Modernizm to nowy ruch, który przybył do Rosji z Europy i zajmuje się głównie poezją, ale w ramach modernizmu działają także niektórzy prozaicy. Modernizm, próbując odizolować się od wszystkich dotychczasowych ruchów literackich, głosił odrzucenie wszelkich tradycji literackich i podążanie za wzorcami. Wszyscy pisarze i poeci początku stulecia uważali się za modernistów, którzy myśleli i wierzyli, że piszą w nowy sposób. W przeciwieństwie do realizmu, modernizm w literaturze starał się przede wszystkim odejść od zasady wiarygodnego obrazu rzeczywistości. Stąd pragnienie pisarzy modernistycznych elementów i wątków fantastycznych, chęć upiększenia istniejącej rzeczywistości, zmiany jej, przekształcenia.

Futuryzm (od łac. futurum – przyszłość) to ruch literacki, który powstał w Rosji na początku XX wieku jako protest przeciwko istniejącym zasadom społecznym. Twórczość futurystów wyróżniała się poszukiwaniem nowych środków wyrazu artystycznego, nowych form i obrazów.

6. Sztuka egejska. Cechy rozwoju. Różnice między sztuką środkowego i późnego minojskiego.

7. Sztuka starożytnej Grecji. Chronologia rozwoju. Kształtowanie się stylu klasycznego w sztuce greckiej.

9. Sztuka późnej klasyki i hellenizmu w starożytnej Grecji. Czołowi mistrzowie greckich sztuk plastycznych: Scopas, Praxiteles, Lysippos.

10. Sztuka etruska i jej rola w rozwoju sztuki starożytnego Rzymu.

12) Cechy rozwoju portretów rzeźbiarskich w sztuce starożytnego Rzymu

13) Formacja sztuki bizantyjskiej. Charakter kultowy, cechy systemu obrazowego w sztuce bizantyjskiej.

14.) Sztuka romańska i jej cechy

15) Kształtowanie się nurtów realistycznych w sztuce gotyckiej. Synteza sztuk w gotyckiej katedrze.

16.) Ogólna charakterystyka sztuki renesansu

17) Geneza prarenesansu i jego znaczenie w kształtowaniu się kultury

Powstanie i cechy charakterystyczne Etap w historii kultury włoskiej poprzedzający renesans, przypadający na XII i XIV w. Uważany jest za okres przejściowy od średniowiecza do renesansu.

18) Wczesny renesans we Włoszech. Rzeźba wczesnorenesansowa we Włoszech

19. Kształtowanie się nowych zasad w malarstwie wczesnego renesansu we Włoszech.

20. Charakterystyka sztuki wysokiego renesansu we Włoszech. Czołowi mistrzowie: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo Buonarotti, Tycjan.

21. Późny renesans we Włoszech. Kształtowanie się manieryzmu. Szkoła Malarstwa w Wenecji.

22. Sztuka renesansu północnego i jej różnica w stosunku do sztuki włoskiej. Cechy charakteru.

23. Renesans w Niderlandach, jego cechy i przedstawiciele.

24. Sztuka niemieckiego renesansu. Kontrowersyjny charakter sztuki, czołowi przedstawiciele.

25. Kształtowanie się stylów artystycznych w sztuce włoskiej XVII wieku. Karawagizm i jego wpływ na malarstwo europejskie XVII wieku.

26. Sztuka Flandrii w XVII wieku. Barok flamandzki i jego przedstawiciele.

27. Realizm holenderski XVII wieku. Mali Holendrzy i zasady artystyczne.

28. Sztuka Hiszpanii XVII wieku. Sprzeczny charakter twórczości hiszpańskich mistrzów.

29. Klasycyzm francuski XVII w. jako styl monarchii absolutnej. Czołowi przedstawiciele.

30. Sztuka Francji XVIII wieku. Kształtowanie się stylu rokoko.

31. Rozwój portretu malarskiego w sztuce Anglii w XVIII wieku. Krajobraz w twórczości D. Constable'a.

32. Ogólna charakterystyka sztuki francuskiej XIX wieku. Wpływ idei francuskiej rewolucji burżuazyjnej na jej rozwój.

33. Kształtowanie się klasycyzmu, realizmu i akademizmu w sztuce

34. Nowatorski charakter sztuki francuskiej drugiej połowy XIX wieku. Kompozycja impresjonizmu, neoimpresjonizmu, postimpresjonizmu. Czołowi przedstawiciele.

36. Cechy postimpresjonizmu, jego przedstawiciele

37. Modernizm w sztuce XX wieku.

39. Sztuka Rusi Kijowskiej XI wieku. Rola Bizancjum w jego powstaniu. Kultowy charakter sztuki.

40. Sztuka rosyjska XII-XIII wieku. Wpływ rozdrobnienia feudalnego na jego rozwój.

41. Cechy rozwoju sztuki rosyjskiej w okresie jarzma mongolsko-tatarskiego XIII-XV w.

42. Twórczość wielkich mistrzów F.Greka, A.Rubleva, Dionizego.

43. Sztuka rosyjska XV-XVII wieku.

44. Powstawanie sztuki świeckiej w Rosji w XVIII wieku. Rola Piotra I w jego formacji

45. Rozwój portretu w sztuce rosyjskiej XVIII wieku.

46. ​​​​Sztuka rosyjska pierwszej połowy XIX wieku. Syntetyzujący charakter jego rozwoju.

47. Rozwój stylu realistycznego w twórczości mistrzów rosyjskich pierwszej połowy i połowy XIX wieku.

48. Malarstwo pejzażowe w sztuce rosyjskiej XIX wieku.

49. Sztuka rosyjska drugiej połowy XIX wieku. Różnorodność typów i gatunków.

50. Powstanie Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych. Jego cechy. Przedstawiciele.

51. Wybitni przedstawiciele sztuki rosyjskiej przełomu XIX i XX wieku. MAMA. Vrubel, VA Serova i E. Repin.

52. Grupy twórcze przełomu początków XX w.: „Świat Sztuki”, „Błękitna Róża”, „Jack of Diamonds”.

53. Realizm socjalistyczny w sztuce domowej lat 30. - 50. XX wieku. XX wiek

54. Zróżnicowanie w rozwoju sztuki krajowej drugiej połowy XX wieku.

37. Modernizm w sztuce XX wieku.

Termin modernizm (z francuskiego - nowy) odnosi się do nowej, nowoczesnej sztuki, która powstała pod koniec XIX wieku i wiąże się z globalnym kryzysem kultury europejskiej

Poszukiwanie czegoś nowego przerodziło się w chęć przywrócenia za pomocą środków artystycznych integralności i organicznego charakteru ludzkiej egzystencji w ramach jednego systemu kosmologicznego, czyli w sztuce powróciliśmy do metody mitotwórczej, do form prymitywnych sztuce, do form twórczości dziecięcej, czyli do tych form, w których człowiek czuł się harmonijnie w tym świecie, w którym nie było fałszu, gdzie nie było przemocy wobec osoby ludzkiej

