Pinturas de artistas magrebíes. Rene Magritte

Uno de los artistas más destacados del siglo pasado, René Magritte (1898-1967), era originario de Bélgica. En 1912, su madre se ahogó en el río, lo que aparentemente causó una gran impresión en el futuro artista, que entonces era aún un adolescente; sin embargo, contrariamente a la creencia popular, no se debe sobreestimar la influencia de este evento en la obra del autor. Magritte trajo de su infancia muchos otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, que él mismo dijo que se reflejaban en su obra.

Educado en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, inicialmente estuvo fuertemente influenciado por el dadaísmo y el cubismo. El año 1925 supuso un punto de inflexión en su obra: el cuadro "Las rosas de Picardía" marcó un nuevo estilo y una nueva actitud: el "realismo poético". El artista se traslada al "centro del surrealismo": París, donde participa en todas las exposiciones surrealistas. Y en 1938, la galería de arte de Londres organizó la primera gran exposición del maestro belga.

A principios de los años cincuenta. El arte de Magritte está recibiendo un reconocimiento internacional cada vez mayor, como lo demuestran sus grandes exposiciones en Roma, Londres, Nueva York, París y Bruselas. En 1956, Magritte, como destacado representante de la cultura belga, recibió el prestigioso Premio Guggenheim.

La característica principal de Magritte es la atmósfera de misterio en sus obras. Una sensación de misterio, como sabemos, es inherente al arte real. “Siempre he considerado a Magritte un artista imaginario, un maestro del nivel de Giorgione”, escribió Herbert Read. Estas palabras contienen la clave de la poética de Magritte.

En el cuadro "Falso espejo" (1929), que expresa el credo ideológico del artista, todo el espacio está ocupado por la imagen de un ojo enorme. Sólo que en lugar del iris, el espectador ve un cielo azul de verano con nubes transparentes flotando sobre él. El título explica la idea del cuadro: los sentidos sólo reflejan la apariencia externa de las cosas, sin transmitir la profundidad oculta del mundo, sus secretos. Sólo lo incompatible ayuda, según Magritte, a captar el sentido de la existencia. Una imagen sólo puede nacer de la convergencia de dos realidades más o menos lejanas.

Magritte seguiría este método a lo largo de toda su carrera creativa, lo que se nota especialmente en sus pinturas “filosóficas”. Uno de ellos es “Las vacaciones de Hegel” (1958).

"Mi último cuadro", escribió, "comenzó con una pregunta: ¿cómo representar un vaso de agua en un cuadro de tal manera que no nos resulte indiferente? Pero al mismo tiempo, de tal manera que No sería particularmente extraño, arbitrario o insignificante.. Uno. en una palabra para que se pueda decir: brillante (dejemos de vergüenza innecesaria).
Empecé a dibujar los vasos uno por uno (tres bocetos), cada vez con un trazo transversal (boceto). Después del centésimo o ciento cincuenta
dibujo, el trazo se hizo algo más ancho (boceto). Al principio el paraguas estaba dentro del vaso (boceto), pero luego terminó debajo (boceto).
Entonces encontré una solución a la pregunta original: ¿cómo se puede representar un vaso de agua de forma brillante? Pronto me di cuenta de que este tema podría ser de gran interés para Hegel (él también es un genio), porque mi tema combina dos aspectos opuestos.
aspiraciones: no quiere agua (la repele) y quiere agua (la recoge). Creo que le habría gustado o le habría parecido divertido (por ejemplo, durante las vacaciones). Por eso llamé al cuadro "Las vacaciones de Hegel".

Magritte se destaca entre los surrealistas: a diferencia de ellos, no utiliza elementos fantásticos, sino cotidianos, tomados en relaciones extrañas. Este es su famoso cuadro “Propiedad personal” (1952).

La “clave” aquí también se convierte en el nombre. Lo “personal” está hipertrofiado hasta alcanzar proporciones monstruosas. La habitación se convierte en una especie de “microcosmos”, cerrada, exprimida, a pesar del cielo sobre el que flotan nubes en lugar de paredes. Todas las cosas aquí han cambiado extrañamente, como si hubieran cobrado vida, adquirido una apariencia no utilitaria, aunque, como siempre ocurre con Magritte, los objetos no han cambiado su apariencia, textura, color y son perfectamente “reconocibles”. El espectador, como de paso, admira el brillo azulado del cristal del vaso, la textura de los muebles de madera y la habilidad de transmitir los reflejos del espejo. Pero precisamente de paso, porque los objetos parecen haber ganado independencia, como si hablaran en nombre de su dueño, usurpando por completo su papel “protagonista”. Ellos mismos se han convertido en “personalidades” y parecen estar conversando entre ellos.

Una de las características de la pintura temprana de Magritte es su “literariedad” en el buen sentido de la palabra. Magritte se mueve en un círculo de poetas, filósofos, escritores, estudia las obras teóricas de famosos románticos del siglo XIX. Estuvo muy influenciado por las obras del poeta y filósofo romántico inglés de principios del siglo XIX. Samuel Taylor Coleridge, quien veneraba principalmente el simbolismo en el arte: "la completa subordinación de la materia al espíritu, que la materia se convierte en un símbolo a través del cual el espíritu se revela".

Esta idea queda ilustrada, en particular, por el famoso cuadro de Magritte “Liberación” (“La huida a los campos”), creado en 1933.

Un extraño paisaje se abre desde una ventana rota. Colinas verdosas al atardecer, árboles esféricos de color azul, cielo transparente de nácar, distancias azules. Utilizando brillantemente las técnicas de la pintura tonal, el artista crea un estado de ánimo de júbilo alegre, expectativa de algo inusual y maravilloso. La cálida sombra de las cortinas en primer plano realza la impresión de ligereza de este paisaje encantado... Las pinturas de Magritte parecen estar hechas con mano tranquila e intrépida. Maestro del color, Magritte lo utiliza con moderación y moderación. En "Liberación" el simbolismo del color se utiliza para expresar asociaciones complejas. Manchas de azul, rosa, amarillo y negro dan a la imagen una increíble plenitud y vivacidad de color.

