“Como cualquier talento poderoso, Verdi refleja su nacionalidad y su época. Él es la flor de su suelo. Es la voz de la Italia moderna... Italia despierta a la conciencia, Italia agitada por las tormentas políticas; Italia, audaz y apasionada hasta la furia. Estas palabras fueron escritas por el célebre compositor y crítico musical ruso A. Serov con motivo de su llegada a Rusia para representar la ópera El poder del destino. Fue hace más de ciento veinte años.

La caracterización de Serov es precisa y perspicaz. Verdi es verdaderamente un cantante de su época y de su país: Italia, que luchó heroicamente contra el yugo extranjero por la libertad y la unidad nacional, por pasar de un concepto geográfico, como lo llamó irónicamente uno de los ministros austriacos, a un estado nacional independiente.

Conocemos el movimiento nacional en Italia en el siglo XIX no solo por la historia. Se refleja, por ejemplo, en el excelente libro de Ethel Lilian Voynich, la novela The Gadfly, que se ha leído durante muchas generaciones. Verdi es una persona contemporánea y afín a los jóvenes héroes de la novela. Pero luchó por la libertad de Italia con un arma especial: la música.

Su camino en el arte no fue fácil. El hijo del posadero de un pueblo solo podía recibir las habilidades musicales más básicas en su pueblo natal, su primer maestro fue el organista de la iglesia local. El muchacho del pueblo tuvo suerte: lo notó un comerciante del pueblo vecino Antonio Barezzi, un hombre ilustrado y benévolo que amaba apasionadamente la música. Por su iniciativa, Giuseppe se mudó a la ciudad de Busseto, ingresó a una escuela de música allí y comenzó a estudiar con el "maestro musical" local F. Provezi. El camino en el arte para Verdi no fue fácil.

Bajo la guía de Provezi, aprendió mucho: a tocar bien el piano y el órgano, a componer música para varios instrumentos y para una banda de música que actuaba en las vacaciones en la plaza de la ciudad. En la escala de un pequeño pueblo, el joven músico pronto ganó fama, y ​​la sociedad filarmónica local, que unía a los amantes de la música, le otorgó una beca para estudiar en el Conservatorio de Milán.

Pero Verdi no fue admitido en el conservatorio, a los examinadores no les gustó su forma de tocar el piano y no prestaron mucha atención a sus composiciones. Cual era la tarea asignada? ¿Volver a Busseto y, por tanto, defraudar las expectativas de sus simpatizantes? ¡No nunca!

Y Verdi se quedó en Milán, y no solo porque logró encontrar un buen maestro entre los profesores del conservatorio, sino también porque la ciudad misma era una especie de conservatorio: dos teatros de ópera, incluido el famoso La Scala, conciertos semanales - todo un joven provincial pudo asistir a esto gracias a su maestro V. Lavigna, quien, después de un año de clases, escribió al mecenas Verdi Barezzi: “Su beca pronto será el orgullo de su patria”. Verli soñaba con escribir una ópera para La Scala

Y durante los años de estudio, y en los años posteriores de trabajo en Busseto (era necesario cumplir con un deber en relación con esta ciudad), Verdi escribió música en una variedad de géneros. Pero sobre todo se sintió atraído por la ópera. Escribir una ópera para La Scala era su sueño.

Y se hizo realidad: la primera ópera fue un éxito tan significativo que firmaron un acuerdo con Verdi para tres composiciones más. Podría considerarse afortunado.

Pero el destino asestó un golpe terrible a Verdi: uno tras otro, mueren dos de sus hijos, y luego su esposa, Margherita Barezzi, la hija de su amigo mayor. ¡Y todo esto durante un año y medio! Y según el contrato, tenía que terminar el trabajo en una ópera alegre y cómica. No es de extrañar que pareciera ser la obra más floja del compositor y fuera abucheada por el público.

Este nuevo golpe derribó a Verdi. Parecía que todo había terminado, tanto la creatividad como la vida misma. Verdi comenzó a evitar a la gente, se esforzó por estar solo, incluso se mudó a un hotel barato, lejos de casa, donde era feliz. El director del teatro de ópera B. Merelli, que se enamoró de Verdi y creyó en su talento, logró sacarlo de ese estado, a pesar del fracaso con la ópera cómica. Lo invitó a leer un nuevo libreto escrito por el talentoso poeta T. Solera. Verdi aceptó a regañadientes el manuscrito. Lo trajo a casa y accidentalmente se abrió en palabras que de alguna manera tocaron la imaginación del compositor:

“Vuela, pensamiento mío, a los lejanos cerros nativos…”

Verdi se interesó por la lectura y por la mañana se sabía el libreto de memoria. Así comenzó a trabajar en "Nabucco", la primera de una serie de óperas heroicas que le dieron fama como cantante del Risorgimento de la Reunificación Nacional Italiana.

