Модерността в литературата на 20 век. Модернистични течения в литературата на границата на 19-20 век
Модернизмът е ново движение, дошло в Русия от Европа, обхващащо главно поезията, но някои прозаици също работят в рамките на модернизма. Модернизмът, опитвайки се да се изолира от всички предишни литературни движения, провъзгласи отхвърлянето на всякакви литературни традиции и следването на модели. Всички писатели и поети от началото на века се смятат за модернисти, които смятат и вярват, че пишат по нов начин. За разлика от реализма, модернизмът в литературата преди всичко се опитва да се отдалечи от принципа на правдоподобното изобразяване на действителността. Оттук и желанието на писателите-модернисти за фантастични елементи и сюжети, желанието да украсят съществуващата реалност, да я променят, трансформират.
Футуризмът (от латински futurum - бъдеще) е литературно течение, възникнало в Русия в началото на 20 век като протест срещу съществуващите социални принципи. Работата на футуристите се отличава с търсенето на нови средства за художествено изразяване, нови форми и образи.
37. Модернизмът в изкуството на 20 век.
Терминът модернизъм (от френски - нов) се отнася за ново, модерно изкуство, възникнало в края на 19 век и свързано с глобалната криза на европейската култура
Търсенето на нещо ново се превърна в желание за възстановяване на целостта и органичността на човешкото съществуване в рамките на единна космологична система чрез художествени средства, тоест в изкуството се върнахме към метода на създаване на митове, към формите на примитивните изкуство, към формите на детското творчество, тоест към онези форми, в които човек се чувства хармонично в този свят, където няма лъжа, където няма насилие над човешката личност
Кризата на изкуството се проявява най-ясно в живописта: повечето художници на 20-ти век се отдалечиха от изобразяването на света такъв, какъвто го виждаме. Светът понякога изглеждаше деформиран до неузнаваемост, тъй като художниците се ръководеха повече от собственото си въображение, отклонението от реализма не беше празна прищявка, художниците искаха да кажат: светът изобщо не е такъв, какъвто го виждаме: той е по своята същност безсмислено и абсурдно, подобно на нас го показваме в картините си (понятието модерност е по-широко от авангарда, който се отнася само до художествената култура, а модерността до всичко ново). В авангарда на 20-ти век имаше много посоки, тенденции, които съществуваха рамо до рамо, паралелно, често се пресичаха помежду си, заместваха или отменяха. Три движения придобиха статут на вечни: абстракционизъм, кубизъм, сюрреализъм (суперреализъм). Първото впечатление при среща с авангарда е, че всичко не е наред. Основната му формула: ако това никога не е правено преди, значи трябва да бъде направено, постоянен знак: съзнателно преобръщане на традиционните идеи. Авангардът се стреми да роди не изкуство, а метод на познание и да го постави на мястото на традиционната философия; авангардистите създават в работата си нещо специално, което включва проблема за абстрактното мислене и непряка представа за битието и концентриран свят от идеи. Следователно абстрактното изкуство не е стил, то е начин на мислене. Периоди: от Арт Нуво (XIX) до Les Demoiselles d'Avignon (първата кубична картина на Пикасо). Този период се характеризира с преструктуриране на традиционния тип изкуство; езикът на авангарда не е развит; художниците са принудени сами да обясняват основните постулати на своята позиция.
38. Основни направления на модернизма
Кубизмът е движение, свързано с името на Пабло Пикасо (Испания). Пикасо не стигна до тази тенденция веднага.
Периоди:
1. „Син период“ (1901-1904 г.). Всички портрети са обединени от студена гама от синьо, което ни позволява да развием темата за самотата, скръбта, обречеността на човек, враждебната среда („Скитащи гимнастици“, „Просяци: старец с момче“).
2. “Розов период” (1905-1906). Всички картини са в пепеляво розов цвят. Целта, която Пикасо искаше да постигне, беше да покаже, че въпреки че светът е див, в него живеят достойни хора; героите на картините са скитащи художници и акробати: „Момиче на топка“. Но художествената истина се оказа по-висока от желанието на художника, свободата се превърна в самотата на изгнаник. Снимките също са песимистични.
3. 1906-1907 (1,5 месеца). Художникът стига до извода, че решаването на човешките проблеми чрез живопис е невъзможно, живописта може да създава само пластични форми. Голям интерес към черната култура.
4. Първата фаза от началото на кубизма (1907-1908). Органичните и природните мотиви са изложени на геометризирана информация. Те са изпълнени в земно-червеникав цвят, а синьо-зелените тонове служат за подчертаване на релефа („Les Demoiselles d’Avignon“ (1907), „Три жени“).
5. Втората фаза е аналитичен кубизъм, когато картината се превръща във фракционен модел от малки геометрични елементи, през които се вижда изобразителен елемент (портрет на Валард).
6. Трета фаза: синтетичен кубизъм (1912-1913). Това са живописни композиции, които се образуват от плоски фрагменти от предмети (предимно музикални инструменти).
7. 1913-1915 г. Композиции на тема музикални инструменти, които представляват триизмерни предмети, изработени от различни материали, окачени във вертикална равнина.
Абстракционизъм.