La originalidad de la obra de René Magritte se revelará más plenamente si pasamos al tema "Surrealismo y freudianismo". El principal teórico del surrealismo, André Breton, psiquiatra de profesión, concedió una importancia decisiva al psicoanálisis de Freud a la hora de valorar la obra del artista. Los puntos de vista freudianos no sólo fueron adoptados por muchos surrealistas sino que se convirtieron en su forma de pensar. Por ejemplo, para Salvador Dalí, según admitió él mismo, el mundo de las ideas de Freud significaba tanto como el mundo de las Escrituras para los artistas medievales o el mundo de la mitología antigua para los maestros del Renacimiento.

El "método de libre asociación" propuesto por Sigmund Freud, su "teoría de los errores" y su "interpretación de los sueños" tenían como objetivo principal identificar trastornos mentales dolorosos con fines de curación. A esto también apuntaba la interpretación de las obras de arte propuesta por Freud. Pero con esta comprensión, el arte se reduce a un factor privado, por así decirlo, "curativo". Ésta fue la falacia del enfoque de los teóricos del surrealismo hacia las obras de arte. Magritte era muy consciente de esto y señaló en una de sus cartas de 1937: "El arte, tal como lo entiendo, no está sujeto al psicoanálisis. Es siempre un misterio". El artista trató con ironía los intentos de interpretar sus pinturas con la ayuda del psicoanálisis: "Decidieron que mi "Modelo Rojo" es un ejemplo de complejo de castración. Después de escuchar varias explicaciones de este tipo, hice un dibujo de acuerdo con todos los " reglas" del psicoanálisis. Naturalmente, lo analizaron de la misma manera con sangre fría. Es terrible ver a qué tipo de burla se puede someter a una persona después de hacer un dibujo inocente... Quizás el psicoanálisis en sí mismo sea el mejor tema para un psicoanalista. ".

Por eso Magritte se negó obstinadamente a llamarse “surrealista”. Aceptó de buena gana la descripción de un "realista mágico". Esta dirección es característica del “período belga” de su obra, que comenzó en 1930, cuando Magritte regresó definitivamente de París a Bruselas.

Las tradiciones del antiguo arte holandés tuvieron una influencia beneficiosa en la obra de Magritte. En el cuadro “Plagio” (1960), llaman la atención varios detalles simbólicos.

A la izquierda de la mesa vemos la imagen de un nido y tres huevos: simbolismo de la Trinidad. Como un mago, el artista parece materializar ante nuestros ojos las imágenes de su imaginación, y se convierten en un hermoso jardín frutal, símbolo de una imaginación creativa viva. Magritte crea una imagen poética sutil y espiritualizada. Al contemplar la imagen, solo se pueden admirar los más delicados tonos rosados, azulados y nacarados: una vista verdaderamente fabulosa.

En la década de 1930 Magritte, junto con el arte de Bosch, estudia profundamente la obra de su compatriota, dramaturgo y filósofo Maurice Maeterlinck, quien allá por 1889 en la colección "Invernaderos" escribió: "Un símbolo es una fuerza de la naturaleza, pero la mente humana no puede resistir". sus leyes... Si no hay símbolo, no hay obra de arte."

Magritte le debe a Maeterlinck la capacidad de desarrollar la comparación en toda una red de imágenes que la imaginación del artista transforma en el mundo real. En el cuadro “Locura de grandeza” (1948), se representa una vela moribunda sobre un parapeto de piedra con el telón de fondo del mar azul infinito, como símbolo de la fragilidad de la vida humana. Cerca hay varios torsos femeninos que crecen uno del otro (un símbolo de sensualidad). Y en el cielo, con hermosas nubes heladas (para Magritte, un símbolo de atemporalidad), el espectador ve formas geométricas azules "incorpóreas", que simbolizan las "ideas puras", y un globo aerostático, un símbolo del "pensamiento puro" abstracto.

Con la ayuda de una combinación de colores finamente pensada, el artista "aclara" la idea principal. Su “sensualidad” es un color carne cálido. Las “Formas Puras” están diseñadas en un tono azulado frío, que corresponde al simbolismo y al mismo tiempo crea una sensación de espacio ilimitado.

“Vagamos al azar por el valle, sin darnos cuenta de que todos nuestros movimientos se reproducen y adquieren su verdadero significado en la cima de la montaña”, escribió Maeterlinck en su tratado “El tesoro de los humildes”, “y es necesario que de vez en cuando En un momento alguien viene a nosotros y nos dice: "Levanta los ojos, mira lo que eres, mira lo que haces. No vivimos aquí, nuestra vida está allá arriba. Esa mirada que intercambiamos en la oscuridad, esas palabras que no hicieron nada". Siente al pie de la montaña, mira en qué se han convertido y qué significan allí, sobre las alturas nevadas.

Esta idea de Maeterlinck quedó reflejada en el cuadro de Magritte “La posesión de Arnheim” (1962).

Sólo rompiendo un cristal con una imagen falsa pintada se puede ver la realidad en todo su esplendor, cree el artista. Es aquí, en las cimas de las montañas de las que habló Maeterlinck, donde acecha la Verdad.

La pintura "Una respuesta inesperada" (1933) encarna otro pensamiento de Maeterlinck: "No hay días insignificantes en la vida. Ve, vuelve, vuelve a salir; encontrarás lo que necesitas en el crepúsculo. Pero nunca olvides que eres "cerca de la puerta. Esta", tal vez, una de esas estrechas rendijas en las puertas de la oscuridad, a través de las cuales se nos da la oportunidad de ver por un momento todo lo que está por suceder en la gruta de los tesoros que aún no han sido descubiertos. ".

La pintura parece una especie de emblema de un misterio apasionante: todo aquí es tan integral, "natural", si esta definición se puede atribuir a una de las composiciones más misteriosas y místicas de Magritte. Una “puerta pirateada” abierta es un símbolo de otra dimensión, plagada de muchos misterios.

Algunos autores que escriben sobre Magritte lo declaran un “artista del absurdo”, cuyas pinturas carecen de significado. Si así fuera, si el objetivo del artista fuera representar sólo "lo absurdo de nuestra existencia cotidiana", sería una creatividad al nivel de un rompecabezas, y no el arte serio que es. Magritte escribió: "Pedimos una imagen al azar, en lugar de escucharla. Y nos sorprendemos cuando la respuesta que recibimos no es franca".