Las tramas de las óperas eran muy diferentes, tomadas de la Biblia ("Nabucco"), luego de la historia ("Attila", "Lombards in the First Crusade", "Juan of Arc", "Battle of Legnano"), luego de los dramas románticos Hugo ("Ernani"), Schiller ("Ladrones"). Pero en todas partes recorre la misma idea: la idea de luchar contra la tiranía, contra la opresión del pueblo y, por lo tanto, las tramas más distantes en el tiempo fueron percibidas por el público como agudamente modernas. Cuando en la ópera "Attila" el comandante romano dijo, dirigiéndose al líder de los hunos, Atila: "Toma el mundo entero para ti, déjame Italia a mí", la audiencia electrizada gritó: "¡Nosotros, tenemos Italia!"

Pero la razón principal no estaba en las analogías de la trama, sino en la música. Lo mejor de las primeras óperas de Verdi son los coros verdaderamente heroicos, con su brillante melodía y su masculino ritmo de marcha. Eran fáciles de recordar y algunos de ellos se convirtieron en canciones patrióticas populares. En particular, ese coro de Nabucco, cuya primera línea emocionó a Verdi al leer el libreto. El coro de la Batalla de Legnano también se convirtió en un himno: "¡Viva Italia!" Y no en vano, el líder del movimiento revolucionario italiano, Giuseppe Mazzini, escribió a Verdi en 1848: “Lo que Garibaldi y yo hacemos en política, lo que nuestro amigo mutuo A. Manzoni hace en poesía, tú lo haces en música. Ahora, más que nunca, Italia necesita tu música".

Con cada nueva composición, el talento de Verdi se vuelve más maduro y profundo, reflejando multifacéticamente la realidad en toda su complejidad y contradicciones. La atención se centra en la personalidad de una persona, su mundo interior. Esto fue especialmente evidente en las óperas de la década de 1850: "Rigoletto" (basada en el drama de Hugo) y "La Traviata" (basada en el drama de A. Dumas son). Los personajes principales no realizan ningún acto excepcional que los eleve por encima de la multitud; son, por el contrario, personas humilladas, que se encuentran fuera de la sociedad.

El bufón de la corte Rigoletto está condenado a divertir y divertir por el resto de su vida, la actitud de la sociedad hacia Violetta se refleja en el mismo título de la ópera: “traviata” en italiano significa mujer caída. Y Verdi muestra cómo grandes y puros sentimientos viven en el alma de este pueblo despreciado, cómo Rigoletto ama desinteresadamente a su hija Gilda, cómo Violetta renace cuando reconoce el amor verdadero, y cómo rechaza la felicidad para que todo el pasado no se derrumbe como un sombra sobre la familia de un ser querido. Y cuando, incluso antes de que se levante el telón, suena la música sincera, pura y triste de la introducción (solo para instrumentos de cuerda) en la interpretación de La Traviata, aparece ante los oyentes un retrato del alma de la heroína de la ópera. . Ópera "Aida" de G. Verdi

La síntesis de los mejores rasgos de la obra de Verdi fue su ópera Aida, escrita para la inauguración del teatro de la ópera de El Cairo. Se suponía que la trama reflejaba alguna página de la historia de Egipto. Y de nuevo, Verdi sorprende por lo inesperado de la interpretación. La ópera, que habla de las victorias y conquistas del antiguo reino egipcio, resultó estar imbuida de simpatía por el pueblo derrotado por los egipcios, los etíopes, y los colores más encantadores se le dieron a Aida, la hija del rey etíope. , un cautivo y un esclavo. Gran maestro de la música vocal, Verdi también descubrió aquí un excelente conocimiento de la orquesta: la escena nocturna del Nilo es el paisaje musical más hermoso, imagen de ese “silencio sonoro”, lleno de misteriosos crujidos y susurros, que es característico de la naturaleza.

Cuando se creó Aida, Verdi estaba en el apogeo de su fama, sus óperas se representaban en todos los teatros desde San Petersburgo hasta El Cairo. Su estatua se colocó en el vestíbulo del teatro de la ópera; esto fue exigido por los habitantes de Milán. ¿Podría un chico del pueblo de Roncol soñar con algo así?