Kryzys sztuki najdobitniej objawił się w malarstwie: większość artystów XX wieku odeszła od przedstawiania świata takim, jakim go widzimy. Świat wydawał się chwilami zdeformowany nie do poznania, gdyż artyści kierowali się bardziej własną wyobraźnią, odejście od realizmu nie było pustym kaprysem, artyści chcieli powiedzieć: świat wcale nie jest taki, jakim go widzimy: jest z natury bezsensowne i absurdalne, podobnie jak my pokazujemy to w naszych obrazach (pojęcie nowoczesności jest szersze niż awangarda, która odnosi się tylko do kultury artystycznej, a nowoczesność do wszystkiego, co nowe). W awangardzie XX wieku istniało wiele kierunków, trendów, które istniały obok siebie, równolegle, często krzyżowały się ze sobą, zastępowały lub znosiły. Status wieczności uzyskały trzy ruchy: abstrakcjonizm, kubizm, surrealizm (superrealizm). Pierwsze wrażenie po spotkaniu z awangardą jest takie, że wszystko jest nie tak. Jego główna formuła: jeśli nigdy wcześniej tego nie robiono, to trzeba to zrobić, stały znak: świadome obalanie tradycyjnych pomysłów. Awangarda chciała zrodzić nie sztukę, ale sposób poznania i postawić ją w miejsce tradycyjnej filozofii; artyści awangardowi tworzą w swojej twórczości coś szczególnego, co obejmuje problem myślenia abstrakcyjnego i pośrednia idea bytu i skoncentrowany świat idei. Zatem sztuka abstrakcyjna nie jest stylem, jest sposobem myślenia. Okresy: od secesji (XIX) do Les Demoiselles d'Avignon (pierwszy sześcienny obraz Picassa). Okres ten charakteryzuje się przebudową tradycyjnego rodzaju sztuki, nie rozwinął się język awangardy, artyści zmuszeni są sami wyjaśniać podstawowe postulaty swojego stanowiska.

38. Główne kierunki modernizmu

Kubizm to ruch kojarzony z nazwiskiem Pabla Picassa (Hiszpania). Picasso nie od razu wpadł w ten trend.

Okresy:

1. „Niebieski okres” (1901-1904). Wszystkie portrety łączy zimna gama błękitu, która pozwala rozwinąć temat samotności, żalu, zagłady człowieka, wrogiego otoczenia („Wędrujące gimnastyczki”, „Żebracy: starzec z chłopcem”).

2. „Okres różany” (1905-1906). Wszystkie obrazy utrzymane są w kolorze popielatego różu. Celem, jaki chciał osiągnąć Picasso, było pokazanie, że choć świat jest dziki, żyją w nim porządni ludzie, a bohaterami obrazów są wędrowni artyści i akrobaci: „Dziewczyna na balu”. Ale prawda artystyczna okazała się wyższa niż pragnienia artysty, wolność zamieniła się w samotność wygnania. Zdjęcia też są pesymistyczne.

3. 1906-1907 (1,5 miesiąca). Artysta dochodzi do wniosku, że nie da się rozwiązać problemów człowieka poprzez malarstwo, malarstwo może jedynie tworzyć formy plastyczne. Duże zainteresowanie czarną kulturą.

4. Pierwsza faza początków kubizmu (1907-1908). Organiczne i naturalne motywy są wystawione na zgeometryzowaną informację. Wykonane są w ziemisto-czerwonawym kolorze, a niebiesko-zielone odcienie służą podkreśleniu reliefu („Les Demoiselles d’Avignon” (1907), „Trzy kobiety”).

5. Druga faza to kubizm analityczny, kiedy obraz zamienia się w ułamkowy wzór małych elementów geometrycznych, przez który widoczny jest element obrazowy (portret Vallarda).

6. Faza trzecia: kubizm syntetyczny (1912-1913). Są to kompozycje malarskie, które tworzą płaskie fragmenty obiektów (głównie instrumentów muzycznych).

7. 1913-1915. Kompozycje o tematyce instrumentów muzycznych, które przedstawiały trójwymiarowe obiekty wykonane z różnych materiałów, zawieszone na płaszczyźnie pionowej.

Abstrakcjonizm.

Założyciel: Wasilij Kandinsky. Istotą flow jest to, że za pomocą pędzla i ołówka można stworzyć szczególną wibrację duszy i wprowadzić ją w ducha muzyki. Media artystyczne: plamy świetlne, linie, kształty geometryczne, abstrakcje. Abstrakcjonizm przypomina muzykę, a Kandinsky stworzył własny abstrakcyjny język malarstwa, w którym każdy kolor miał określone znaczenie symboliczne („Żółty” Schnittkego jest dziełem muzycznym). Kolejnym przedstawicielem jest Kazimierz Malewicz („Czarny kwadrat na białym tle” 1913). Został on wystawiony jako swego rodzaju nowy znak planetarny (romantyczna utopia).

Surrealizm.

Powiązany z Salvadorem Dali. Powstał na przełomie lat 20. XX w., ustabilizował się w latach 25-26. Główną podstawą jest poczucie kapryśności, niespodziewaności fenomenu świata; idea niepoznawalności i nieobecności świata; prawdziwy świat to świat, który jest w naszej podświadomości. Istotą metody artystycznej jest łączenie przedmiotów rzeczywistych z przedmiotami nierzeczywistymi, czyli rzeczywistymi, ale doprowadzonymi do absurdu, lub rzeczywistymi, ale w irracjonalnym połączeniu („Szafa antropomorficzna Dali’ego”). Surrealizm przejawiał się nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie i kinie.

Postmodernizm.

Postmodernizm to rewolucja estetyczna, która miała miejsce w Europie w latach 60-70. Jako termin zaczęto go używać w 79 r. Nie jest to styl, to cytowanie znanych przykładów, ale w sposób celowy nonsens, a główną cechą charakterystyczną jest eklektyzm (połączenie różnych elementów – Wschodu, Zachodu, Afryki, kultury europejskiej). Droga ta stawiała z jednej strony punkt wyjścia i punkt najwyższego rozwoju (cywilizację europejską). Postmodernizm jest efektem ruchów studenckich, był reakcją na społeczeństwo konsumpcyjne. Próbowali wprowadzić nową superideę do pozbawionego ideologicznie społeczeństwa. Prawdziwego artystę na świecie otaczają wrogowie, dlatego postmodernizm jest formą buntu estetycznego, a jego wyrazem jest idea nowej rewolucji seksualnej i nowej zmysłowości. Zarówno modernizm, jak i postmodernizm nie mogą pochwalić się dużą popularnością, czyli powstały jako elitarne, jednakże modernizm i postmodernizm stały się tym etapem rozwoju kultury XX wieku, który nie tylko zidentyfikował wszystkie jej bolączki, ale stał się także sztuka, która łączyła epokę XX wieku z Odwiecznym, zapomnianym w zgiełku.

