihnini yakalayan bu resim nedir? Hızlı bir bakışta basit ve hatta mütevazı görünüyor. Küçük bir gölün kıyısındaki bir ev, yayılan ağaçların gölgesinde gizlenmiştir. İkinci katın pencereleri rahat bir ışıkla parlıyor, yalnız bir fener, karanlık bir gecede kendisini burada bulabilecek bir gezgine dost ışığını veriyor. Sıradan, tamamen gerçekçi bir gece gibi görünebilir. Herhangi bir "geleneksel" sanatçı böyle bir şeyin resmini yapabilir.

Peki bu doğru mu? O halde neden izleyiciyi resme giderek daha yakından bakmaya zorlayan belirsiz bir huzursuzluk ortaya çıkıyor? Bu endişe, birdenbire netleşene kadar bitmeyecek - gökyüzü, her şey bununla ilgili! Üzerinde beyaz kabarık bulutların neşeyle koştuğu mavi bir gökyüzü. Ve bu gecenin geç bir saati! Bunun nasıl mümkün olduğunu sormayın çünkü Magritte'in dünyasında hiçbir şey imkansız değildir. Başka hiçbir sanatçı gibi, bu sanatçı da uyumsuz olanı birleştirmeyi, resimlerine birbiriyle o kadar keskin bir kontrast oluşturan detayları dahil etmeyi seviyor ki izleyici ilk önce hafif bir şok yaşıyor, ancak daha sonra zihni iki kat daha yoğun çalışmaya başlıyor ve sorunlara bir çözüm bulmaya çalışıyor. önerilen maskaralık.

Magritte kendisi bu konuda şunları söyledi: “'Işık İmparatorluğu'nda farklı kavramları, yani gece manzarasını ve gün ışığının tüm ihtişamıyla gökyüzünü birleştirdim. Manzara bizi geceyi, gökyüzünü, günü düşünmeye sevk ediyor. Bana göre gece ve gündüzün bu eşzamanlı olgusu şaşırtma ve büyüleme gücüne sahip. Ben de bu güce şiir diyorum.”

Rene Magritte'in kendisi

“Kendi Portresi” (“Net Göz”)

Çocukluğunu hatırlatarak şöyle yazdı: “Satranç tahtasını ve üzerindeki taşları ilk gördüğümde yaşadığım şaşkınlığı hatırlıyorum. Korkutucu izlenim! Gizemli işaretlerin ses anlamına geldiği ve kelimeler olmadığı müzik sayfaları! İşte sanatçının küçük bir erken çalışması - onun yaratıcı manifestosu haline gelen “Kayıp Jokey”.

Köpüklü bir atın üzerinde son hızla koşan bir binici, müzik notalarıyla boyanmış devasa satranç taşlarından oluşan gerçeküstü bir koruda kayboldu.

“Carte Blanche” veya “Boşluğun Engeli” tablosu.

Magritte onun hakkında şunları yazdı: “Görünür şeyler görünmez olabilir. Örneğin, bazı insanlar ormanda at sırtında geziyorsa, önce onları görürsünüz, sonra görmezsiniz ama orada olduklarını bilirsiniz. “Carte Blanche” tablosunda binici ağaçları gizler, onlar da onu gizler. Ancak düşünme gücümüz görüneni de görünmeyeni de kucaklıyor ve resim sayesinde düşünceleri görünür kılıyorum.”

Resim “Yasak Bölünme”

Magritte'te yalnızca kuş resimlerinin çağrışımsal karmaşıklıklardan arınmış olduğunu belirtmek ilginçtir. Kuşlar uçuşun pozitif enerjisini taşırlar, başka bir şey değil. Ölü kuşlar, düşmüş, kanatları kırık kuşlar yok. Kuşlar canlıdır ve kanatları Magritte'in parlak mavi ve beyaz sirüs bulutlarıyla doludur (Big Family, 1963).

15 Ağustos 1967'de Rene Magritte kanserden öldü. Hayatta saygın bir eczacıya çok benzeyen 20. yüzyılın sanatçı-sihirbazlarından biri vefat etti.
Sokakta, bohemlerin gürültüsünden uzakta, kalabalıktan ayırt edilmesi zor bir Belçikalı adamın sessiz ve sakin hayatını yaşadı. Hayaller, paradokslar, korkular, gizemli tehlikeler onun hayatını değil, sadece resimlerini doldurmuştu. Sanatçı can sıkıntısıyla ancak yaratıcılık yoluyla mücadele etti. Her günün düzenliliği ona çok yakışıyordu; hatta resimlerinin çoğunu yemek odasında yapmıştı ve hayatının sonuna kadar tramvayı diğer ulaşım araçlarına tercih etmişti.
Bir keresinde, ölümünden kısa bir süre önce, bu bilgili usta Magritte şöyle demişti: "Neden yaşayıp öldüğümüzü hâlâ anlamıyorum." Belki de sanatçı bulmaca resimlerinde varoluşun nedenlerine ve gizemlerine dair ipuçlarını şifrelemiştir? Herşey mümkün. O zaman onlara daha yakından bakmaya değer!