Основател: Василий Кандински. Същността на потока е, че с помощта на четка и молив можете да създадете специална вибрация на душата и да я въведете в духа на музиката. Артистични медии: светлинни петна, линии, геометрични форми, абстракции. Абстракционизмът прилича на музика и Кандински създава свой собствен абстрактен език на живописта, където всеки цвят носи определено символично значение („Жълтото“ на Шнитке е музикално произведение). Друг представител е Казимир Малевич („Черен квадрат на бял фон” 1913). Той беше изложен като вид нов планетарен знак (романтична утопия).
Сюрреализъм.
Свързва се със Салвадор Дали. Възниква в началото на 20-те години на 20 век, стабилизира се през 25-26 г. Основната основа е усещането за причудливост, неочакваността на феномена на света; идеята за непознаваемост и липса на света; реалният свят е светът, който е в нашето подсъзнание. Същността на художествения метод е съчетаването на реални обекти с нереални, или реални, но доведени до абсурд, или реални, но в ирационална комбинация („Антропоморфният килер“ на Дали). Сюрреализмът се проявява не само в живописта, но и в скулптурата и киното.
Постмодернизъм.
Постмодернизмът е естетическа революция, настъпила в Европа през 60-70-те години. Като термин започва да се използва през 79г. Това не е стил, а цитиране на известни примери, но в маниер на умишлена глупост и основната характерна черта е еклектизъм (съчетание на различни елементи - Изток, Запад, Африка, европейска култура). Този път постави началната точка и точката на най-високо развитие (европейската цивилизация) от едната страна. Постмодернизмът е резултат от студентските движения, той е реакция на консуматорското общество. Те се опитаха да въведат нова супер-идея в общество без идеология. Истинският творец в света е заобиколен от врагове, така че постмодернизмът е форма на естетически бунт и е изразен от идеята за нова сексуална революция и нова чувственост. Както модернизмът, така и постмодернизмът не могат да претендират за широка популярност, тоест те възникват като елитарни; но модернизмът и постмодернизмът се превърнаха в онзи етап в развитието на културата на 20-ти век, който не само идентифицира всичките си болезнени точки, но и стана изкуството, което свързва епохата на 20 век с Вечното, забравено в суматохата.
| " |
През втората половина на 19 век, първо в Европа, а след това и в Русия, възниква художествено движение - модерен (от френския moderne - модерен). Отличителните черти на този стил са замяната на прави линии и ъгли с по-естествени, „естествени“ линии, процъфтяването на приложното изкуство с преобладаване на криволинейни растителни шарки, формиращи композиционната структура на произведението.
Живописта в стил Арт Нуво се характеризира с комбинация от орнаментални фонове и натуралистична осезаемост на фигури и детайли, силуети, използване на големи цветни равнини или нюансиран монохром. Скулптурата в стил Арт Нуво се отличава с динамиката и плавността на формите, графиката - с играта на изящни крехки линии и силуети.
В Русия в края на 1890-те години е основано художественото сдружение „Светът на изкуството“, което отстоява приоритета на естетическия принцип в изкуството за разлика от силно социалната ориентация на скитниците и се стреми към модерност и символизъм.
През годините в сдружението влизат художници А. Н. Беноа, Л. С. Бакст, Н. К. Рьорих, М. В. Добужински, Е. Е. Лансере, А. П. Остроумова-Лебедева, К. А. Сомов и др. Близо до „Света на изкуството” бяха И. Я. Билибин, К. А. Коровин, Б. М. Кустодиев, В. А. Серов, М. А. Врубел, И. И. Левитан, М. В. Нестеров, К. Ф. Юон и др.
Нека разгледаме по-отблизо работата на отделни художници, най-видните представители на руския модернизъм от този период - М. А. Врубел, В. А. Серов, В. М. Васнецов.Врубел Михаил Александрович (живял 1856–1910) - руски художник, виден представител на Арт Нуво и символизма. Врубел постига висоти в почти всички видове и жанрове на изобразителното изкуство: живопис, графика, декоративна скулптура, театрално изкуство. Наследството на Врубел включва множество картини, декоративни пана, фрески и илюстрации на книги.
Докато все още учи в Академията на изкуствата, Врубел, по покана на А. Прахов, известен изкуствовед от онова време, участва в реставрационни работи в църквите на Киев. Врубел завърши няколко композиции за църквата Кирил, за да замени изгубените, нарисува иконата „Богородица с младенеца“ и предложи на комисията скици на картините на Владимирската катедрала. Тези скици бяха отхвърлени от комисията поради несъответствието им с византийската традиция - Врубел ги модернизира, изпълвайки ги с трагичен психологизъм, характерен за края на 19 век. Въпреки това, тези произведения оказват голямо влияние върху развитието на Врубел като художник.Оригиналният стил на Врубел се характеризира с особен вид кристален модел, блестящ със синьо-лилави мрачни ръбове.В много от картините на Врубел от ранния период цари атмосферата на приказка. „Принцесата лебед“ е картина на Врубел, написана въз основа на сценичния образ на героинята от операта на Н. А. Римски-Корсаков „Приказката за цар Салтан“.
Принцесата с тъжно лице в платното на Врубел е мистериозна и загадъчна. На фона на здрача, спускащ се над морето, крилете на принцесата се открояват като светло петно, изрисувани по особен "Врубелов" начин, като фасетирани скъпоценни камъни.