"

W drugiej połowie XIX wieku, najpierw w Europie, a następnie w Rosji, narodził się ruch artystyczny - nowoczesny (z francuskiego moderne - nowoczesny). Cechami charakterystycznymi tego stylu jest zastąpienie linii prostych i kątów bardziej naturalnymi, „naturalnymi” liniami, rozkwit sztuki użytkowej z przewagą krzywoliniowych wzorów roślinnych, tworzących strukturę kompozycyjną dzieła.

Malarstwo secesyjne charakteryzuje się połączeniem ozdobnych teł i naturalistyczną namacalnością figur i detali, sylwetek, zastosowaniem dużych płaszczyzn kolorystycznych lub dopracowanej monochromatyczności. Rzeźbę secesyjną wyróżnia dynamika i płynność form, grafikę - gra wykwintnych delikatnych linii i sylwetek.

W Rosji pod koniec lat 90. XIX wieku powstało stowarzyszenie artystyczne „Świat Sztuki”, które podkreślało prymat zasady estetycznej w sztuce w stosunku do wysoce społecznej orientacji Wędrowców oraz dążyło do nowoczesności i symboliki.

Przez lata w skład stowarzyszenia wchodzili artyści A. N. Benois, L. S. Bakst, N. K. Roerich, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov i inni. Blisko „Świata sztuki” byli I. Ya. Bilibin, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, V. A. Serov, M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov, K. F. Yuon i inni.

Przyjrzyjmy się bliżej twórczości poszczególnych artystów, najwybitniejszych przedstawicieli rosyjskiego modernizmu tego okresu - M. A. Vrubela, V. A. Serowa, V. M. Wasnetsowa.

Wrubel Michaił Aleksandrowicz (żył 1856–1910) – artysta rosyjski, wybitny przedstawiciel secesji i symbolizmu. Vrubel osiągnął wyżyny w prawie wszystkich typach i gatunkach sztuk pięknych: malarstwie, grafice, rzeźbie dekoracyjnej, sztuce teatralnej. Dziedzictwo Vrubela obejmuje liczne obrazy, panele dekoracyjne, freski i ilustracje książkowe.

Jeszcze podczas studiów w Akademii Sztuk Pięknych Vrubel na zaproszenie znanego wówczas krytyka sztuki A. Prachowa brał udział w pracach restauratorskich w kościołach kijowskich. Vrubel wykonał kilka kompozycji dla kościoła Cyryla w celu zastąpienia zaginionych, namalował ikonę „Dziewica z Dzieciątkiem” i zaproponował na zamówienie szkice obrazów katedry Włodzimierza. Szkice te zostały przez komisję odrzucone ze względu na ich niezgodność z tradycją bizantyjską – Vrubel je unowocześnił, wypełniając tragicznym psychologizmem charakterystycznym dla końca XIX wieku. Niemniej jednak prace te wywarły ogromny wpływ na rozwój Vrubela jako artysty.Oryginalny styl Vrubela charakteryzuje się szczególnym rodzajem krystalicznego wzoru, mieniącego się niebiesko-fioletowymi, ponurymi krawędziami.

W wielu obrazach Vrubela z wczesnego okresu panuje atmosfera baśni. „Księżniczka łabędzi” to obraz Vrubela, napisany na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie”.

Księżniczka o smutnej twarzy na płótnie Vrubela jest tajemnicza i enigmatyczna. Na tle zachodzącego nad morzem zmierzchu skrzydła księżniczki wyróżniają się jako jasny punkt, pomalowany w specjalny sposób „Vrubel”, niczym fasetowane kamienie szlachetne.

MA Vrubel. Demon siedzi. 1890

Jeden z głównych obrazów w twórczości Vrubela można nazwać obrazem Demona, jako obraz siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki i wątpliwości. Na początku lat 90. XIX wieku Vrubel namalował ilustracje do wiersza M. Yu Lermontowa „Demon”, następnie rozpoczął pracę nad „Siedzącym demonem”, a później napisał „Latający demon” i „Pokonany demon”.

Na pierwszym obrazie z tego cyklu Vrubel interpretuje obraz demona jako ducha nie tyle złego, co cierpiącego i smutnego, a jednocześnie ducha potężnego i majestatycznego. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi otoczony fantastycznymi kwiatami na tle gór w szkarłatnym zachodzie słońca. Ogromne oczy Demona są smutne, jego wzrok skierowany jest w dal. Postać Demona sprawia wrażenie wciśniętej pomiędzy górną i dolną ramę obrazu, co wizualnie przybliża ją do widza i wzmacnia dramaturgię obrazu.

Kontynuując ten temat, w „Latającym demonie” Vrubel przedstawia Demona jako potężnego władcę świata, a w „Pokonanym demonie” Demon jest zapisany na skraju śmierci, jego postać jest zepsuta, ale wyraz twarzy jest uderzający w swoim wyrazie, duch Demona nie jest złamany.

We wszystkich tych obrazach wyraźnie manifestuje się indywidualny styl Vrubela, wszystko jest pomalowane z efektem połyskujących krystalicznych krawędzi, co sprawia, że ​​obrazy te wyglądają jak cenne witraże lub panele. Vrubel osiągnął ten efekt, używając szpachli zamiast pędzla; w tym przypadku pociągnięcia farbą okazały się płaskie i grube.

MA Vrubel. Demon zostaje pokonany. 1902

W 1902 roku Vrubela zapadła na poważną chorobę psychiczną, której jedną z przyczyn była śmierć młodego syna Vrubela. W późnym okresie swojej twórczości, spędzanej głównie w prywatnych klinikach w Moskwie i Petersburgu, Vrubel stworzył szereg dzieł przechodzących od modernizmu do awangardy.

Obraz z późnego okresu „Sześcioskrzydły Serafin” (znany również pod innymi nazwami - „Anioł z mieczem i kadzielnicą”, „Azrael” i „Cherub”), stworzony w murach kliniki V.P. Serbsky, nawiązuje do najwyższych osiągnięć ścieżki twórczej Vrubela.

W tej pracy artysta obdarzył Serafina hipnotyzującym spojrzeniem samego losu, a miecz i lampa w jego rękach wyglądają jak symbole życia i śmierci: stal emanuje lodowatym zimnem, kłócąc się z żywym i gorącym światłem lampy. Niesamowicie piękna kolorystyka obrazu nawiązuje do bizantyjskich mozaik i witraży.

Obraz „Sześcioskrzydły Serafin” można nazwać wielowartościowym finałem całej twórczej podróży Vrubela w poszukiwaniu obrazów demonów i aniołów.

V. A. Serow. Autoportret.

Sierow Walentin Aleksandrowicz (życie 1865-1911) - malarz rosyjski, studiował u I. E. Repina oraz w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych u P. P. Chistyakova.

We wczesnym okresie swojej twórczości Sierow był bliski rosyjskiemu impresjonizmowi, w twórczości tego okresu artysta widział swoje główne zadanie w bezpośredniości postrzegania modelu i natury oraz ich prawdziwego plastycznego rozwiązania. W słonecznym rozwoju światła i koloru, w przekazywaniu złożonej harmonii refleksów i powietrza, Serow wychwala młodość i piękno swoich modeli.