Su arte a menudo se llamaba "sueños despiertos". El artista aclaró: “Mis cuadros no son sueños que te duermen, sino sueños que te despiertan”. No en vano el destacado surrealista Max Ernst, después de haber visto su exposición en Nueva York a principios de los años cincuenta, dijo: "Magritte ni duerme ni permanece despierto. Ilumina. Conquista el mundo de los sueños".

“Sin misterio ni el mundo ni la idea son posibles”, no se cansaba de repetir Magritte. Y como epígrafe de uno de sus autorretratos, tomó un verso de un poeta francés del siglo XIX. Lautréamont: “A veces sueño, pero ni por un momento pierdo la conciencia de mi identidad”.

De ahí la inesperada interpretación de “interno y externo” en las obras de Magritte.

He aquí el comentario del artista sobre su cuadro “Marcos de la vida” (1934): “Frente a la ventana que vemos desde el interior de la habitación, coloqué un cuadro que representa exactamente la parte del paisaje que cubre. El árbol en la imagen oscurece el árbol que está detrás de él y está afuera. Para el espectador, el árbol está simultáneamente dentro de la habitación en la imagen y afuera en el paisaje real. Así es como vemos el mundo. Lo vemos fuera de nosotros y en al mismo tiempo vemos su representación dentro de nosotros mismos. De esta manera a veces colocamos en el pasado lo que está sucediendo en el presente. Así, el tiempo y el espacio se liberan del significado trivial que les da la conciencia ordinaria."

Herbert Read señaló: "Magritte se distingue por la severidad de sus formas y una clara claridad de visión. Su simbolismo es puro y transparente, como el cristal de las ventanas que tanto le encanta representar. René Magritte advierte sobre la fragilidad del mundo. El cristal se rompe: se congelan significativamente durante el vuelo, las imágenes caen y se alinean como témpanos de hielo." Este es un ejemplo de una posible interpretación de las metáforas polisémicas de Magritte. El motivo de la ventana de vidrio de este artista también puede verse como la frontera entre dos mundos: el real y el surrealista, lo poético y lo cotidiano, entre el consciente y el inconsciente.

En la pintura "El hijo del hombre" (1964), el hombre moderno está representado con el telón de fondo de una pared que lo separa de las vastas extensiones del océano y el cielo, que simboliza el infinito. Una manzana colgada frente al rostro de una persona añade misterio a la imagen. Esta manzana puede percibirse como el fruto del árbol del conocimiento y como un símbolo de la naturaleza que el hombre intenta comprender. Al mismo tiempo, este detalle da armonía a la apariencia prosaica de un burgués pulcro.

El cuadro “Golconda” (1953) puede verse como una metáfora encarnada: las personas “con peso” se han vuelto ingrávidas. Hay ironía escondida en el nombre: después de todo, Golconda es una ciudad semilegendaria de la India, famosa por sus depósitos de oro y diamantes, y esta gente parece sentirse atraída por el oro. El artista cuelga en un espacio ilimitado varias docenas de rentistas cuidadosamente vestidos con bombines, corbatas y abrigos a la moda, manteniendo al mismo tiempo una ecuanimidad absoluta.

En una de las últimas pinturas de Magritte, “Ready Bouquet” (1956), un hombre con el mismo bombín y frac, de pie, de espaldas al espectador en la terraza, contempla el parque al atardecer. Y en su espalda está representada la “Primavera” de Botticelli, caminando entre flores y el brillo de los colores. ¿Qué es esto? ¿Realización del aforismo “El hombre pasa, el arte permanece”? ¿O tal vez una persona que admiraba el parque recordó un cuadro de Botticelli? La respuesta no está clara.

El artista busca destruir la idea habitual de lo conocido, inmutable, para hacerle ver el objeto en una nueva dimensión, llevando al espectador a la confusión. En sus lienzos, creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo a los espectadores en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo brillantemente “dirigir” sus sentimientos. Parecería que el mundo creado por el artista es estático y fuerte, pero lo irreal siempre invade lo cotidiano, destruyendo este mundo familiar (una manzana común en una habitación, creciendo, desplaza a las personas, o una locomotora de vapor salta de la chimenea en a toda velocidad - "Pierced Time", 1939).

El cuadro más copiado es La creación del hombre (1935). La imagen del mar en el cuadro sobre el caballete frente a la ventana abierta se fusiona milagrosamente con la vista "real" del mar desde la ventana.

El tema de muchas de las pinturas de Magritte fue la llamada "realidad oculta". Parte de la imagen, por ejemplo, el rostro del personaje principal, está cubierto con algo (una manzana, un ramo de flores, un pájaro). Magritte explica el significado de estas obras: “Lo interesante de estas pinturas es la presencia de lo abierto y lo oculto que irrumpe repentinamente en nuestra conciencia, que en la naturaleza nunca están separados el uno del otro”.

En el cuadro “Los amantes”, René Magritte muestra que cuando estamos verdaderamente enamorados, nuestros ojos están cerrados.

Al tratar de comprender el significado esquivo de las pinturas de Magritte, de “explicarlas”, la mente del espectador se aferra frenéticamente a ambos. El artista le "arroja" el título del cuadro (normalmente aparecía una vez finalizada la obra). Magritte concedió al título un papel decisivo en la percepción del cuadro. Según los recuerdos de familiares y amigos, cuando se le ocurrían nombres, a menudo los comentaba con amigos literarios. Esto es lo que el propio artista dijo al respecto: "El título es un indicador de la función de la pintura", "El título debe contener una emoción viva", "El mejor título para una pintura es poético. No debe enseñar nada, sino sorprender y fascinar”.

Muchos de los títulos de las pinturas son deliberadamente científicos y en ellos se hace visible la ironía: "Lámpara filosófica" (1937), "Elogio de la dialéctica" (1937), "Conocimiento natural" (1938), "Tratado sobre las sensaciones" (1944). ). Otros títulos crean una atmósfera de misterio poético: “Diálogo interrumpido por el viento” (1928), “La clave de los sueños” (1930), “Duración dolorosa” (1939), “Imperio de luz” (1950), “La vida de Dios” Habitación” (1958).