Y el propio Verdi no estaba satisfecho. Sí, sus óperas se representaban gustosamente en todos los teatros, pero ¡cuánto trabajo le costó vencer la rutina y la inercia de las figuras teatrales! Y lo más importante, luego todo volvió a ser como antes.

¿Y qué pasó con la propia Italia, por la unidad y la independencia por la que Verdi luchó con el arma de su música? Italia es uno. Parecería que todos los sueños de su juventud se hicieron realidad. Y el propio Verdi es senador en el parlamento. Pero ante la palabra "política" exclama horrorizado: "¡Sálvanos, Señor!" No es así como los demócratas revolucionarios de la década de 1840 retrataron a Italia. Ópera "Otello" de G. Verdi

Y hubo años de silencio. Y los amigos no podían creer: ¿Aida es realmente la última obra maestra? Después de todo, el compositor, a pesar de su edad, es bastante saludable y alegre. Y los amigos organizan una verdadera conspiración. Presentan a Verdi al joven dramaturgo y compositor Arrigo Boito. Y le muestra al compositor el guión que hizo basado en la tragedia Otelo de Shakespeare. Y el maestro de sesenta y ocho años, como en su juventud, se interesó por el trabajo, aunque al principio aseguró a todos, e incluso al libretista, que no escribía para el teatro, sino para sí mismo.

Y escribió una ópera, nada parecida a las anteriores, muy difícil para cantantes que no están acostumbrados a ser también actores dramáticos. La música revela no solo las situaciones y el texto del libreto, sino también el subtexto. La imagen de Iago es muy indicativa en este sentido. Aquí en el primer acto canta su "Mesa". Y parece que ante nosotros hay un tipo alegre, un tipo disoluto de buen carácter, que se regocija sinceramente junto con los soldados por la victoria de Otelo. El canto es interrumpido por exclamaciones, risas de borrachos, los soldados retoman discordantemente el coro. E inesperadamente motivos espinosos y burlones parpadean en la orquesta, haciéndote desconfiar: ¡esto no es muy divertido! Y son estas entonaciones espinosas y ásperas las que revelan la verdadera esencia de Iago: un villano egoísta, calumniador. Destruye a la crédula Desdémona, al valeroso e ingenioso Otelo. El mal triunfa. Pero antes de la muerte de Otelo, surge en la orquesta una melodía de maravillosa belleza, símbolo de un gran amor inmortal e inmaculado.

Uno de los colores de la bandera de la República Italiana es verde, verde, verdi... Una asombrosa providencia eligió a un hombre con un nombre consonante, Giuseppe Verdi, para convertirse en un símbolo de la unificación de Italia y en un compositor, sin el cual la la ópera nunca habría sido como la conocemos, por lo que los contemporáneos llamaron al maestro la voz de su país. Sus obras, que reflejan toda una época y se convierten en el pináculo no solo de la ópera italiana, sino de todo el mundo, siglos después son las más populares y las más representadas en los escenarios de los mejores teatros musicales. De la biografía de Verdi, aprenderá que el compositor tuvo un destino difícil, pero, superando todas las dificultades de la vida, dejó creaciones invaluables para las generaciones futuras.

Lea una breve biografía y muchos datos interesantes sobre el compositor en nuestra página.

Breve biografía de Verdi

Giuseppe Verdi nació el 10 de octubre de 1813 en una familia pobre de un posadero y un hilandero que vivían en el pueblo de Roncole, cerca de la ciudad de Busetto (ahora es la región de Emilia-Romaña). Desde los cinco años, el niño comienza a estudiar notación musical y toca el órgano en una iglesia local. Ya en 1823, el joven talento fue notado por un rico comerciante, y al mismo tiempo miembro de la Sociedad Filarmónica de Busetto, Antonio Barezzi, quien apoyaría al compositor hasta su muerte. Gracias a su ayuda, Giuseppe se mudó a Busetto para estudiar en el gimnasio y dos años más tarde comenzó a tomar lecciones de contrapunto. Verdi, de quince años, ya es autor de una sinfonía. Después de graduarse del gimnasio en 1830, el joven se instaló en la casa de su benefactor, donde le da lecciones de canto y piano a Margherita, hija de Barezzi. En 1836, la niña se convierte en su esposa.