V. A. Serow. Dziewczyna z brzoskwiniami. 1887

Obraz „Dziewczyna z brzoskwiniami”, wykonany w stylu impresjonizmu, należy do okresu przejściowego twórczości Sierowa od okresu wczesnego do dojrzałego. Podobnie jak w obrazie „Dziewczyna oświetlona słońcem” wszystko tutaj tchnie światłem i świeżością. Portrety te wydają się przepełnione słońcem i powietrzem, szczególną duchowością i poezją, która od razu wyróżniła młodego artystę i uczyniła go sławnym.

Za obraz „Dziewczyna z brzoskwiniami” Sierow otrzymał nagrodę Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki.

V. A. Serow. Gwałt Europy. 1910

Z biegiem czasu impresjonistyczny styl Sierowa staje się coraz bardziej powściągliwy, zbliżając się do malarstwa monochromatycznego i nabierając cech nowego stylu secesyjnego, co najwyraźniej przejawia się w takich dziełach jak „Portret Idy Rubinstein” i „Gwałt Europy”.

Obraz „Gwałt Europy” został stworzony przez Serowa w stylu monumentalnego panelu dekoracyjnego. Tematem prac artysty był starożytny grecki mit o porwaniu Europy, córki króla Agenora, przez Zeusa przemienionego w byka.

Kompozycję płótna z wysokim horyzontem zbudował Sierow na rytmicznym ukośnym ruchu form. Aktywny ruch pływającego byka zostaje zatrzymany przez obrót jego głowy, równowagę dwóch fal, pomiędzy którymi w centrum znajdują się głowy Europy i Zeusa. Konwencjonalnie zapisane fale stwarzają wrażenie odmierzonego ruchu, postacie delfinów powtarzają ruch fal i pływającego Zeusa, wzmacniając dynamikę całej kompozycji.

Kolorystyka obrazu opiera się na harmonii błękitu i pomarańczy: jasnoczerwona plama postaci byka na niebiesko-fioletowym morzu wygląda pięknie i wyraziście. Grube niebieskie „plamki” rozsiane po powierzchni wody, przedstawiające fale wody, oddają ruch fal i organizują płaszczyznę obrazu, a także wyraźne kontury wszystkich postaci.

V. A. Serow. Portret Idy Rubinstein. 1910

Szczytem stylu secesyjnego w twórczości Sierowa był portret Idy Rubinstein, słynnej tancerki i aktorki tamtych czasów. W tym portrecie Sierow nie próbował odtworzyć swojego prawdziwego wizerunku, głównym zadaniem artystki była tutaj stylizacja natury i oddanie złożoności charakteru modelki. Zachowując specyficzne indywidualne cechy modelu, jego wygląd, charakter i plastyczność, Sierow łączy w kompozycji rzeczywistość i konwencjonalność, które były charakterystycznymi cechami stylistycznymi secesji.

Sierow przedstawił Idę Rubinstein w portrecie wyzywającym, wspaniałym, ale jednocześnie wygląd aktorki jest subtelny i liryczny. Artysta odwzorowuje sylwetkę modela w skomplikowanym obrocie za pomocą zakrzywionych linii, maksymalnie zaostrzając jej kontur. Sama kompozycja, spełniająca wymogi modernizmu, nie odsłania przestrzeni, w której ukazana jest aktorka, tło portretu jest płaskie i konwencjonalne, co stwarza wrażenie, że Ida Rubinstein nie siedzi, ale jest rozłożona, wciśnięta o ścianę.

Obraz podczas swojej pierwszej prezentacji na Międzynarodowej Wystawie Sztuki w Rzymie w 1911 r. wywołał skandaliczne wrażenie: publiczność była zszokowana zarówno faktem, że słynna tancerka, akceptowana w społeczeństwie, pozowała nago, jak i faktem, że Sierow użył zupełnie nowe techniki kompozytorskie i malarskie, wyróżniające styl secesyjny.

W uroczystych portretach Sierowa z tego okresu nasiliła się także dotkliwość głębokich cech społeczno-psychologicznych. Przekazując cechy portretowe modela, Sierow często posługuje się hiperbolizacją i groteskowością, tworząc obraz zgodny z duchem czasu.

Przykładem takiego uroczystego portretu o cechach modernistycznych można nazwać „Portret księżnej O. K. Orłowej”, w którym wyrafinowana technika malarska łączy się z ironią i lekką kpiną. Sierow namalował ten portret na zamówienie samej księżniczki, ale wielu współczesnych zauważyło bezkompromisowe podejście artysty do klienta i podejrzewało go o sarkazm.

Olga Orłowa ukazana jest w pretensjonalnej pozie: w ogromnym kapeluszu, odrzucona do tyłu sobolowa stuła odsłaniająca ramiona, ręce ściskające naszyjnik z pereł, odsłonięty czubek lakierowanego buta - wszystko to nadaje wizerunkowi księżniczki wyszukanego wdzięku. W stylu secesyjnym Sierow wykorzystuje nerwowe, kanciaste kontury sylwetki postaci, połączone z realizmem i materialnością szczegółowej pracy.

V. M. Wasnetsow. Autoportret. 1873

Wasnetsow Wiktor Michajłowicz (życie 1848-1926) – artysta rosyjski, jeden z twórców rosyjskiej secesji w jej narodowo-romantycznym wydaniu. Wasnetsow ukończył seminarium duchowne w Wiatce, następnie kontynuował naukę w szkole rysunku Towarzystwa Zachęty Sztuk i Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu.

Głównym kierunkiem twórczości Wasnetsowa staje się epickie malarstwo historyczne, w którym artysta dokonuje transformacji rosyjskiego gatunku historycznego, łącząc motywy średniowieczne z poetycką atmosferą rosyjskich baśni.

Wiele dzieł Wasnetsowa swoją stylistyką zbliża się do typowych dla secesji dekoracyjnych malowideł panelowych, przenoszących widza w świat marzeń.

V. M. Wasnetsow. Rycerz na rozdrożu. 1882

Pod wrażeniem rosyjskiej epopei końca XIX wieku Wasnetsow namalował monumentalne płótna „Bogatyry” i „Rycerz na rozdrożu”.

Fabuła filmu „Rycerz na rozdrożu” oparta jest na motywach eposu „Ilja Muromiec i rabusie”. W początkowych szkicach do tego obrazu Wasnetsow zwrócił rycerza twarzą do widza. Jednak dla większej wyrazistości i emocjonalności obrazu w ostatecznej wersji artysta zwiększył rozmiar płótna, postać rycerza stała się bardziej monumentalna, głębia kompozycji zmniejszyła się i stała się bardziej płaska, bliższa panelowi. W ostatniej wersji zniknęła także droga, tak że rycerzowi nie pozostało nic innego, jak tylko to wskazane na kamieniu.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Wasnetsowa „Alyonushka” również oparty jest na folklorystycznym wątku rosyjskiej opowieści ludowej „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”.

Impulsem do namalowania tego obrazu było przypadkowe spotkanie artysty z prostowłosą wieśniaczką. W jej słodkiej twarzy Wasniecow dostrzegł wyjątkową rosyjską duszę, z jej melancholią, samotnością i czysto rosyjskim smutkiem w oczach.