М. А. Врубел. Демон седи. 1890 г
Един от централните образи в творчеството на Врубел може да се нарече образът на Демона, като образ на силата на човешкия дух, вътрешната борба и съмнението. В началото на 1890 г. Врубел рисува илюстрации към поемата на М. Ю. Лермонтов „Демонът“, след това започва работа върху „Седналият демон“, а по-късно написва „Летящият демон“ и „Победеният демон“.
В първата картина от този цикъл Врубел интерпретира образа на демон като дух, който не е толкова зъл, колкото страдащ и скръбен, в същото време мощен и величествен дух. Трагично сключил ръце, Демонът седи заобиколен от фантастични цветя на фона на планини в ален залез. Огромните очи на Демона са тъжни, погледът му е насочен в далечината. Фигурата на Демона сякаш е притисната между горната и долната рамка на картината, което визуално я доближава до зрителя и засилва драмата на изображението.
Продължавайки тази тема, в „Летящият демон“ Врубел изобразява Демона като могъщ владетел на света, а в „Победеният демон“ Демонът е написан на ръба на смъртта, фигурата му е счупена, но изражението на лицето му е поразителен в израза си, духът на Демона не е сломен.
Във всички тези картини ясно се проявява индивидуалният стил на Врубел; всичко е нарисувано с ефекта на блестящи кристални ръбове, което прави тези картини да изглеждат като скъпоценни витражи или панели. Врубел постигна този ефект, като използваше палитра вместо четка; в този случай щрихите на боята се оказаха плоски и дебели.
М. А. Врубел. Демонът е победен. 1902 г
През 1902 г. Врубел е поразен от сериозно психическо заболяване, една от причините за което е смъртта на малкия син на Врубел. В късния период на своето творчество, прекаран предимно в частни клиники в Москва и Санкт Петербург, Врубел създава редица творби, които преминават от модернизма към авангарда.
Картината от късния период „Шестокрил Серафим” (известна и под други имена - „Ангел с меч и кадилница”, „Азраил” и „Херувим”), създадена в стените на клиниката на V.P. Сербски, се отнася до най-високите постижения на творческия път на Врубел.В тази творба художникът дарява Серафим с хипнотизиращия поглед на самата съдба, а мечът и лампата в ръцете му изглеждат като символи на живота и смъртта: стоманата излъчва леден студ, спорейки с живата и гореща светлина на лампата. Удивително красивият колорит на картината напомня за византийски мозайки и витражи.
Картината „Шестокрилият серафим“ може да се нарече многоценен финал на цялото творческо пътуване на Врубел в търсене на образи на демони и ангели.
|
В. А. Серов. Автопортрет. |
В ранния период на своето творчество Серов е близо до руския импресионизъм, в творбите от този период художникът вижда основната си задача в непосредственото възприемане на модела и природата и тяхното вярно пластично решение. В слънчевото развитие на светлината и цвета, в предаването на сложната хармония на рефлексите и въздуха, Серов прославя младостта и красотата на своите модели.
|
В. А. Серов. Момиче с праскови. 1887 г |
За картината „Момиче с праскови“ Серов получава награда от Московското дружество на любителите на изкуството.
В. А. Серов. Изнасилването на Европа. 1910 г
С течение на времето импресионистичният стил на Серов става по-сдържан, доближавайки се до монохромната живопис и придобивайки чертите на новия стил Арт Нуво, най-ясно проявяващ се в такива произведения като „Портрет на Ида Рубинщайн“ и „Изнасилването на Европа“.
Картината „Изнасилването на Европа“ е създадена от Серов в стил монументален декоративен панел. Темата на художника е древногръцкият мит за отвличането на Европа, дъщерята на цар Агенор, от Зевс, превърнал се в бик.
Композицията на платното с висок хоризонт е изградена от Серов върху ритмичното диагонално движение на формите. Активното движение на плуващ бик се спира от завъртането на главата му, балансът на две вълни, между които в центъра са главите на Европа и Зевс. Условно написаните вълни създават усещане за премерено движение, фигурите на делфини повтарят движението на вълните и плуващия Зевс, засилвайки динамиката на цялата композиция.
Цветовата схема на картината се основава на хармонията на синьо и оранжево: яркото червено петно на фигурата на бика върху синьо-виолетовото море изглежда красиво и изразително. Плътни сини „петна“, разпръснати по повърхността на водата, изобразяващи водни вълни, предават движението на вълните и организират равнината на картината, както и ясните контури на всички фигури.
В. А. Серов. Портрет на Ида Рубинщайн. 1910 г
Върхът на стила Арт Нуво в творчеството на Серов е портретът на Ида Рубинщайн, известната танцьорка и актриса от онова време. В този портрет Серов не се опитва да пресъздаде истинския й образ; основната задача на художника тук е да стилизира природата и да предаде сложността на характера на модела. Запазвайки специфичните индивидуални черти на модела, неговия външен вид, характер и пластичност, Серов съчетава реалното и конвенционалното в композицията, които са отличителните стилистични характеристики на Арт Нуво.
Серов изобразява Ида Рубинщайн в портрет на предизвикателна, великолепна, но в същото време външният вид на актрисата е фин и лиричен. Художникът възпроизвежда фигурата на модела в сложен завой, използвайки извити линии, изостряйки контура му до краен предел. Самата композиция, която отговаря на изискванията на модернизма, не разкрива пространството, в което е изобразена актрисата, фонът на портрета е плосък и условен, което създава усещането, че Ида Рубинщайн не седи, а е разперена, притисната. срещу стената.