El cuadro "El Imperio de la Luz" fue pintado por Magritte en la última década de su vida, pero inmediatamente se convirtió quizás en su obra más popular. Tan popular que muchos coleccionistas estaban dispuestos a pagar cualquier dinero sólo por tener una de sus réplicas en su colección.

Entonces, ¿cuál es esta imagen que ha capturado las mentes de personas de todo el mundo? A primera vista, parece simple e incluso modesto. Una casa a orillas de un pequeño lago está escondida a la sombra de grandes árboles. Las ventanas del segundo piso brillan con una luz acogedora, una linterna solitaria ilumina amigablemente al viajero que podría encontrarse aquí en una noche oscura. Parecería un nocturno corriente y absolutamente realista. Cualquier artista “tradicional” puede pintar algo como esto.

¿Pero es esto cierto? ¿Por qué entonces surge una vaga inquietud que obliga al espectador a mirar cada vez más de cerca la imagen? Esta ansiedad no desaparecerá hasta que de repente se aclare: ¡el cielo, de eso se trata! Un cielo azul con nubes blancas y esponjosas que lo cruzan alegremente. ¡Y esto es tarde en la noche! Simplemente no preguntes cómo es posible esto, porque en el mundo de Magritte nada es imposible. Como a ningún otro, a este artista le encanta conectar lo incompatible, introducir en sus pinturas detalles que contrastan tan marcadamente entre sí que el espectador primero experimenta un ligero shock, pero luego su mente comienza a trabajar con doble intensidad, tratando de encontrar una solución. la farsa propuesta.

El propio Magritte dijo esto al respecto: “Combiné diferentes conceptos en El Imperio de la Luz, es decir, un paisaje nocturno y el cielo en todo el esplendor de la luz del día. El paisaje nos inclina a pensar en la noche, el cielo, en el día. En mi opinión, este fenómeno simultáneo del día y la noche tiene el poder de sorprender y encantar. Y a este poder lo llamo poesía”.

El propio René Magritte

“Autorretrato” (“Ojo claro”)

Recordando su infancia, escribió: “Recuerdo mi asombro cuando vi por primera vez el tablero de ajedrez y las piezas que había en él. ¡Impresión aterradora! ¡Partituras donde signos misteriosos denotaban sonido y no eran palabras! Aquí hay una pequeña obra temprana del artista: "The Lost Jockey", que se convirtió en su manifiesto creativo.

Un jinete, que corría a toda velocidad sobre un caballo enjabonado, se perdió en un bosque surrealista de enormes piezas de ajedrez pintadas con notaciones musicales.

Cuadro “Carte Blanche” o “El obstáculo del vacío”.

Magritte escribió sobre ella: “Las cosas visibles pueden ser invisibles. Si, por ejemplo, algunas personas están montando a caballo por el bosque, primero las ves, luego no las ves, pero sabes que están ahí. En el cuadro "Carte Blanche", el jinete oscurece los árboles y ellos la oscurecen a ella. Sin embargo, nuestro poder de pensamiento abarca tanto lo visible como lo invisible, y con la ayuda de la pintura hago visibles los pensamientos”.

Cuadro “Escisión prohibida”

Es interesante observar que en Magritte sólo las imágenes de pájaros están libres de complejidades asociativas. Los pájaros llevan la energía positiva del vuelo, nada más. No hay pájaros muertos, pájaros caídos, con las alas rotas. Los pájaros están vivos y sus alas están llenas de los brillantes cirros azules y blancos de Magritte (Big Family, 1963).

El 15 de agosto de 1967, René Magritte murió de cáncer. Ha fallecido uno de los artistas-magos del siglo XX, que en vida se parecía mucho a un respetable farmacéutico.
Llevaba la vida tranquila y tranquila de un belga en la calle, lejos del bullicio de los bohemios, un hombre difícil de distinguir entre la multitud. Sueños, paradojas, miedos, peligros misteriosos llenaban sólo sus pinturas, no su vida. El artista luchó contra el aburrimiento sólo a través de la creatividad. La regularidad de cada día le sentaba bastante bien, incluso pintaba la mayoría de sus cuadros en el comedor y hasta el final de su vida prefirió el tranvía a otros medios de transporte.
Una vez, poco antes de su muerte, Magritte, este maestro sofisticado, dijo: “Aún no entiendo la razón por la que vivimos y morimos”. ¿Quizás el artista cifró las pistas sobre las causas y misterios de la existencia en sus pinturas de acertijo? Todo es posible. ¡Entonces vale la pena echarles un vistazo más de cerca!

El 2 de junio de 2009 se inauguró en Bruselas un nuevo museo dedicado a la obra del famoso artista surrealista René Magritte. El Museo Real de Bellas Artes le asignó una sala de 2,5 mil metros cuadrados. La exposición del Museo René Magritte incluye más de 200 obras del autor: es la colección más grande del mundo.

(Francés: Rene Francois Ghislain Magritte; nacido - 21 de noviembre de 1898, Lessines, re. - 15 de agosto de 1967, Bruselas) - Artista surrealista belga. Conocido como autor de pinturas ingeniosas y al mismo tiempo poéticamente misteriosas.

René Magritte fue mirado con sospecha. Especialmente los médicos. Especialmente los psicoanalistas. Aquellos que no notaron ninguna anomalía mental en este artista cambiaron drásticamente de opinión después de eso. ¿Cómo conociste su trabajo?

Pero en respuesta a sus intrusiones, el propio artista, no sin sarcasmo, argumentó que el mejor paciente para un psicoanalista es otro psicoanalista. Y no tomó en absoluto en serio a Sigmund Freud, que era el más popular en aquellos días. Pero continuó dibujando manzanas como rostros, espejos con reflejos fantásticos, ataúdes para muertos sentados y otras rarezas e incomprensibilidad.

René pasó su infancia y juventud en la pequeña ciudad industrial de Charleroi. La vida era dura.

René Magritte “Hijo del Hombre”, 1964.

En 1912, su madre se ahogó en el río Sambre, lo que aparentemente tuvo una gran influencia en el futuro artista, que entonces era todavía un adolescente. Cuando se encontró el cadáver, su cabeza fue cuidadosamente envuelta en una gasa ligera.