W poszukiwaniu motywu pejzażowego do tego obrazu Wasnetsow wykonał wiele szkiców z brzegu rzeki Wor w Abramcewie, w pobliżu stawu w Achtyrce.

„Alyonushka” została po raz pierwszy wystawiona na wystawie Wędrowców w 1881 roku i według recenzji słynnego ówczesnego krytyka I. E. Grabara została uznana za jeden z najlepszych obrazów szkoły rosyjskiej.

V. M. Wasnetsow. Chrzest Rusi. 1890

Szczyt twórczości Wasnetsowa można nazwać obrazami kijowskiej katedry św. Włodzimierza, w których artysta w pewnym stopniu zaktualizował kanony bizantyjskie, wprowadzając do nich element liryczno-osobowy i szczególny „rosyjski” psychologizm.

Wszystkie tematy malowideł katedry opierały się na zrozumieniu historii religijnej Rosji jako spadkobiercy Bizancjum oraz miejsca Rosji w światowej kulturze i historii.

Fresk „Chrzest Rusi” stał się jedną z centralnych kompozycji katedry św. Włodzimierza nad wejściem do chóru. Jako temat samego fresku Wasnetsow wybrał moment chrztu mieszkańców Kijowa w wodach Dniepru. W kompozycji fresku artysta łączy powagę i pewien patos, odpowiadający ukazanemu momentowi, z wyraźnie zindywidualizowanym centralnym wizerunkiem księcia Włodzimierza Światosławowicza, wprowadzając element romantyczny do kanonicznej fabuły.

V. M. Wasnetsow. Bóg Zastępów.

Fresk katedry św. Włodzimierza. 1885-1896

Modernizm w literaturze ma swój początek w przededniu I wojny światowej i osiąga swój szczyt w latach dwudziestych jednocześnie we wszystkich krajach Europy Zachodniej i Ameryce. Modernizm jest zjawiskiem międzynarodowym, na które składają się różne szkoły (imagizm, Dadaizm, ekspresjonizm, konstruktywizm, surrealizm itp.). To rewolucja w literaturze, której uczestnicy zapowiadali zerwanie nie tylko z tradycją realistycznej wiarygodności, ale także z zachodnią tradycją kulturową i literacką w ogóle. Każdy wcześniejszy ruch w literaturze definiował się poprzez swój związek z tradycją klasyczną: można było bezpośrednio głosić antyk jako wzór twórczości artystycznej, jak klasycy, lub przedkładać średniowiecze nad starożytność, jak romantycy, ale wszystkie epoki kulturowe przed modernizmem są dziś coraz częściej nazywany „klasycznym”, ponieważ rozwijał się w zgodzie z klasycznym dziedzictwem myśli europejskiej. Modernizm jest pierwszą epoką kulturową i literacką, która położyła kres temu dziedzictwu i dostarczyła nowych odpowiedzi na „wieczne” pytania. Jak pisał w 1930 roku angielski poeta S. Spender: „Wydaje mi się, że moderniści świadomie dążą do stworzenia zupełnie nowej literatury. Jest to konsekwencja ich poczucia, że ​​nasza epoka jest pod wieloma względami bezprecedensowa i wymykająca się wszelkim konwencjom dawnej sztuki i literatury.” .

Pokolenie pierwszych modernistów dotkliwie odczuło wyczerpanie form realistycznego opowiadania historii, ich zmęczenie estetyczne. Dla modernistów pojęcie „realizmu” oznaczało brak wysiłku w celu samodzielnego zrozumienia świata, mechaniczną naturę twórczości, powierzchowność, nudę niejasnych opisów - zainteresowanie guzikiem płaszcza postaci, a nie jego stanem ducha . Moderniści ponad wszystko stawiają wartość indywidualnej artystycznej wizji świata; tworzone przez nich artystyczne światy różnią się od siebie wyjątkowo, każdy nosi piętno jasnej twórczej indywidualności.

Tak się złożyło, że żyli w okresie, w którym upadły wartości tradycyjnej kultury humanistycznej – „wolność” oznaczała zupełnie co innego w demokracjach zachodnich iw państwach totalitarnych; rzeź I wojny światowej, w której po raz pierwszy użyto broni masowego rażenia, ukazała prawdziwą cenę życia ludzkiego dla współczesnego świata; Humanistyczny zakaz bólu oraz przemocy fizycznej i duchowej został zastąpiony praktyką masowych egzekucji i obozów koncentracyjnych. Modernizm to sztuka epoki odczłowieczonej (termin hiszpańskiego filozofa José Ortegi y Gasseta); stosunek do wartości humanistycznych w modernizmie jest niejednoznaczny, ale świat modernistów ukazuje się w ostrym, zimnym świetle. Używając metafory J. Conrada, można powiedzieć, że bohater dzieła modernistycznego zdawał się nocować w niewygodnym hotelu na końcu świata, u bardzo podejrzliwych właścicieli, w obskurnym pokoju, oświetlonym bezlitosnym światłem żarówka bez klosza.

Moderniści konceptualizują ludzką egzystencję jako krótki, kruchy moment; podmiot może, ale nie musi, być świadomy tragedii, kruchości naszego absurdalnego świata, a zadaniem artysty jest ukazanie grozy, wielkości i piękna zawartego mimo wszystko w chwilach ziemskiej egzystencji. Kwestie społeczne, które w XIX-wiecznym realizmie odgrywały tak ważną rolę, w modernizmie podawane są pośrednio, jako nieodłączna część holistycznego portretu jednostki. Głównym obszarem zainteresowań modernistów jest przedstawienie relacji między świadomością a nieświadomością człowieka, mechanizmów jego percepcji i kapryśnej pracy pamięci. Bohater modernistyczny jest z reguły ujmowany w całości swoich przeżyć, swojej subiektywnej egzystencji, choć sama skala jego życia może być niewielka i nieistotna. W modernizmie kontynuowany jest główny kierunek rozwoju literatury współczesnej, w kierunku stałego spadku statusu społecznego bohatera; modernistyczny bohater jest „zwykłym człowiekiem”, każdą osobą. Moderniści nauczyli się opisywać takie stany psychiczne człowieka, których literatura wcześniej nie dostrzegała, i robili to z taką przekonującą precyzją, że krytykom burżuazyjnym wydawało się to obrazą moralności i profanacją sztuki słowa. Szczególnie ostre odrzucenie wywołała nie tylko treść – duża rola kwestii intymnych i seksualnych, względność ocen moralnych, podkreślana apolityczność – ale przede wszystkim niezwykłe formy modernistycznego opowiadania historii. Dziś, gdy większość arcydzieł literatury modernistycznej znajduje się w programach szkolnych i uniwersyteckich, trudno nam odczuć buntowniczy, antyburżuazyjny charakter wczesnego modernizmu, surowość stawianych mu oskarżeń i wyzwań.