При първото си представяне на Международната художествена изложба в Рим през 1911 г. картината прави скандално впечатление: публиката е шокирана както от факта, че известната танцьорка, която е приета в обществото, позира гола, така и от факта, че Серов използва съвършено нови композиционни и живописни похвати, отличаващи стила сецесион.
В церемониалните портрети на Серов през този период се засилва и остротата на дълбоките социално-психологически характеристики. Когато предава портретните характеристики на модела, Серов често използва хиперболизация и гротеска, създавайки картина, съвременна на духа на времето.Пример за такъв церемониален портрет с модернистични черти може да се нарече „Портрет на принцеса О. К. Орлова“, в който сложната техника на рисуване е съчетана с ирония и лека подигравка. Серов рисува този портрет по поръчка на самата принцеса, но много съвременници отбелязват безкомпромисния поглед на художника към клиента и го подозират в сарказъм.
Олга Орлова е изобразена в претенциозна поза: огромна шапка, самур, отметнат назад и разкриващ раменете й, ръце, стиснали перлена огърлица, открит връх на лачена обувка - всичко това придава на образа на принцесата сложна грация. В стила на Арт Нуво Серов използва нервните, ъглови контури на силуета на фигурата, съчетани с реализма и материалността на детайлната работа.
|
В. М. Васнецов. Автопортрет. 1873 г |
Основната посока на творчеството на Васнецов става епичната историческа живопис, където художникът трансформира руския исторически жанр, съчетавайки средновековни мотиви с поетичната атмосфера на руските приказки.
Много от произведенията на Васнецов по своя стил са близки до декоративните панели, характерни за Арт Нуво, пренасяйки зрителя в свят на мечти.
В. М. Васнецов. Рицар на кръстопът. 1882 г
Впечатлен от руския епос в края на 19 век, Васнецов рисува монументални платна „Богатирци” и „Рицар на кръстопът”.
Сюжетът на филма „Рицарят на кръстопът“ се основава на мотивите на епоса „Иля Муромец и разбойниците“. В първоначалните скици за тази картина Васнецов обърна рицаря с лице към зрителя. Но за по-голяма изразителност и емоционалност на изображението в окончателния вариант художникът увеличава размера на платното, фигурата на рицаря става по-монументална, дълбочината на композицията намалява и става по-плоска, по-близо до панел. В последната версия пътят също изчезна, така че рицарят нямаше друг избор освен посочения на камъка.
Една от най-известните картини на Васнецов, „Альонушка“, също е базирана на фолклорния сюжет на руската народна приказка „За сестра Альонушка и брат Иванушка“.Импулсът за рисуването на тази картина беше случайна среща на художника с просто косо селско момиче. В нейното сладко лице Васнецов видя специална руска душа, с нейната меланхолия, самота и чисто руска тъга в очите.
За да търси пейзажен мотив за тази картина, Васнецов завършва много скици от брега на река Вор в Абрамцево, близо до езерото в Ахтирка.
„Альонушка“ е изложена за първи път на изложбата на странстващите през 1881 г. и според прегледите на известния критик от онова време И. Е. Грабар е обявена за една от най-добрите картини на руската школа.
|
В. М. Васнецов. Кръщението на Русия. 1890 г |
Върхът на творчеството на Васнецов може да се нарече картините на Киевската катедрала "Свети Владимир", в които художникът до известна степен актуализира византийските канони, въвеждайки в тях лирико-личен елемент и специален "руски" психологизъм.
Всички теми на рисунките на катедралата се основават на разбирането за религиозната история на Русия, като наследник на Византия, и мястото на Русия в световната култура и история.
Фреската "Кръщението на Русия" се превърна в една от централните композиции на катедралата "Свети Владимир" над входа на хора. Васнецов избра момента на кръщението на жителите на Киев във водите на Днепър като тема на самата фреска. В композицията на фреската художникът съчетава тържественост и известен патос, съответстващ на изобразения момент, с ясно индивидуализиран централен образ на княз Владимир Святославович, внасяйки романтичен елемент в каноничния сюжет.
В. М. Васнецов. Бог на Силите.
Стенопис на катедралата Свети Владимир. 1885-1896
Модернизмът в литературатавъзниква в навечерието на Първата световна война и достига своя връх през 20-те години едновременно във всички страни на Западна Европа и в Америка. Модернизмът е международно явление, състоящо се от различни школи (имажизъм, дадаизъм, експресионизъм, конструктивизъм, сюрреализъм и др.). Това е революция в литературата, участниците в която обявиха скъсване не само с традицията на реалистичното правдоподобие, но и със западната културна и литературна традиция като цяло. Всяко предишно движение в литературата се дефинира чрез връзката си с класическата традиция: човек може директно да обяви античността като модел на художествено творчество, като класиците, или да предпочете средновековието пред античността, като романтиците, но всички културни епохи преди модернизма са днес все повече се нарича „класически“, защото се развива в съответствие с класическото наследство на европейската мисъл. Модернизмът е първата културна и литературна епоха, която слага край на това наследство и дава нови отговори на „вечните“ въпроси. Както пише английският поет С. Спендър през 1930 г.: "Струва ми се, че модернистите съзнателно се стремят да създадат изцяло нова литература. Това е следствие от усещането им, че нашата епоха е в много отношения безпрецедентна и стои извън всякакви условности на миналото изкуство и литература.” .