Probablemente por eso los rostros, o más precisamente, su ausencia, ocupan un lugar especial en la obra de Magritte. La mayoría de las veces, la cara en un retrato está cubierta con un objeto extraño o envuelta en una tela, o incluso simplemente se representa la parte posterior de la cabeza u otra parte del cuerpo en lugar de la cara.

Magritte trajo de su infancia varios otros recuerdos, no tan trágicos, pero no menos misteriosos, de los que él mismo dijo que se reflejaban en su obra.

A partir de 1916, Magritte estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Bruselas y abandonó la Academia en 1918. Al mismo tiempo conoció a Georgette Berger, con quien se casó en 1922 y con quien vivió hasta su muerte en 1967.

El asesino amenazado – 1927

Las pinturas de Magritte se caracterizan por un estilo distante y aparentemente imperturbable. Representan objetos ordinarios que Magritte, a diferencia de otros grandes surrealistas (Dali, Ernst), casi nunca pierden su "objetividad": no se expanden, no se convierten en sus propias sombras. Sin embargo, la extraña combinación de estos objetos llama la atención y hace pensar. La ecuanimidad del estilo no hace más que agravar esta sorpresa y sumerge al espectador en una especie de estupor poético provocado por el misterio mismo de las cosas.

A la edad de 14 años, René conoce a una chica llamada Georgette. Unos años más tarde se convierte en su esposa, amante, musa, colega y amiga: la única modelo femenina del artista. No hubo otras mujeres en su vida. El bello rostro de Georgette resulta esquivo en las pinturas de Magritte. Es vago y encriptado, como una belleza esquiva.

El significado de la noche 1927

El objetivo de Magritte, según él mismo admite, es hacer pensar al espectador. Por eso, las pinturas del artista a menudo parecen enigmas que no se pueden resolver por completo, ya que plantean preguntas sobre la esencia misma de la existencia: Magritte siempre habla del engaño de lo visible, de su misterio oculto, que normalmente no notamos. Hay una conocida serie de obras del artista en las que escribe bajo objetos corrientes: éste no es él. Particularmente popular es la pintura "La traición de las imágenes", que representa una pipa con la leyenda "Esto no es una pipa". Así, Magritte vuelve a recordar al espectador que la imagen de un objeto no es el objeto en sí.

Él, como Dalí y otros surrealistas, transfirió sueños y pensamientos al lienzo. pero no pudo soportar que los críticos lo llamaran surrealista. “Soy un realista mágico”, se dijo Magritte.

A la edad de 18 años, René fue a estudiar a la Academia de Bellas Artes de Bruselas, donde rápidamente se dio cuenta de que para él trasladar los detalles de la vida real al lienzo era una melancolía mortal. Aquí “enferma” del cubismo y el futurismo en el espíritu de Fernand Léger, pero se cura tras conocer la obra de Max Ernst y Giorgio de Chirico.

Tiempo paralizado 1938

En general, los títulos de los cuadros juegan un papel especial en Magritte. Casi siempre son poéticos y, a primera vista, no tienen nada que ver con la imagen misma. Y aquí es precisamente donde el propio artista vio su significado: creía que la conexión poética oculta entre el título y la pintura contribuía a la sorpresa mágica que Magritte veía como el propósito del arte.

En 1921, Magritte fue reclutado por el ejército y un año después, al regresar a la vida civil, consiguió un trabajo como dibujante en una fábrica de papel pintado, donde pasaba horas pintando rosas sobre papel hasta el más mínimo detalle (las rosas se convertirían más tarde en uno de los leitmotiv de sus cuadros, símbolo de la belleza fatal e insegura, “La tumba del luchador”, 1961). Luego, junto con su hermano, abre una agencia de publicidad, lo que pronto les permitió olvidarse de los problemas urgentes.

En 1930 se produjo una ruptura con Breton. Magritte regresa a Bruselas y, junto con Paul Delvaux, se convierte aquí en uno de los líderes del movimiento surrealista. Durante este fructífero período de actividad, Magritte creó una serie de pinturas con temas misteriosos y poéticos, incluida su pintura más copiada, “La condición humana” (1935). La imagen del mar en el cuadro sobre el caballete frente a la ventana abierta se fusiona milagrosamente con la vista "real" del mar desde la ventana.

Cuando los alemanes ocuparon Bélgica en 1940, Magritte pasó primero tres meses exiliado en Carcasona (Francia) y luego regresó a Bruselas, donde sobrevivió a los duros tiempos de la guerra. Inmediatamente después de la guerra, Magritte decidió pintar con pinceladas amplias, al estilo de Renoir y Matisse, explicando esto por la necesidad de buscar la alegría frente al pesimismo generalizado de aquellos años. Este período en la obra de Magritte suele denominarse el período del “sol brillante” (“plein soleil”). Pero los motivos del impresionismo y el fauvismo en la obra del maestro de las pinturas misteriosas no convencieron al público ni a los críticos, y en 1948 el artista volvió a su propio estilo.

“Tomo un objeto o tema arbitrario como pregunta”, escribió, “y luego me pongo a buscar otro objeto que pueda servir como respuesta. Para convertirse en candidato a una respuesta, el objeto que se busca debe estar conectado al objeto de la pregunta mediante muchas conexiones secretas. Si la respuesta se presenta con toda claridad, entonces se establece la conexión entre los dos objetos”. Y de nuevo: “Para mí, el pensamiento inicialmente consiste sólo en cosas visibles, y él mismo puede volverse visible gracias a la pintura”. Rene Magritte

En los años 50, el artista creó algunas de sus obras más famosas. Entre ellos se encuentra el cuadro “Golconda” (1953). El artista representó a varias docenas de rentistas pulcramente vestidos (con bombines, corbatas y abrigos a la moda) colgados en un espacio ilimitado, manteniendo al mismo tiempo una ecuanimidad absoluta. Golconda es una antigua ciudad de la India que se ha convertido en sinónimo de innumerables tesoros y riquezas, ya que aquí se encontraron muchos diamantes famosos y otras piedras preciosas. Las personas de la imagen parecen sentirse atraídas por los tesoros de la Golconda.