Trzej główni pisarze modernizmu- Irlandczyk James Joyce (1882-1943), Francuz Marcel Proust (1871-1922), Franz Kafka (1883-1924). Każdy z nich w swoim własnym kierunku zreformował sztukę mowy XX wieku, każdy uważany jest za wielkiego pioniera modernizmu. Spójrzmy na przykład na powieść Jamesa Joyce’a „Ulisses”.

Wiek XX, jak żaden inny, naznaczony był konkurencją wielu nurtów w sztuce. Kierunki te są zupełnie różne, konkurują ze sobą, zastępują się i uwzględniają swoje osiągnięcia. Łączy ich jedynie sprzeciw wobec klasycznej sztuki realistycznej, próby znalezienia własnych sposobów odzwierciedlenia rzeczywistości. Kierunki te łączy umowne określenie „modernizm”. Sam termin „modernizm” (od „nowoczesny” - nowoczesny) powstał w romantycznej estetyce A. Schlegla, ale potem się nie zakorzenił. Ale wszedł w życie sto lat później, pod koniec XIX wieku, i zaczął oznaczać początkowo dziwne, niezwykłe systemy estetyczne. Dziś „modernizm” to pojęcie o niezwykle szerokim znaczeniu, które właściwie występuje w dwóch przeciwieństwach: z jednej strony jest to „wszystko, co nie jest realizmem”, z drugiej (w ostatnich latach) tym jest „postmodernizm” nie. Tym samym koncepcja modernizmu ujawnia się negatywnie – metodą „przez sprzeczność”. Oczywiście przy takim podejściu nie mówimy o jakiejkolwiek przejrzystości strukturalnej.

Istnieje ogromna liczba trendów modernistycznych, skupimy się tylko na najważniejszych:

Impresjonizm (od francuskiego „impresja” - wrażenie) - ruch w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat. Przedstawiciele impresjonizmu starali się uchwycićrealny świat w jego mobilności i zmienności, aby przekazać Twoje ulotne wrażenia. Sami impresjoniści nazywali siebie „nowymi realistami”, termin ten pojawił się później, po 1874 roku, kiedy na wystawie zaprezentowano słynne dziś dzieło C. Moneta „Wschód słońca”. Wrażenie". Początkowo termin „impresjonizm” miał konotację negatywną, wyrażającą zdziwienie, a nawet pogardę wobec krytyków, jednak sami artyści „na złość krytykom” przyjęli go i z czasem negatywne konotacje zniknęły.

W malarstwie impresjonizm miał ogromny wpływ na cały dalszy rozwój sztuki.

W literaturze rola impresjonizmu była skromniejsza, nie rozwinął się on jako samodzielny ruch. Jednak estetyka impresjonizmu wpłynęła na twórczość wielu autorów, w tym w Rosji. Zaufanie do „rzeczy ulotnych” charakteryzuje wiele wierszy K. Balmonta, I. Annensky'ego i innych. Ponadto impresjonizm znalazł odzwierciedlenie w kolorystyce wielu pisarzy, na przykład jego cechy są zauważalne w palecie B. Zajcewa .

Jednak jako ruch integralny impresjonizm nie pojawił się w literaturze, stając się charakterystycznym tłem symboliki i neorealizmu.

Symbolika – jeden z najpotężniejszych kierunków modernizmu, dość rozproszony w swoich postawach i dążeniach. Symbolika zaczęła kształtować się we Francji w latach 70. XIX wieku i szybko rozprzestrzeniła się po całej Europie.

W latach 90. symbolika stała się trendem ogólnoeuropejskim, z wyjątkiem Włoch, gdzie z nie do końca jasnych powodów nie zakorzeniła się.

W Rosji symbolika zaczęła się ujawniać pod koniec lat 80., a jako świadomy ruch pojawiła się w połowie lat 90.

W zależności od czasu powstania i cech światopoglądu zwyczajowo wyróżnia się dwa główne etapy rosyjskiej symboliki. Poeci debiutujący w latach 90. XIX w. nazywani są „starszymi symbolistami” (W. Bryusow, K. Balmont, D. Mereżkowski, Z. Gippius, F. Sologub i in.).

W XX wieku pojawiło się wiele nowych nazw, które znacząco zmieniły oblicze symboliki: A. Blok, A. Bely, Vyach. Iwanow i in. Przyjętą nazwą „drugiej fali” symboliki jest „młoda symbolika”. Należy wziąć pod uwagę, że „starszych” i „młodszych” symbolistów dzielił nie tyle wiek (na przykład Wiaczesław Iwanow skłania się ku „starszym” wiekiem), ale różnica światopoglądów i kierunek kreatywność.

Twórczość starszych symbolistów bardziej wpisuje się w kanon neoromantyzmu. Charakterystycznymi motywami są samotność, wybranie poety, niedoskonałość świata. W wierszach K. Balmonta zauważalny jest wpływ techniki impresjonistycznej, wczesny Bryusow miał wiele eksperymentów technicznych i egzotyki werbalnej.

Młodzi Symboliści stworzyli bardziej holistyczną i oryginalną koncepcję, która opierała się na połączeniu życia i sztuki, na idei ulepszania świata zgodnie z prawami estetycznymi. Tajemnicy istnienia nie da się wyrazić zwykłymi słowami, można ją jedynie odgadnąć w systemie symboli odnalezionym intuicyjnie przez poetę. Pojęcie tajemnicy, nieprzejawienia znaczeń, stało się ostoją estetyki symbolistycznej. Według Vyacha poezja. Iwanowa istnieje „tajny zapis niewysłowionego”. Społeczną i estetyczną iluzją Młodej Symboliki było to, że poprzez „prorocze słowo” można zmienić świat. Dlatego postrzegali siebie nie tylko jako poetów, ale także demiurdzy czyli twórcy świata. Niespełniona utopia doprowadziła na początku lat 1910. XX w. do całkowitego kryzysu symboliki, do upadku jej jako integralnego systemu, choć przez długi czas słychać było „echa” estetyki symbolistycznej.

Niezależnie od realizacji utopii społecznej, symbolika niezwykle wzbogaciła poezję rosyjską i światową. Nazwiska A. Bloka, I. Annensky'ego, Vyacha. Iwanow, A. Bieły i inni wybitni poeci symbolistyczni są dumą literatury rosyjskiej.

Ameizm(od greckiego „acme” - „najwyższy stopień, szczyt, kwitnienie, czas kwitnienia”) to ruch literacki, który powstał na początku dziesiątych XX wieku w Rosji. Historycznie rzecz biorąc, Acmeizm był reakcją na kryzys symboliki. W przeciwieństwie do „tajnego” słowa symbolistów, akmeiści głosili wartość materiału, plastyczną obiektywność obrazów, dokładność i wyrafinowanie słowa.