Поколението на първите модернисти остро почувства изчерпването на формите на реалистичния разказ, тяхната естетическа умора. За модернистите понятието „реализъм“ означаваше липсата на усилия за самостоятелно разбиране на света, механичната природа на творчеството, повърхностността, скуката от неясни описания - интерес към копчето на палтото на героя, а не към неговото душевно състояние . Модернистите поставят преди всичко стойността на индивидуалното художествено виждане за света; артистичните светове, които създават, са уникално различни един от друг, всеки носи печата на ярка творческа индивидуалност.
Случайно са живели в период, когато ценностите на традиционната хуманистична култура се сриват - „свобода“ означава много различни неща в западните демокрации и в тоталитарните държави; касапницата на Първата световна война, в която за първи път са използвани оръжия за масово унищожение, показа истинската цена на човешкия живот за съвременния свят; Хуманистичната забрана за болка и физическо и духовно насилие е заменена от практиката на масови екзекуции и концентрационни лагери. Модернизмът е изкуството на една дехуманизирана епоха (терминът на испанския философ Хосе Ортега и Гасет); отношението към хуманистичните ценности в модернизма е двусмислено, но светът на модернистите се появява в сурова, студена светлина. Използвайки метафората на Дж. Конрад, можем да кажем, че героят на модернистичната творба сякаш нощува в неудобен хотел на края на света, с много подозрителни собственици, в долнопробна стая, осветена от безпощадната светлина на електрическа крушка без абажур.
Модернистите концептуализират човешкото съществуване като кратък, крехък момент; субектът може или не може да осъзнава трагедията, крехкостта на нашия абсурден свят и работата на художника е да покаже ужаса, величието и красотата, съдържащи се въпреки всичко в моментите на земното съществуване. Социалната проблематика, която играе толкова важна роля в реализма на 19 век, е дадена индиректно в модернизма, като неразделна част от холистичния портрет на индивида. Основната област на интерес на модернистите е изобразяването на връзката между съзнателното и несъзнаваното в човека, механизмите на неговите възприятия и причудливата работа на паметта. Модернистичният герой по правило се възприема в цялост на своите преживявания, неговото субективно съществуване, въпреки че самият мащаб на живота му може да бъде малък и незначителен. В модернизма продължава основната линия на развитие на съвременната литература към постоянно намаляване на социалния статус на героя; модернистичният герой е "всеки човек", всеки човек. Модернистите се научиха да описват такива душевни състояния на човек, които литературата преди това не беше забелязала, и го направиха с такава убедителност, че на буржоазните критици това изглеждаше като обида към морала и профанация на изкуството на словото. Не само съдържанието - голямата роля на интимните и сексуални проблеми, относителността на моралните оценки, подчертаната аполитичност - но на първо място необичайните форми на модернистичното разказване предизвикаха особено остро отхвърляне. Днес, когато повечето шедьоври на модернистичната литература са включени в училищните и университетските учебни програми, ни е трудно да доловим бунтарския, антибуржоазен характер на ранния модернизъм, суровостта на отправените към него обвинения и предизвикателства.
Трима основни писатели на модернизма- ирландецът Джеймс Джойс (1882-1943), французинът Марсел Пруст (1871-1922), Франц Кафка (1883-1924). Всеки от тях в своя собствена посока реформира изкуството на словото на ХХ век, всеки се смята за велик пионер на модернизма. Нека да разгледаме романа на Джеймс Джойс "Одисей" като пример.
Двадесети век, като никой друг, беше белязан от конкуренцията на много направления в изкуството. Тези посоки са напълно различни, те се конкурират помежду си, заменят се и вземат предвид постиженията на другия. Единственото нещо, което ги обединява, е противопоставянето на класическото реалистично изкуство, опитите да намерят свои собствени начини за отразяване на реалността. Тези направления са обединени от конвенционалния термин „модернизъм“. Самият термин „модернизъм“ (от „модерен“ - модерен) възниква в романтичната естетика на А. Шлегел, но след това не се вкорени. Но той се използва сто години по-късно, в края на 19 век, и започва да обозначава първоначално странни, необичайни естетически системи. Днес „модернизъм” е термин с изключително широко значение, което всъщност стои в две опозиции: от една страна е „всичко, което не е реализъм”, от друга (в последните години) това е „постмодернизъм”. не. Така понятието модернизъм се разкрива негативно – по метода на „противоречие”. Естествено, при този подход не говорим за никаква структурна яснота.
Има огромен брой модернистични тенденции, ние ще се съсредоточим само върху най-значимите:
Импресионизъм (от френското „импресия“ - впечатление) - движение в изкуството от последната третина на 19-ти - началото на 20-ти век, което произхожда от Франция и след това се разпространява в целия свят. Представители на импресионизма се стремят да уловятреалния свят в неговата подвижност и променливост, за да предадете мимолетните си впечатления. Самите импресионисти наричат себе си „нови реалисти“, терминът се появява по-късно, след 1874 г., когато на изложбата е демонстрирана сега известната творба на К. Моне „Изгрев“. Впечатление“. Първоначално терминът „импресионизъм“ имаше негативна конотация, изразяваща недоумение и дори презрение към критиците, но самите художници, „напук на критиците“, го приеха и с течение на времето негативните конотации изчезнаха.