En las décadas de 1950 y 1960, las pinturas de René Magritte conmocionaron el mercado del arte estadounidense, donde sólo se realizaron exposiciones suyas durante una temporada completa. El dinero llegaba de todas partes, pero este hombre con cara de amable farmacéutico, como afirmaban sus familiares, se mantuvo fiel a sí mismo: nada de bohemia, una casa modesta, un taller tranquilo y viajando en su medio de transporte favorito: el tranvía.

Magritte murió el 15 de agosto de 1967, a la edad de 69 años, a causa de un cáncer, dejando inacabada una nueva versión de su cuadro quizás más famoso, El imperio de la luz. Ella permaneció para siempre en su habitación sobre un caballete. Georgette dijo, volviéndose hacia su marido: “Te equivocaste en una cosa: en la finitud de tu propia vida, en la victoria de la muerte sobre todo. Seguiste vivo no sólo para mí, sino también para todos aquellos que miran tus cuadros: al fin y al cabo, todos estáis en ellos. Los miro y hablo contigo y discuto como siempre. Finalmente hiciste lo que soñaste. Entraste por el espejo, pero permaneciste. Has vencido a la muerte."

Buscó destruir la idea habitual de lo conocido, inmutable, para hacerle ver el objeto en una nueva dimensión, llevando al espectador a la confusión. En sus lienzos, creó un mundo de fantasía y sueños a partir de cosas reales, sumergiendo a los espectadores en una atmósfera de sueños y misterio. El artista supo brillantemente “dirigir” sus sentimientos. Parecería que el mundo creado por el artista es estático y fuerte, pero lo irreal siempre invade lo cotidiano, destruyendo este mundo familiar (una manzana común en una habitación, creciendo, desplaza a las personas, o una locomotora de vapor salta de la chimenea en a toda velocidad - "Pierced Time", 1938).

Artista belga - surrealista René Magritte - vida y obra actualizado: 21 de octubre de 2018 por: sitio web

Bella Adtseeva

El artista belga René Magritte, a pesar de su indudable afiliación con el surrealismo, siempre se destacó en el movimiento. En primer lugar, se mostró escéptico acerca de quizás la principal afición de todo el grupo de André Breton: el psicoanálisis de Freud. En segundo lugar, las pinturas de Magritte en sí no se parecen ni a las locas tramas de Salvador Dalí ni a los extraños paisajes de Max Ernst. Magritte utilizó principalmente imágenes cotidianas (árboles, ventanas, puertas, frutas, figuras humanas), pero sus pinturas no son menos absurdas y misteriosas que las obras de sus excéntricos colegas. Sin crear objetos y criaturas fantásticas desde lo más profundo del subconsciente, el artista belga hizo lo que Lautreamont llamó arte: organizó "un encuentro entre un paraguas y una máquina de escribir en la mesa de operaciones", combinando cosas banales de una manera inusual. Críticos y conocedores de arte ofrecen todavía nuevas interpretaciones de sus cuadros y de sus títulos poéticos, casi nunca relacionados con la imagen, lo que una vez más lo confirma: la sencillez de Magritte es engañosa.

El propio René Magritte llamó a su arte ni siquiera surrealismo, sino realismo mágico, y desconfiaba mucho de cualquier intento de interpretación, y más aún de la búsqueda de símbolos, argumentando que lo único que se puede hacer con las pinturas es mirarlas.

A partir de ese momento, Magritte volvió periódicamente a la imagen de un misterioso extraño con un bombín, representándolo en la orilla arenosa del mar, en un puente de la ciudad, en un bosque verde o frente a un paisaje montañoso. Podían ser dos o tres desconocidos, estaban de espaldas al espectador o semide lado y, a veces, como, por ejemplo, en el cuadro Alta sociedad (1962) (puede traducirse como "Alta sociedad" - nota del editor) - el artista señaló sólo un contorno de hombres con bombín, llenándolo de nubes y hojas. Las pinturas más famosas que representan a un extraño son "Golconda" (1953) y, por supuesto, "El hijo del hombre" (1964), la obra más replicada de Magritte, cuyas parodias y alusiones se encuentran con tanta frecuencia que la imagen ya vive separada de su creador. Inicialmente, René Magritte pintó el cuadro como un autorretrato, donde la figura de un hombre simbolizaba a un hombre moderno que ha perdido su individualidad, pero sigue siendo el hijo de Adán, que es incapaz de resistir las tentaciones, de ahí la manzana que cubre su rostro.

"Amantes"

René Magritte comentaba con bastante frecuencia sus pinturas, pero dejó sin explicación una de las más misteriosas, "Amantes" (1928), dejando espacio para la interpretación a críticos y aficionados del arte. Los primeros volvieron a ver en el cuadro una referencia a la infancia de la artista y a las experiencias asociadas con el suicidio de su madre (cuando sacaron su cuerpo del río, la cabeza de la mujer estaba cubierta con el dobladillo de su camisón - nota del editor). La más simple y obvia de las versiones existentes - "el amor es ciego" - no inspira confianza entre los expertos, quienes a menudo interpretan la imagen como un intento de transmitir el aislamiento entre personas que son incapaces de superar la alienación incluso en momentos de pasión. Otros ven aquí la imposibilidad de comprender y conocer a las personas cercanas hasta el final, mientras que otros entienden "Amantes" como una metáfora realizada de "perder la cabeza por amor".

Ese mismo año, René Magritte pintó un segundo cuadro llamado "Los amantes": en él los rostros del hombre y la mujer también están cerrados, pero sus poses y su fondo han cambiado, y el estado de ánimo general ha pasado de tenso a pacífico.

Sea como fuere, "Los amantes" sigue siendo una de las pinturas más reconocibles de Magritte, cuya atmósfera misteriosa es tomada prestada por los artistas de hoy, por ejemplo, la portada del álbum debut del grupo británico Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep. en Conversation (2003) se refiere a ello.

"La traición de las imágenes", o esto no es...

Los nombres de las pinturas de René Magritte y su conexión con la imagen son un tema para un estudio aparte. "La llave de cristal", "Lograr lo imposible", "El destino humano", "El obstáculo del vacío", "El mundo hermoso", "El imperio de la luz": poéticos y misteriosos, casi nunca describen lo que el espectador ve en el lienzo, pero sobre qué significado el artista quería darle al nombre, en cada caso individual solo podemos adivinar. "Los títulos se eligen de tal manera que no permiten que mis pinturas se coloquen en el ámbito de lo familiar, donde la automaticidad del pensamiento ciertamente funcionará para prevenir la ansiedad", explicó Magritte.