Powstanie Acmeizmu jest ściśle związane z działalnością organizacji „Warsztat Poetów”, której głównymi postaciami byli N. Gumilow i S. Gorodecki. Do akmeizmu należeli także O. Mandelstam, wczesna A. Achmatowa, W. Narbut i inni, później jednak Achmatowa kwestionowała estetyczną jedność akmeizmu, a nawet zasadność samego terminu. Ale trudno się z nią zgodzić w tej kwestii: estetyczna jedność poetów akmeistycznych, przynajmniej w pierwszych latach, nie ulega wątpliwości. I nie chodzi tylko o artykuły programowe N. Gumilowa i O. Mandelstama, w których formułowane jest estetyczne credo nowego ruchu, ale przede wszystkim o samą praktykę. Acmeizm w dziwny sposób łączył romantyczne pragnienie egzotyki, wędrówek z wyrafinowaniem słów, co upodabniało go do kultury baroku.

Ulubione obrazy Acmeizmu - egzotyczne piękno (tak więc w każdym okresie twórczości Gumilowa pojawiają się wiersze o egzotycznych zwierzętach: żyrafie, jaguarze, nosorożcu, kangurze itp.), obrazy kultury(w Gumilowie, Achmatowej, Mandelstamie) wątek miłosny jest potraktowany bardzo plastycznie. Często szczegół przedmiotu staje się znakiem psychologicznym(na przykład rękawiczka od Gumilowa lub Achmatowej).

Najpierw Świat jawi się akmeistom jako wykwintny, ale „zabawkowy”, zdecydowanie nierealny. Na przykład słynny wczesny wiersz O. Mandelstama brzmi następująco:

Płoną płatkami złota

W lasach rosną choinki;

Zabawkarskie wilki w krzakach

Patrzą przerażającymi oczami.

O mój proroczy smutku,

Och, moja cicha wolność

I martwe niebo

Zawsze roześmiany kryształ!

Później drogi akmeistów rozeszły się, z dawnej jedności niewiele pozostało, choć większość poetów do końca zachowała wierność ideałom kultury wysokiej i kultowi mistrzostwa poetyckiego. Z akmeizmu wywodziło się wielu czołowych artystów literackich. Literatura rosyjska ma prawo być dumna z nazwisk Gumilowa, Mandelstama i Achmatowej.

Futuryzm(z łac. „futurus” " - przyszły). Jeśli symbolika, jak wspomniano powyżej, nie zakorzeniła się we Włoszech, to wręcz przeciwnie, futuryzm ma włoskie pochodzenie. Za „ojca” futuryzmu uważany jest włoski poeta i teoretyk sztuki F. Marinetti, który zaproponował szokującą i twardą teorię nowej sztuki. W istocie Marinetti mówił o mechanizacji sztuki, o pozbawieniu jej duchowości. Sztuka powinna przypominać „grę na mechanicznym pianinie”, wszelkie słowne rozkosze są niepotrzebne, duchowość to przestarzały mit.

Idee Marinettiego obnażyły ​​kryzys sztuki klasycznej i zostały podjęte przez „zbuntowane” grupy estetyczne w różnych krajach.

W Rosji pierwszymi futurystami byli artyści bracia Burliuk. David Burliuk założył na swojej posiadłości futurystyczną kolonię „Gilea”. Udało mu się zgromadzić wokół siebie różnych poetów i artystów, którzy byli niepodobni do nikogo innego: Majakowski, Chlebnikow, Kruchenykh, Elena Guro i inni.

Pierwsze manifesty rosyjskich futurystów miały szczerze szokujący charakter (nawet nazwa manifestu „Uderzenie w gust publiczny” mówi sama za siebie), ale nawet w tym przypadku rosyjscy futuryści początkowo nie zaakceptowali mechanizmu Marinettiego, stawianie sobie innych zadań. Przybycie Marinettiego do Rosji wywołało rozczarowanie wśród rosyjskich poetów i jeszcze bardziej uwypukliło różnice.

Futuryści dążyli do stworzenia nowej poetyki, nowego systemu wartości estetycznych. Mistrzowska zabawa słowem, estetyzacja przedmiotów codziennego użytku, mowa ulicy – ​​wszystko to ekscytowało, szokowało, wywoływało rezonans. Chwytliwy, widoczny charakter obrazu jednych irytował, innych zachwycał:

Każde słowo,

nawet żart

które wypluwa swoimi płonącymi ustami,

wyrzucony jak naga prostytutka

z płonącego burdelu.

(W. Majakowski, „Chmura w spodniach”)

Dziś możemy przyznać, że znaczna część twórczości futurystów nie przetrwała próby czasu i ma jedynie znaczenie historyczne, ale w ogóle wpływ eksperymentów futurystów na dalszy rozwój sztuki (i to nie tylko werbalnej, ale także obrazowy i muzyczny) okazał się kolosalny.

Futuryzm miał w sobie kilka nurtów, czasem zbieżnych, czasem sprzecznych: kubofuturyzm, ego-futuryzm (Igor Siewierianin), grupa „Wirówka” (N. Asejew, B. Pasternak).

Grupy te, choć bardzo od siebie różne, połączyło nowe rozumienie istoty poezji i chęć werbalnych eksperymentów. Rosyjski futuryzm dał światu kilku poetów o ogromnej skali: Władimira Majakowskiego, Borysa Pasternaka, Wielimira Chlebnikowa.

Egzystencjalizm (od łacińskiego „existentia” - istnienie). Egzystencjalizm nie może być nazwany ruchem literackim w pełnym tego słowa znaczeniu, jest raczej ruchem filozoficznym, koncepcją człowieka, przejawiającą się w wielu dziełach literackich. Początków tego ruchu należy szukać w XIX w. w filozofii mistycznej S. Kierkegaarda, prawdziwy rozwój egzystencjalizmu nastąpił jednak w XX w. Do najważniejszych filozofów egzystencjalistycznych można zaliczyć G. Marcela, K. Jaspersa, M. Heideggera, J.-P. Sartre i inni Egzystencjalizm jest systemem bardzo rozproszonym, mającym wiele odmian i odmian. Jednak ogólne cechy, które pozwalają nam mówić o pewnej jedności, są następujące:

1. Uznanie osobistego sensu istnienia . Inaczej mówiąc, świat i człowiek w swej pierwotnej istocie są zasadami osobowymi. Błędem tradycyjnego poglądu, zdaniem egzystencjalistów, jest to, że na życie ludzkie patrzy się „z zewnątrz”, obiektywnie, a wyjątkowość życia ludzkiego polega właśnie na tym, że jest ono Jest i że ona Mój. Dlatego G. Marcel zaproponował rozpatrywanie relacji człowieka ze światem nie według schematu „On jest światem”, ale według schematu „Ja – Ty”. Mój stosunek do drugiego człowieka jest tylko szczególnym przypadkiem tego kompleksowego schematu.

M. Heidegger powiedział to samo, nieco inaczej. Jego zdaniem należy zmienić podstawowe pytanie dotyczące człowieka. Próbujemy odpowiedzieć” Co jest osoba”, ale musisz zapytać „ Kto tam jest mężczyzna." To radykalnie zmienia cały układ współrzędnych, ponieważ w zwykłym świecie nie zobaczymy podstaw unikalnego „ja” każdej osoby.