В живописта импресионизмът оказа огромно влияние върху цялото последващо развитие на изкуството.
В литературата ролята на импресионизма е по-скромна, той не се развива като самостоятелно движение. Въпреки това естетиката на импресионизма повлия на творчеството на много автори, включително в Русия. Доверието в „мимолетните неща” е белязано от много стихотворения на К. Балмонт, И. Аненски и др.В допълнение, импресионизмът е отразен в цветовата схема на много писатели, например неговите характеристики се забелязват в палитрата на Б. Зайцев .
Въпреки това, като интегрално движение, импресионизмът не се появява в литературата, превръщайки се в характерен фон на символизма и неореализма.
символизъм – едно от най-мощните направления на модернизма, доста разпръснато в своите нагласи и търсения. Символизмът започва да се оформя във Франция през 70-те години на 19 век и бързо се разпространява в цяла Европа.
До 90-те години символизмът се превърна в общоевропейска тенденция, с изключение на Италия, където по не съвсем ясни причини не се утвърди.
В Русия символизмът започва да се проявява в края на 80-те години и се появява като съзнателно движение до средата на 90-те години.
Според времето на формиране и характеристиките на мирогледа е обичайно да се разграничават два основни етапа в руския символизъм. Поетите, дебютирали през 1890 г., се наричат "старши символисти" (В. Брюсов, К. Балмонт, Д. Мережковски, З. Гипиус, Ф. Сологуб и др.).
През 1900 г. се появяват редица нови имена, които значително променят лицето на символизма: А. Блок, А. Бели, Вяч. Иванов и др.. Приетото наименование на „втората вълна” на символизма е „млад символизъм”. Важно е да се има предвид, че „старшите“ и „младите“ символисти бяха разделени не толкова по възраст (например Вячеслав Иванов гравитира към „старите“ по възраст), а по разликата в мирогледа и посоката на креативност.
Творчеството на по-старите символисти се вписва по-близо в канона на неоромантизма. Характерни мотиви са самотата, избраността на поета, несъвършенството на света. В стиховете на К. Балмонт се забелязва влиянието на импресионистичната техника, ранният Брюсов има много технически експерименти и словесна екзотика.
Младите символисти създадоха по-цялостна и оригинална концепция, която се основаваше на сливането на живота и изкуството, на идеята за подобряване на света според естетическите закони. Мистерията на битието не може да бъде изразена с обикновени думи, тя е само отгатната в системата от символи, интуитивно открита от поета. Концепцията за мистерията, непроявеността на значенията се превръща в опора на символистичната естетика. Поезия, според Вяч. Иванов, има „таен запис на неизразимото“. Социалната и естетическа илюзия на младия символизъм е, че чрез „пророческото слово” човек може да промени света. Следователно те се виждаха не само като поети, но и като демиурзи, тоест създателите на света. Неизпълнената утопия доведе в началото на 1910 г. до пълна криза на символизма, до разпадането му като цялостна система, въпреки че „ехото“ на символистичната естетика се чуваше дълго време.
Независимо от прилагането на социалната утопия, символизмът изключително обогати руската и световната поезия. Имената на А. Блок, И. Аненски, Вяч. Иванов, А. Белий и други видни поети символисти са гордостта на руската литература.
Акмеизъм(от гръцки „acme“ - „най-високата степен, връх, разцвет, време на цъфтеж“) е литературно движение, възникнало в началото на десетите години на 20 век в Русия. В исторически план акмеизмът е реакция на кризата на символизма. За разлика от „тайната“ дума на символистите, акмеистите провъзгласяват ценността на материала, пластичната обективност на изображенията, точността и изтънчеността на словото.
Формирането на акмеизма е тясно свързано с дейността на организацията „Работилница на поетите“, централните фигури на която са Н. Гумильов и С. Городецки. Към акмеизма се придържат и О. Манделщам, ранната А. Ахматова, В. Нарбут и др.. По-късно обаче Ахматова поставя под въпрос естетическото единство на акмеизма и дори легитимността на самия термин. Но едва ли някой може да се съгласи с нея в това: естетическото единство на поетите-акмеисти, поне в ранните години, е извън съмнение. И въпросът е не само в програмните статии на Н. Гумильов и О. Манделщам, където е формулирано естетическото кредо на новото движение, но преди всичко в самата практика. Акмеизмът странно съчетава романтично желание за екзотика, за скитания с изтънченост на думите, което го прави подобен на бароковата култура.
Любими образи на акмеизма - екзотична красота (така във всеки период от творчеството на Гумильов се появяват стихове за екзотични животни: жираф, ягуар, носорог, кенгуру и др.), образи на културата(в Гумильов, Ахматова, Манделщам), любовната тема е разгледана много пластично. Често детайл от предмет се превръща в психологически знак(например ръкавица от Гумильов или Ахматова).
Първо Светът изглежда за акмеистите изискан, но „подобен на играчка“, подчертано нереален.Например известното ранно стихотворение на О. Манделщам е така:
Горят със златни листа
В горите има коледни елхи;
Играчки вълци в храстите
Гледат със страшни очи.