Según la biografía de Verdi, un intento de ingresar al Conservatorio de Milán no tuvo éxito. Pero Giuseppe no puede volver a Busetto con la cabeza gacha. Tras una estancia en Milán, toma clases particulares con uno de los mejores profesores y director de la orquesta de La Scala, Vincenzo Lavigna. Gracias a una afortunada combinación de circunstancias, recibe un encargo de La Scala para su primera ópera. En los años siguientes nacen los hijos del compositor. Sin embargo, la felicidad es engañosa. Sin haber vivido ni un año y medio, mi hija muere. Verdi se muda a Milán con su familia. Esta ciudad estaba destinada a presenciar tanto la gran gloria del maestro como sus más amargas pérdidas. En 1839, un hijo pequeño murió repentinamente y, menos de un año después, también murió Margherita. Entonces, a la edad de veintiséis años, Verdi había perdido a toda su familia.

Durante casi dos años, Verdi apenas llegaba a fin de mes y quería dejar la música. Pero de nuevo intervino la casualidad, gracias a la cual nació Nabucco, cuyo estreno en 1842 alcanzó un éxito rotundo y el reconocimiento de toda Europa. Los años 40-50 fueron los más productivos en términos de creatividad: Verdi escribió 20 de sus 26 óperas. Desde 1847, Giuseppina Strepponi, la cantante que interpretó el papel de Abigail en el estreno de Nabucco, se convirtió en la actual esposa del compositor. Verdi la llamó cariñosamente Peppina, pero se casó con ella solo 12 años después. Giuseppina tenía un pasado cuestionable desde el punto de vista de la moralidad de la época y tres hijos de diferentes hombres. La pareja no tuvo hijos comunes y en 1867 adoptaron una sobrina pequeña.

Desde 1851, Verdi vive en Sant'Agata, su propia finca cerca de Busetto, dedicada a la agricultura y la cría de caballos. El compositor participó activamente en la vida política de su país: en 1860 se convirtió en diputado del primer parlamento italiano y en 1874, en senador en Roma. En 1899, se abrió en Milán una pensión para músicos mayores, construida a sus expensas. Verdi, que murió en Milán el 27 de enero de 1901, fue enterrado en la cripta de esta institución. Sobrevivió a su Peppina hasta 13 años... Su funeral se convirtió en una gran procesión, más de 200.000 personas acudieron a ver al compositor en su último viaje.

Datos interesantes sobre Giuseppe Verdi

• El principal oponente operístico de G. Verdi - ricardo wagner - nació con él en el mismo año, pero murió 18 años antes. Es de destacar que a lo largo de los años, Verdi escribió solo dos óperas: " Otelo " Y " falstaff ". Los compositores nunca se han conocido, pero hay muchas intersecciones en sus destinos. Uno de ellos es Venecia. Hubo estrenos en esta ciudad Traviata ” y “”, y Wagner murió en el Palazzo Vendramin Calergi. El libro de F. Werfel “Verdi. Novela de ópera.
• El pueblo natal del compositor ahora se llama oficialmente Roncole Verdi, el Conservatorio de Milán también lleva su nombre, en el que el músico no pudo ingresar.
• La quinta ópera del compositor, Ernani, le reportó a Verdi una tarifa récord, lo que le permitió pensar en comprar su propia propiedad.
• La reina Victoria de Gran Bretaña, después de asistir al estreno de "Robbers", escribió en su diario que la música era "ruidosa y banal".
• El maestro llamó acertadamente a Rigoletto una ópera a dúo, desprovista casi por completo de arias y finales corales tradicionales.
• Se cree que no todos los teatros de ópera pueden permitirse el lujo de poner en escena " Trovador " o " Baile de máscaras ”, ya que ambos requieren cuatro magníficas voces a la vez: soprano, mezzosoprano, tenor y barítono.
• Las estadísticas muestran que Verdi es el compositor de ópera más interpretado, y La Traviata es la ópera más interpretada del planeta.
• "Viva VERDI" es tanto un homenaje al compositor como un acrónimo de los partidarios de la unificación italiana, donde VERDI significaba: Vittorio Emanuele Re D'Italia (Victor Emmanuel - Rey de Italia).