2 Haziran 2009'da Brüksel'de ünlü sürrealist sanatçı Rene Magritte'nin çalışmalarına adanan yeni bir müze açıldı. Kraliyet Güzel Sanatlar Müzesi buna 2,5 bin metrekarelik bir oda ayırdı. Rene Magritte Müzesi'nin sergisi yazarın 200'den fazla eserini içeriyor - bu dünyadaki en büyük koleksiyon.

1978'de Adrian Maben, büyük Rene Magritte hakkında bir film yaptı. Sonra tüm dünya sanatçıyı öğrendi ama onun resimleri daha baştan ölümsüz olmaya değerdi. Magritte gerçeküstücülük tarzında resim yaptı ve cesurca Salvador Dali ile aynı seviyeye getirildi. Magritte eserlerinde çok espriliydi. Kendiniz görün: hayranlığı hak ediyorlar.

İnsanoğlu, 1964

Şehrazat, 1948

Sanatçının üslubunun en komik yanı, anlaşılmaz görüntüler çizmemesi, oldukça ilkel şeyleri resmin bileşeni olarak kullanmasıydı. Görünüşe göre tüm nesneler tanınabilir, ancak sonuç bir tür hayal edilemez sürprizdir (sürpriz!).

Sürekli hareket, 1935

Üstelik Magritte, her resme bir düşünceyi "diktiğini" ve görüntülerin aptalca bir öğe birikimi değil, bağımsız bir hikaye olduğunu söyledi.

Zevk İlkesi, 1937

Korkunun Yoldaşları, 1942

Araştırmacılar, bir sanatçının resimlerinin tamamını değerlendirdiğinizde onun iç dünyasına dair oldukça net bir fikir oluşturabileceğinizi söylüyor.

Bu bir elma değil, 1964

Büyük aile, 1967

Büyük Savaş, 1964

Sakin Uyuyan, 1927

Sanatçı 21 Kasım 1898'de Loessin şehrinde doğdu. Rene 14 yaşına geldiğinde annesinin Sambre Nehri'nde kendini boğması çocuk için büyük bir şok oldu. Bazı nedenlerden dolayı bu gerçeğin Magritte'in çalışmalarını etkilemediği genel olarak kabul edilmektedir, ancak kesinlikle bir bağlantı vardır.

Aşıklar, 1928

Aşıklar II, 1928

Golkonda, 1953

İki Gizem, 1966

Görünüşe göre, zor çocukluğunun telafisi olarak, 15 yaşındayken oğlan Georgette Berger'e aşık oluyor ve o onun ömür boyu tek kadını oluyor. Bütün resimlerini ona ithaf ediyor, tek modeli o, ona sadık kalıyor. Saygın bir aşk hikayesi! 22 yaşına geldiğinde evlenirler; o sırada Magritte sanat akademisinden mezun olalı çoktan olmuştu.

Georgette Magritte, 1934

Magritte ve Georgette

Bir aşk dalgasında, gelecekteki yetenek diğer ustaların eserlerine hayran kalır (o zamanlar kübizm modaydı) ve ressam ve poster sanatçısı olarak ekstra para kazanmaya başlar.

Terapist, 1937

Felsefi lamba, 1936

Magritte'in ilk sergisi 1927'de gerçekleşti. Daha sonra çok okudu, filozofların ve saygın yazarların arasında dolaştı, psikanaliz okudu, bu nedenle tüm resimleri derin içerik ve anlamlarla doluydu. Ancak psikanalizden hoşlanmıyordu ve kendisini sürrealist olarak görmüyordu çünkü resimlerini eleştirenler, karakterini eserlerine dayanarak "parçalamaya" çalıştılar. Oedipus kompleksine ulaştık, ölen annemizi hatırladık ve sonra Magritte sinirlendi.

"Bir insanın masum bir çizim yaptıktan sonra nasıl bir alay konusu olabileceğini görmek çok korkunç... Belki de psikanalizin kendisi bir psikanalist için en iyi konudur."

Tecavüz, 1934

Meditasyon, 1936

1950 lerde dünya çapında tanındı, resimleri genel olarak Roma, Londra, New York'ta gezegendeki en iyi galerilerde sergilendi. Sanatına genellikle "hayal rüyaları" deniyordu.

Dinleme Odası, 1952

Kırmızı model, 1935

Çarpık Ayna, 1928

Toplu buluş, 1942

Sanatçı şunları belirtti:

“Resimlerim sizi uyutan rüyalar değil, sizi uyandıran rüyalardır.”