En 1948 creó el cuadro "La traición de las imágenes", que se convirtió en una de las obras más famosas de Magritte gracias a la inscripción que contenía: de la inconsistencia el artista llegó a la negación, escribiendo "Esto no es una pipa" bajo la imagen de un tubo. "Esta famosa pipa. ¡Cómo me lo reprochan! Y, sin embargo, ¿se puede llenar con tabaco? No, es sólo una imagen, ¿no? Así que si escribiera debajo de la imagen: 'Esto es una pipa', ¡Estaría mintiendo!" - dijo el artista.

El cielo de Magritte

El cielo con nubes flotando sobre él es una imagen tan cotidiana y usada que parece imposible convertirla en la “tarjeta de presentación” de algún artista en particular. Sin embargo, el cielo de Magritte no se puede confundir con el de otra persona, la mayoría de las veces debido al hecho de que en sus pinturas se refleja en elegantes espejos y ojos enormes, llena los contornos de los pájaros y, junto con la línea del horizonte, pasa imperceptiblemente desde el paisaje sobre el caballete (serie “Destino Humano” "). El cielo sereno sirve de fondo a un desconocido con bombín (Decalcomanía, 1966), sustituye a las paredes grises de la habitación (Valores personales, 1952) y se refracta en espejos tridimensionales (Cosmogonía elemental, 1949).

El famoso "Imperio de la Luz" (1954), al parecer, no se parece en nada a las obras de Magritte: en el paisaje nocturno, a primera vista, no había lugar para objetos inusuales y combinaciones misteriosas. Y, sin embargo, esa combinación existe y constituye la imagen de "Magritte": un cielo despejado durante el día sobre un lago y una casa sumergida en la oscuridad.

Aquí he publicado pinturas de René Magritte con títulos. También algunos datos sobre el carácter y la filosofía de este hombre. Para aquellos que quieran saber más sobre la biografía de este artista, les aconsejo que vean la película "Monseñor Magritte".

He pospuesto este post durante mucho tiempo, no porque no me guste René Magritte, sino todo lo contrario por la importancia de este fenómeno. En realidad, según tengo entendido, los pilares del surrealismo en la pintura son dos personas: Salvador Dalí y René Magritte. Son como Tolkien y Lewis en la fantasía. Magritte y Dalí influyeron y siguen influyendo en todos los surrealistas.

Sin embargo, se trataba de dos personas completamente diferentes, tan diferentes como sus cuadros. A René Magritte, a diferencia de Dalí y todos los demás surrealistas, no le gustaba sorprender al público, no iniciaba peleas, no se inspiraba en los agáricos de mosca y pasó toda su vida con una mujer: su esposa Georgette, su musa principal. , alma gemela y modelo.

Filosofía de René Magritte

Lo curioso es que el hombre que, junto con Dalí, es considerado un clásico del surrealismo ni siquiera reconoció la filosofía de este movimiento, en el que el psicoanálisis ocupaba uno de los lugares principales. El belga creía que la creatividad no se puede analizar, que es un misterio, un rompecabezas filosófico, pero no es objeto de análisis freudiano.

Teniendo en cuenta esta filosofía, no es de extrañar que muchas de sus obras provoquen a menudo desconcierto y la sensación de que el artista se está burlando de ti. Obviamente, tal ambigüedad y simbolismo contribuyeron al hecho de que se crearon muchas parodias e instalaciones en sus pinturas. En este sentido, la pintura "El hijo del hombre" es especialmente popular.

Un burgués bastante decente :) No te dieron eso con tu traje espacial :)

En general, Magritte era una persona tranquila y tranquila, y en su cabeza pasaban las cosas más interesantes. Quizás por eso se han hecho tan pocas películas sobre René Magritte, a diferencia de Dalí.

No enumeraré aquí secamente los hechos de su biografía; otras 100.500 personas ya lo han hecho por mí. Creo que no es por eso que la gente viene al blog, después de todo, para eso está pediwiki. Si quieres conocer la biografía de este artista, te aconsejo que veas la película Monsieur Rene Magritte (Monsieur Rene Magritte) de 1978. Es más interesante que leer un texto seco de Wikipedia (con el debido respeto a la pedivica).

Pinturas de René Magritte con títulos.

Todo lo que este hombre quería decirnos, lo dijo con sus cuadros. Las pinturas de René Magritte, en contraste con la tormentosa presión de las caprichosas visiones de Dalí, son más tranquilas y filosóficas. Además, las pinturas de Magritte están imbuidas de un sentido del humor muy peculiar. Basta con mirar su pintura de una pipa con una firma debajo: no es una pipa.

La Philosophie dans le boudoir (Filosofía en el tocador)

La Magie noire (Magia Negra) Se dice que todas las imágenes femeninas de sus cuadros son imágenes de su esposa. Al mirar esta imagen, empiezas a comprender por qué vivió toda su vida con una mujer. En mi opinión, mucho más bonita que Gala.

La Mémoire (Memoria).

Cosmogonie Elementaire (Cosmogonía elemental).

La Naissance de l'idole (El nacimiento de un ídolo).

La Belle cautiva (La Bella Cautiva).

L’Invention colectiva (Invención colectiva), cuadro de René Magritte.

Les Amants (Los amantes), René Magritte, pinturas, surrealismo.

Le Thérapeute II (El terapeuta II), René Magritte, artistas, surrealismo.

Le Fils de l'homme (El hijo del hombre), René Magritte. Una de las pinturas más famosas del artista.

Le Faux miroir (El falso espejo),

Le Coup au coeur (Un golpe al corazón)

Alogismo, absurdo, combinación de variabilidad visual incongruente y paradójica de imágenes y figuras: esta es la base de los fundamentos del surrealismo. Se considera que el fundador de este movimiento es la encarnación de la teoría del subconsciente de Sigmund Freud en la base del surrealismo. Sobre esta base, muchos representantes del movimiento crearon obras maestras que no reflejaban la realidad objetiva, sino que eran simplemente la encarnación de imágenes individuales inspiradas en el subconsciente. Los lienzos pintados por los surrealistas no podían ser producto ni del bien ni del mal. Todos evocaron diferentes emociones en diferentes personas. Por tanto, podemos decir con seguridad que esta dirección del modernismo es bastante controvertida, lo que contribuyó a su rápida difusión en la pintura y la literatura.