• Hay dos " Don Carlos- Francés e italiano. Difieren no solo en el lenguaje del libreto, de hecho son dos versiones diferentes de la ópera. Entonces, ¿qué se considera el "genuino" "Don Carlos"? Es imposible responder a esta pregunta de manera unívoca, ya que incluso hay diferencias entre la versión presentada en el estreno en París y la interpretada en la segunda función dos días después. No hay una, sino al menos tres versiones italianas: la primera, creada para una producción en Nápoles en 1872, una versión en cuatro actos de 1884 para La Scala, una versión en cinco actos sin ballet en 1886 para una representación en Módena. . Las más famosas, interpretadas y publicadas en discos hoy en día son la versión francesa clásica y la versión italiana "milanesa".
• Desde 1913, el festival anual de ópera "Arena di Verona" se lleva a cabo en el antiguo anfiteatro romano de Verona. La primera actuación fue " aída” en honor al centenario de Verdi. En 2013, "Aida" también fue el centro del programa del festival de aniversario.

Creatividad Giuseppe Verdi

primera ópera, "Oberto, Conde de San Banifacho", fue aprobado para la puesta en escena de una actuación benéfica en La Scala. Su estreno fue un éxito y el teatro firmó un contrato con el autor en ciernes para tres óperas más. Pero el siguiente, King for a Day, fue un fiasco devastador. Esta obra le fue entregada a Verdi con una dificultad increíble. ¿Cómo escribir una ópera cómica después de enterrar a un hijo y una esposa? Todo el dolor experimentado por el compositor encontró su salida en la música de la dramática historia bíblica sobre Nabucodonosor. Verdi recibió el manuscrito del libreto de Temístocle Solera por casualidad al encontrarse en la calle con el empresario de La Scala. Y al principio quiso negarse, pero la trama lo cautivó tanto que la música "Nabuco" se convirtió en un gran evento. Y el coro de ella “Va, pensiero” se convirtió en el himno no oficial de Italia, que los italianos aún se saben de memoria.

Repetir el éxito de "Nabucco" fueron llamados "Lombardos en la Primera Cruzada", que La Scala presentó al público un año después. Y un año más tarde tuvo lugar el estreno de una ópera escrita por encargo de otro prestigioso e influyente teatro - para la veneciana La Fenice, Verdi creó "Ernani", que se convirtió en la primera obra conjunta del compositor y libretista Francesco Maria Piave, veneciano, con quien crearán siete obras más. "Ernani" habló a la audiencia en un lenguaje musical completamente diferente al de sus composiciones anteriores. Era una historia sobre personalidades y pasiones, expresada de manera tan vívida y auténtica que se la llama con razón la primera ópera verdaderamente "Verdi". Aquel en el que se formó el estilo de autor único de su creador. Este estilo fue consolidado por obras posteriores: "Dos Foscari" Y "Juana de arco".

El tercer teatro italiano más importante de aquellos años fue el napolitano San Carlo, para el que en 1845 Verdi escribió "Alzirú" Basado en la tragedia de Voltaire del mismo nombre. Fue una obra en colaboración con el famoso libretista Salvatore Cammarano. Sin embargo, la ópera se le dio duro y sin inspiración, estaba muy enfermo. Esta es probablemente la razón por la cual su vida en el escenario fue corta. Mucho tiempo después, el maestro la reconoce como quizás su creación más fracasada. La mejor acogida aguardaba al estreno en Venecia "Atila" en 1846, aunque su creación tampoco trajo satisfacción creativa al compositor. "Los años de mi encarcelamiento": así es como él mismo caracterizará el período de 43-46 años, cuando escribió 5 óperas.

De la biografía de Verdi, aprendemos que después de una breve recuperación, el compositor asume dos óperas a la vez: "Macbeth" por Florencia y "Ladrones" para el Covent Garden de Londres. Y, si trabaja con entusiasmo en el primero, entonces el segundo se convierte en otra carga. Siguiente aparecer "Corsario" Y "Batalla de Legnano", completando una serie de obras bravura-heroicas del maestro. "Luisa Miller", puesta en escena en 1849, se convirtió en una continuación del tema de Ernani, en el que los destinos y sentimientos humanos pasan a primer plano. La formación del verdadero estilo de Verdi se consolidó con su siguiente obra, "Stiffelio", y hasta el día de hoy poco conocido, completamente, sin embargo, inmerecidamente. Paralelamente, el compositor comienza a componer su primera obra maestra indudable, "".

Desde su estreno en Venecia en 1851, nunca ha dejado de representarse en teatros de todo el mundo. Verdi retomó la trama de la obra de Victor Hugo El propio rey se divierte, que fue retirada de los escenarios parisinos por los censores locales por la inmoralidad de la trama. La ópera casi corrió la misma suerte, pero Piave editó la trama y la interpretación salió al público, convirtiéndose casi en una revolución en el arte de la ópera: la orquesta ya no tocaba como un instrumento de acompañamiento, su sonido se volvió expresivo y complejo. "Rigoletto" cuenta toda una historia dramática, casi sin romper el esquema de la historia en arias separadas. La ópera abre la llamada "trilogía romántica", continuada por Il trovatore y La Traviata.