Elbette resimleri farklı üslup ve tekniklerle çizilmişti: art deco, post-empresyonizm, kübizm, gerçeküstücülük, eserlerinde her türlü malzeme kullanılmış (guajdan aplikeye), ancak tam da sanattaki gerçeküstücülük nedeniyle ün kazandı. herkes için alışılmadık olan eserleri.

Gece Yarısı Evliliği, 1926

1967'de Rene pankreas kanserinden öldü. Üzerinden neredeyse 50 yıl geçmesine rağmen çalışmaları hâlâ insanları heyecanlandırıyor ve cezbediyor. Bu, sanatçının güvenle bir klasik olarak değerlendirilebileceği anlamına gelir.

Bitmemiş tablo, 1954

17.03.2011 V 22:08

René Magritte'den Sürrealizm

Şiddet(tüm eserler büyütülebilir)

Geçen yüzyılın seçkin sanatçılarından biri olan René Magritte(1898–1967) aslen Belçikalıydı. Brüksel Güzel Sanatlar Akademisi'nde eğitim gördü ve başlangıçta Dada ve Kübizm'den güçlü bir şekilde etkilendi. 1925 yılı çalışmalarında bir dönüm noktasıydı: “Picardy'nin Gülleri” tablosu yeni bir üslup ve yeni bir tutumun işaretiydi. "şiirsel gerçekçilik". Sanatçı, tüm sürrealist sergilere katıldığı “gerçeküstücülüğün merkezi” Paris'e taşınıyor.

Dadaizm veya Dada- edebiyatta, güzel sanatlarda, tiyatroda ve sinemada modernist bir hareket. Birinci Dünya Savaşı sırasında tarafsız İsviçre'de, Zürih'te ortaya çıktı. 1916'dan 1922'ye kadar vardı. Dadaizmin ana fikri, her türlü estetiğin tutarlı bir şekilde yok edilmesiydi. Dadaistler şöyle ilan ettiler: "Dadaistler hiçbir şey, hiçbir şey, hiçbir şey; şüphesiz hiçbir şey, hiçbir şey, hiçbir şey başaramayacaklar."
Dada'nın temel ilkeleri mantıksızlık, sanatta kabul edilen kanonların ve standartların reddedilmesi, alaycılık, hayal kırıklığı ve sistem eksikliğiydi. Dadaizmin, ideolojisini ve yöntemlerini büyük ölçüde belirleyen gerçeküstücülüğün öncülü olduğuna inanılıyor.

Aşıklar

Kırmızı model

Magritte'in en önemli özelliği eserlerindeki gizem atmosferidir. Bildiğimiz gibi gizem duygusu gerçek sanatın doğasında vardır. Herbert Read, "Magritte'i her zaman hayali bir sanatçı, Giorgione seviyesinde bir usta olarak görmüşümdür" diye yazdı. Bu sözler Magritte'in şiirselliğinin anahtarını içeriyor.Magritte sürrealistler arasında keskin bir şekilde öne çıkıyor: Onlardan farklı olarak, tuhaf ilişkilerde fantastik değil gündelik unsurları kullanıyor.

Insight("Görüş (otoportait)")

Nostalji

Alevin Dönüşü ("Le retour de flamme")

Yatak odası felsefesi

Perspektif II: Manet'nin Balkonu (“Perspektif II^ le balcon de Manet”)

Golkonda

Ufkun Gizemi

Magritte, tablonun algılanmasında başlığa belirleyici bir rol verdi. Akrabalarının ve arkadaşlarının anılarına göre, isimler bulurken onları sık sık edebiyatçı arkadaşlarıyla tartışıyordu. Sanatçının kendisi bu konuda şunları söylemiştir: "Başlık, tablonun işlevinin göstergesidir", "Başlık canlı bir duygu içermeli", "Bir tabloya verilecek en iyi başlık şiirseldir. Hiçbir şey öğretmemelidir," bunun yerine şaşırtın ve büyüleyin.”

Üzüm hasadı ayı

Büyük aile

Tam yetki

Sahte ayna

Adamın oğlu

Magritte bu tabloyu kendi portresi olarak yaptı. Arkasında denizi ve bulutlu gökyüzünü görebileceğiniz bir duvarın yanında duran, melon şapkalı, kuyruklu bir adamı tasvir ediyor. Adamın yüzü neredeyse tamamen önünde yüzen yeşil bir elma ile kaplıdır. Tablonun adını, Adem'in oğlu olarak kalan modern bir işadamı ve modern dünyada insanın peşini bırakmayan baştan çıkarıcı şeyleri simgeleyen bir elmanın görüntüsünden aldığına inanılıyor.

Brüksel'deki Rene Magritte Müzesi