El surrealismo como ilusión y la literatura del siglo XX

Salvador Dalí, Paul Delvaux, René Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes y Dorothy Tanning son los pilares del surrealismo surgido en Francia en los años 20 del siglo pasado. Esta tendencia no se limita a Francia, sino que se ha extendido a otros países y continentes. El surrealismo facilitó enormemente la percepción del cubismo y el abstraccionismo.

Uno de los principales postulados de los surrealistas fue la identificación de la energía de los creadores con el subconsciente humano, que se manifiesta en el sueño, bajo hipnosis, en el delirio durante la enfermedad o en intuiciones creativas aleatorias.

Características distintivas del surrealismo.

El surrealismo es un movimiento complejo en la pintura, que muchos artistas entendieron y comprenden a su manera. Por tanto, no sorprende que el surrealismo se desarrollara en dos direcciones conceptualmente diferentes. La primera rama se puede atribuir fácilmente a Miro, Max Ernst, Jean Arp y André Masson, en cuyas obras el lugar principal lo ocuparon imágenes que suavemente se convierten en abstracción. La segunda rama toma como base la encarnación de una imagen surrealista generada por el subconsciente humano, con una precisión ilusoria. En esta dirección trabajó Salvador Dalí, representante ideal de la pintura académica. Son sus obras las que se caracterizan por una representación precisa del claroscuro y una manera cuidadosa de pintar: los objetos densos tienen una transparencia tangible, mientras que los sólidos se extienden, las figuras masivas y tridimensionales adquieren ligereza e ingravidez, y las incompatibles se pueden combinar entre sí.

Biografía de René Magritte

Junto a las obras de Salvador Dalí se encuentra la obra de René Magritte, un famoso artista belga que nació en la ciudad de Lesin en 1898. En la familia, excepto René. Hubo dos hijos más, y en 1912 ocurrió una desgracia que influyó en la vida y obra del futuro artista: su madre murió. Esto se reflejó en el cuadro de René Magritte “En memoria de Mack Sennett”, pintado en 1936. El propio artista afirmó que las circunstancias no influyeron en su vida ni en su obra.

En 1916, René Magritte ingresó en la Academia de las Artes de Bruselas, donde conoció a su futura musa y esposa, Georgette Berger. Después de graduarse de la Academia, René trabajó en la creación de materiales publicitarios y lo despreciaba bastante. El futurismo, el cubismo y el dadaísmo tuvieron una gran influencia en el artista, pero en 1923 René Magritte vio por primera vez la obra de Giorgio de Chirico "Canción de amor". Fue este momento el que se convirtió en el punto de partida para el desarrollo del surrealista René Magritte. Al mismo tiempo, se inició la formación de un movimiento en Bruselas, del que René Magritte se convirtió en representante junto con Marcel Lecampt, André Suri, Paul Nouger y Camille Gemans.

Las obras de René Magritte.

Las obras de este artista siempre han sido controvertidas y han llamado mucho la atención.

A primera vista, la pintura de René Magritte está llena de imágenes extrañas que no sólo son misteriosas, sino también ambiguas. René Magritte no abordó la cuestión de la forma en el surrealismo; puso su visión en el significado y la importancia de la pintura.

Muchos artistas prestan especial atención a los títulos. Especialmente René Magritte. Las pinturas con los títulos “Esto no es una pipa” o “Hijo del Hombre” despiertan en el espectador al pensador y filósofo. En su opinión, no sólo la imagen debe incitar al espectador a mostrar emociones, sino que también el título debe sorprender y hacer reflexionar.
En cuanto a las descripciones, muchos surrealistas dieron un breve resumen de sus pinturas. René Magritte no es una excepción. Los cuadros con descripciones siempre han estado presentes en la actividad publicitaria del artista.

El propio artista se autodenominó “realista mágico”. Su objetivo era crear una paradoja y el público debería sacar sus propias conclusiones. René Magritte en sus obras siempre trazó claramente una línea entre la imagen subjetiva y la realidad real.

Cuadro "Amantes"

René Magritte pintó una serie de cuadros llamados “Amantes” en 1927-1928 en París.

La primera imagen muestra a un hombre y una mujer unidos en un beso. Sus cabezas están envueltas en una tela blanca. La segunda pintura muestra al mismo hombre y mujer vestidos con tela blanca, mirando desde la pintura a la audiencia.

La tela blanca en la obra del artista provoca y ha provocado acaloradas discusiones. Hay dos versiones. Según el primero, la tela blanca en las obras de René Magritte apareció en relación con la muerte de su madre en la primera infancia. Su madre saltó de un puente al río. Cuando sacaron su cuerpo del agua, se encontró un paño blanco envuelto alrededor de su cabeza. En cuanto a la segunda versión, muchos sabían que el artista era fanático de Fantômas, el héroe de la popular película. Por tanto, puede ser que la tela blanca sea un homenaje a la pasión por el cine.

¿De qué se trata esta imagen? Mucha gente piensa que el cuadro "Los amantes" personifica el amor ciego: cuando las personas se enamoran, dejan de fijarse en alguien o en algo que no sea su alma gemela. Pero la gente sigue siendo un misterio para sí misma. Por otro lado, mirando el beso de los enamorados, podemos decir que han perdido la cabeza por el amor y la pasión. La pintura de René Magritte está llena de sentimientos y experiencias mutuos.

"Hijo de hombre"

El cuadro de René Magritte "El hijo del hombre" se convirtió en el sello distintivo del "realismo mágico" y en el autorretrato de René Magritte. Esta obra en particular es considerada una de las obras más controvertidas del maestro.

El artista escondió su rostro detrás de una manzana, como si dijera que no todo es lo que parece y que la gente constantemente quiere meterse en el alma de una persona y comprender la verdadera esencia de las cosas. La pintura de René Magritte esconde y revela la esencia del propio maestro.

René Magritte jugó un papel importante en el desarrollo del surrealismo y sus obras continúan excitando la conciencia de cada vez más generaciones.