О, моя пророческа тъга,
О, моята тиха свобода
И безжизненото небе
Винаги засмян кристал!
По-късно пътищата на акмеистите се разделиха, малко остана от предишното единство, въпреки че мнозинството от поетите запазиха лоялността си към идеалите на високата култура и култа към поетичното майсторство до края. Много големи литературни художници излязоха от акмеизма. Руската литература има право да се гордее с имената на Гумильов, Манделщам и Ахматова.
футуризъм(от латински "futurus" “ – бъдеще). Ако символизмът, както бе споменато по-горе, не се вкорени в Италия, тогава футуризмът, напротив, има италиански произход. За „баща” на футуризма се смята италианският поет и теоретик на изкуството Ф. Маринети, който предлага шокираща и твърда теория за новото изкуство. Всъщност Маринети говори за механизацията на изкуството, за лишаването му от духовност. Изкуството трябва да стане нещо като „игра на механично пиано“, всички словесни изкушения са ненужни, духовността е остарял мит.
Идеите на Маринети разкриват кризата на класическото изкуство и са възприети от "бунтовни" естетически групи в различни страни.
В Русия първите футуристи са художниците братя Бурлюк. Давид Бурлюк основава в имението си футуристична колония „Гилея“. Той успя да обедини около себе си различни поети и художници, които не приличаха на никого: Маяковски, Хлебников, Крученых, Елена Гуро и други.
Първите манифести на руските футуристи бяха откровено шокиращи по природа (дори името на манифеста „Шамар в лицето на обществения вкус“ говори само за себе си), но дори и с това руските футуристи първоначално не приеха механизма на Маринети, поставяйки си други задачи. Пристигането на Маринети в Русия предизвиква разочарование сред руските поети и още повече подчертава различията.
Футуристите се стремят да създадат нова поетика, нова система от естетически ценности. Майсторската игра на думите, естетизацията на битовите предмети, говорът на улицата – всичко това развълнува, шокира и предизвика резонанс. Запомнящият се, видим характер на изображението раздразни някои, възхити други:
Всяка дума,
дори шега
който избълва с горящата си уста,
изхвърлен като гола проститутка
от горящ публичен дом.
(В. Маяковски, “Облак в панталони”)
Днес можем да признаем, че голяма част от творчеството на футуристите не е издържало изпитанието на времето и представлява само исторически интерес, но като цяло влиянието на експериментите на футуристите върху последващото развитие на изкуството (и не само словесното, но и изобразителни и музикални) се оказват колосални.
Футуризмът имаше в себе си няколко течения, понякога сближаващи се, понякога противоречащи си: кубофутуризъм, его-футуризъм (Игор Северянин), групата „Центрифуга“ (Н. Асеев, Б. Пастернак).
Макар и много различни една от друга, тези групи се сближиха около ново разбиране за същността на поезията и желание за вербални експерименти. Руският футуризъм даде на света няколко поети с огромен мащаб: Владимир Маяковски, Борис Пастернак, Велимир Хлебников.
Екзистенциализъм (от латински “exsistentia” - съществуване). Екзистенциализмът не може да се нарече литературно течение в пълния смисъл на думата, това е по-скоро философско движение, концепция за човека, проявена в много литературни произведения. Произходът на това движение може да се намери през 19 век в мистичната философия на С. Киркегор, но екзистенциализмът получава своето истинско развитие през 20 век. Сред най-значимите философи екзистенциалисти можем да посочим Г. Марсел, К. Ясперс, М. Хайдегер, Ж.-П. Сартр и др.. Екзистенциализмът е много дифузна система, имаща много вариации и разновидности. Въпреки това, общите характеристики, които ни позволяват да говорим за някакво единство, са следните:
1. Признаване на личния смисъл на съществуването . С други думи, светът и човекът в своята първична същност са личностни начала. Грешката на традиционния възглед според екзистенциалистите е, че човешкият живот се разглежда като че ли „отвън“, обективно, а уникалността на човешкия живот се състои именно в това, че той Имаи че тя моя. Ето защо Г. Марсел предложи да се разглеждат отношенията между човека и света не според схемата „Той е Светът“, а според схемата „Аз – Ти“. Моето отношение към друг човек е само частен случай от тази цялостна схема.
М. Хайдегер каза същото нещо малко по-различно. Според него основният въпрос за човека трябва да се промени. Опитваме се да отговорим, " Каквоима човек“, но трябва да попитате „ СЗОима човек." Това коренно променя цялата координатна система, тъй като в обичайния свят няма да видим основите на уникалното „аз“ на всеки човек.
2. Разпознаване на така наречената „гранична ситуация“ , когато този „аз“ стане пряко достъпен. В обикновения живот това „аз” не е пряко достъпно, но пред лицето на смъртта, на фона на небитието, то се проявява. Концепцията за гранична ситуация оказа огромно влияние върху литературата на 20 век - както сред писатели, пряко свързани с теорията на екзистенциализма (А. Камю, Ж.-П. Сартр), така и автори, като цяло далеч от тази теория, т. Например, върху идеята за гранична ситуация са изградени почти всички сюжети на военните истории на Васил Биков.