2. Uznanie tzw. „sytuacji granicznej” , kiedy to „ja” stanie się bezpośrednio dostępne. W zwykłym życiu to „ja” nie jest bezpośrednio dostępne, ale w obliczu śmierci, na tle nieistnienia, objawia się. Pojęcie sytuacji granicznej wywarło ogromny wpływ na literaturę XX wieku – zarówno wśród pisarzy bezpośrednio związanych z teorią egzystencjalizmu (A. Camus, J.-P. Sartre), jak i autorów na ogół dalekich od tej teorii, np. na przykład na idei sytuacji granicznej zbudowane są prawie wszystkie wątki wojennych opowieści Wasila Bykowa.

3. Uznanie osoby za projekt . Inaczej mówiąc, dane nam pierwotne „ja” zmusza nas za każdym razem do dokonania jedynego możliwego wyboru. A jeśli wybór danej osoby okaże się niegodny, osoba ta zaczyna się upadać, bez względu na przyczyny zewnętrzne, które może usprawiedliwić.

Egzystencjalizm, powtarzamy, nie rozwinął się jako ruch literacki, ale miał ogromny wpływ na współczesną kulturę światową. W tym sensie można go uznać za kierunek estetyczny i filozoficzny XX wieku.

Surrealizm(francuski „surrealizm”, dosł. „superrealizm”) - potężny nurt w malarstwie i literaturze XX wieku, jednak odcisnął największe piętno w malarstwie, przede wszystkim dzięki autorytetowi słynnego artysty Salvador Dali. Niesławne zdanie Dali dotyczące jego nieporozumień z innymi przywódcami ruchu „surrealista to ja”, mimo całej swojej szokulności, wyraźnie kładzie nacisk. Bez postaci Salvadora Dali surrealizm prawdopodobnie nie miałby takiego wpływu na kulturę XX wieku.

Jednocześnie założycielem tego ruchu nie jest Dali ani nawet artysta, ale właśnie pisarz Andre Breton. Surrealizm ukształtował się w latach dwudziestych XX wieku jako ruch lewicowo-radykalny, ale zauważalnie różnił się od futuryzmu. Surrealizm odzwierciedlał społeczne, filozoficzne, psychologiczne i estetyczne paradoksy świadomości europejskiej. Europa jest zmęczona napięciami społecznymi, tradycyjnymi formami sztuki, hipokryzją w etyce. Z tej fali „protestu” zrodził się surrealizm.

Autorzy pierwszych deklaracji i dzieł surrealizmu (Paul Eluard, Louis Aragon, Andre Breton i in.) postawili sobie za cel „wyzwolenie” twórczości ze wszelkich konwencji. Dużą wagę przywiązywano do nieświadomych impulsów i przypadkowych obrazów, które jednak poddawane były następnie starannej obróbce artystycznej.

Poważny wpływ na estetykę surrealizmu wywarł freudyzm, który aktualizował ludzkie instynkty erotyczne.

Na przełomie lat 20. i 30. surrealizm odegrał bardzo zauważalną rolę w kulturze europejskiej, jednak element literacki tego ruchu stopniowo słabł. Główni pisarze i poeci, zwłaszcza Eluard i Aragon, odeszli od surrealizmu. Powojenne próby odrodzenia tego ruchu przez Andre Bretona zakończyły się niepowodzeniem, natomiast w malarstwie surrealizm zapewnił znacznie silniejszą tradycję.

Postmodernizm - potężny ruch literacki naszych czasów, bardzo różnorodny, sprzeczny i zasadniczo otwarty na wszelkie innowacje. Filozofia postmodernizmu ukształtowała się głównie w szkole francuskiej myśli estetycznej (J. Derrida, R. Barthes, J. Kristeva i in.), dziś jednak rozprzestrzeniła się daleko poza granice Francji.

Jednocześnie wiele korzeni filozoficznych i pierwszych dzieł nawiązuje do tradycji amerykańskiej, a samego terminu „postmodernizm” w odniesieniu do literatury po raz pierwszy użył amerykański krytyk literacki pochodzenia arabskiego Ihab Hasan (1971).

Najważniejszą cechą postmodernizmu jest zasadnicze odrzucenie jakiejkolwiek centryczności i jakiejkolwiek hierarchii wartości. Wszystkie teksty są zasadniczo równe i mogą się ze sobą stykać. Nie ma sztuki wysokiej i niskiej, nowoczesnej i przestarzałej. Z kulturowego punktu widzenia wszystkie one istnieją w jakimś „teraz”, a ponieważ łańcuch wartości zostaje zasadniczo zniszczony, żaden tekst nie ma przewagi nad innym.

W twórczości postmodernistów wchodzi w grę niemal każdy tekst z dowolnej epoki. Zaciera się także granica między słowem własnym a cudzym, dzięki czemu teksty znanych autorów można wpleść w nowe dzieło. Zasada ta nazywa się „ zasada centoniczności» (centon to gatunek gry, w którym wiersz składa się z różnych wersów innych autorów).

Postmodernizm radykalnie różni się od wszystkich innych systemów estetycznych. W różnych schematach (na przykład w znanych schematach Ihaba Hasana, V. Brainina-Passeka itp.) Odnotowuje się dziesiątki charakterystycznych cech postmodernizmu. To postawa wobec zabawy, konformizmu, uznania równości kultur, postawa wobec wtórności (czyli postmodernizm nie ma na celu powiedzenia czegoś nowego o świecie), orientacja na sukces komercyjny, uznanie nieskończoności estetyki (czyli wszystko, co może być sztuką) itp.

Zarówno pisarze, jak i krytycy literaccy mają wobec postmodernizmu dwuznaczny stosunek: od całkowitej akceptacji po kategoryczne zaprzeczenie.

W ostatniej dekadzie coraz częściej mówi się o kryzysie postmodernizmu, przypominając o odpowiedzialności i duchowości kultury.

Na przykład P. Bourdieu uważa postmodernizm za odmianę „radykalnego szyku”, spektakularnego i wygodnego jednocześnie, i nawołuje, aby nie niszczyć nauki (a w kontekście jest jasne – sztuki) „w fajerwerkach nihilizmu”.

Wielu amerykańskich teoretyków również dokonało ostrych ataków na postmodernistyczny nihilizm. Zamieszanie wywołała zwłaszcza książka „Przeciw dekonstrukcji” J. M. Ellisa, zawierająca krytyczną analizę postaw postmodernistycznych.

Jednocześnie trzeba przyznać, że jak dotąd nie ma nowych, ciekawych kierunków oferujących inne rozwiązania estetyczne.

„Klarisa, czyli historia młodej damy, zawierająca najważniejsze kwestie życia prywatnego, a zwłaszcza ukazująca nieszczęścia, jakie mogą wyniknąć z niewłaściwego postępowania zarówno rodziców, jak i dzieci w związku małżeńskim”. Teraz jednak ten schemat jest zauważalnie bardziej skomplikowany. Zwyczajowo mówi się o przedsymbolizmie, wczesnej symbolice, symbolice mistycznej, postsymbolizmie itp. Nie przekreśla to jednak naturalnie ukształtowanego podziału na starszych i młodszych.