3. Разпознаване на човек като проект . С други думи, даденото ни изначално „Аз“ ни принуждава всеки път да правим единствения възможен избор. И ако изборът на човек се окаже недостоен, човекът започва да рухва, независимо какви външни причини може да оправдае.
Екзистенциализмът, повтаряме, не се е развил като литературно движение, но е оказал огромно влияние върху съвременната световна култура. В този смисъл може да се счита за естетическо и философско направление на 20 век.
Сюрреализъм(Френски „сюрреализъм“, букв. - „суперреализъм“) - мощна тенденция в живописта и литературата на 20-ти век, но остави най-голяма следа в живописта, главно благодарение на авторитета на известния художник Салвадор Дали. Скандалната фраза на Дали по отношение на разногласията му с други лидери на движението „сюрреалистът съм аз“, въпреки цялата си шокиращост, ясно поставя акцент.Без фигурата на Салвадор Дали сюрреализмът вероятно нямаше да окаже такова влияние върху културата на 20 век.
В същото време основателят на това движение не е Дали или дори художник, а именно писателят Андре Бретон. Сюрреализмът се оформя през 20-те години като ляво-радикално движение, но забележимо различно от футуризма. Сюрреализмът отразява социалните, философските, психологическите и естетическите парадокси на европейското съзнание. Европа е уморена от социално напрежение, от традиционни форми на изкуство, от лицемерие в етиката. Тази „протестна“ вълна роди сюрреализма.
Авторите на първите декларации и произведения на сюрреализма (Пол Елюар, Луи Арагон, Андре Бретон и др.) Поставиха за цел да "освободят" творчеството от всички условности. Голямо значение се отдава на несъзнателните импулси и случайни образи, които обаче след това се подлагат на внимателна художествена обработка.
Фройдизмът, който актуализира човешките еротични инстинкти, оказва сериозно влияние върху естетиката на сюрреализма.
В края на 20-те - 30-те години сюрреализмът играе много забележима роля в европейската култура, но литературният компонент на това движение постепенно отслабва. Големи писатели и поети, по-специално Елюар и Арагон, се отдалечиха от сюрреализма. Опитите на Андре Бретон след войната да възроди движението са неуспешни, докато в живописта сюрреализмът осигурява много по-мощна традиция.
Постмодернизъм - мощно литературно движение на нашето време, много разнообразно, противоречиво и фундаментално отворено за всякакви нововъведения. Философията на постмодернизма се формира основно в школата на френската естетическа мисъл (Ж. Дерида, Р. Барт, Ж. Кръстева и др.), но днес се е разпространила далеч извън границите на Франция.
В същото време много философски произход и първи произведения се отнасят до американската традиция, а самият термин "постмодернизъм" по отношение на литературата е използван за първи път от американския литературен критик от арабски произход Ихаб Хасан (1971).
Най-важната характеристика на постмодернизма е фундаменталното отхвърляне на всякаква центричност и всякаква ценностна йерархия. Всички текстове са принципно равни и могат да влизат в контакт помежду си. Няма високо и ниско изкуство, модерно и остаряло. От културна гледна точка всички те съществуват в някакво „сега“ и тъй като веригата на стойността е фундаментално разрушена, нито един текст няма никакви предимства пред друг.
В произведенията на постмодернистите почти всеки текст от всяка епоха влиза в действие. Разрушава се и границата между собственото и чуждото слово, така че текстове на известни автори могат да бъдат вмъкнати в ново произведение. Този принцип се нарича " принцип на центонност» (centon е игрови жанр, когато стихотворението е съставено от различни редове от други автори).
Постмодернизмът е коренно различен от всички други естетически системи. В различни схеми (например в известните схеми на Ихаб Хасан, В. Брайнин-Пасек и др.) се отбелязват десетки отличителни черти на постмодернизма. Това е отношение към играта, конформизъм, признаване на равенството на културите, отношение към вторичността (т.е. постмодернизмът няма за цел да каже нещо ново за света), ориентация към търговски успех, признаване на безкрайността на естетическото (т.е. всичко може да бъде изкуство) и т.н.
И писателите, и литературните критици имат двусмислено отношение към постмодернизма: от пълно приемане до категорично отричане.
През последното десетилетие все повече се говори за кризата на постмодернизма и се напомня за отговорността и духовността на културата.
Например, П. Бурдийо смята постмодернизма за вариант на „радикален шик“, грандиозен и удобен в същото време и призовава да не се унищожава науката (и в контекста е ясно - изкуството) „във фойерверките на нихилизма“.
Много американски теоретици също отправиха остри нападки срещу постмодерния нихилизъм. По-специално, книгата „Срещу деконструкцията“ на Дж. М. Елис, която съдържа критичен анализ на постмодернистичните нагласи, предизвика раздвижване.
В същото време трябва да се признае, че засега няма нови интересни направления, които да предлагат други естетически решения.„Клариса или историята на една млада дама, съдържаща най-важните въпроси от личния живот и показваща по-специално бедствията, които могат да възникнат в резултат на неправилното поведение на родителите и децата във връзка с брака.“ Сега обаче тази схема е видимо по-сложна. Прието е да се говори за предсимволизъм, ранен символизъм, мистичен символизъм, постсимволизъм и т.н. Това обаче не отменя естествено образуваното разделение на по-стари и по-млади.
Зареждане...