"Trovador", representada en Roma en 1853, se convirtió en una de las óperas más populares en vida de Verdi. Es un verdadero tesoro de melodías increíbles. Il trovatore también es interesante porque una de las partes principales fue escrita para mezzosoprano, una voz que normalmente tiene papeles secundarios. Posteriormente, el compositor creará toda una galería de magníficas heroínas para una voz baja femenina: Ulrika, Eboli, Amneris. Mientras tanto, la imaginación del maestro ya capturó la trama de la obra de teatro recientemente estrenada de Alexandre Dumas hijo, La dama de las camelias, una trágica historia de amor y sacrificio. Verdi trabajó arduamente en esta ópera y la música se escribió por completo en 40 días. "La Traviata"- esta es la adoración de una mujer, tal vez esta es la dedicación creativa de Verdi a su compañera Giuseppina Strepponi. Es difícil de imaginar, pero esta obra maestra absoluta fue un rotundo fracaso en el estreno en La Fenice. La audiencia se indignó porque la heroína de la ópera era una mujer caída, además, no de épocas lejanas, sino contemporáneas. Sin embargo, Verdi percibe este fiasco con más calma que antes: confía en su música, su genio protege completamente a su creador. Y el maestro vuelve a tener razón: solo pasará un año y, tras una pequeña revisión, La Traviata volverá triunfal a los escenarios venecianos.

El siguiente pedido viene de París, y en 1855 se monta el escenario de la Gran Ópera. "Vísperas sicilianas" basado en el libreto del famoso dramaturgo francés Eugene Scribe. Esta ópera también es significativa porque el compositor vuelve a hablar de la libertad de los esclavistas, de hecho, de la libertad de su Italia, en la que están madurando los estados de ánimo revolucionarios. Los años siguientes se dedican a crear "Simona Bocanegra", que le espera un destino difícil. Uno de los planes más ambiciosos del maestro, una de sus óperas más oscuras, una de las más significativas, no tuvo éxito de público tras la producción veneciana de 1857. La razón de esto fue probablemente una trama sombría y oscura con un enfoque en la línea política, personajes depresivos. Los críticos culparon al compositor por la música pesada, el manejo audaz de la armonía y el estilo vocal tosco. Pasarán más de veinte años y Verdi volverá a Boccanegra, reelaborándolo por completo. Esta nueva versión con libreto de Arrigo Boito sigue hoy en los cines.

Verdi recurre a la trama de Scribe la próxima vez. La elección recayó "Baile de máscaras"- la historia de la muerte del rey sueco Gustav III. La censura rechazó el libreto, ya que era impensable mostrar en escena el asesinato de una persona real por un marido engañado, y lo que sucedió tan recientemente (el hecho real ocurrió en 1792). Como resultado, el libreto tuvo que cambiarse: la acción se transfirió a Estados Unidos y el gobernador de Boston, Richard, fue víctima de los celos. El éxito después de la producción en Roma fue abrumador, la ópera se agotó rápidamente en "éxitos", que fueron cantados incluso por los transeúntes en la calle. En 1861, Verdi accede finalmente a otra oferta del Teatro Imperial de San Petersburgo y a finales del mismo año llega a la capital rusa para representar "Fuerzas del destino", cuyo estreno, por diversas razones, se retrasó hasta el 10 de noviembre de 1862. La ópera fue un éxito, sin embargo, en mayor medida por el nombre del compositor que por sus propios méritos. Sin embargo, a pesar de la trama enrevesada y la narrativa épica un tanto anticuada, La fuerza del destino se estableció como un éxito indudable en vida de Verdi.

Pasan varios años, que el compositor pasa en Sant'Agata para los asuntos rurales de rutina y la alteración de Macbeth. Recién en 1866 Verdi asumió una nueva obra, que se convertiría en la más larga y ambiciosa. La fuente principal es nuevamente una obra de Schiller, esta vez: "DonCarlos". El libreto está creado en francés, ya que su cliente es la Gran Ópera de París. Verdi trabaja durante mucho tiempo y con entusiasmo, pero el estreno es recibido con frialdad por parte del público y la crítica. París no apreció el estilo musical inusual de Don Carlos; la procesión triunfal de la ópera en los escenarios mundiales comenzó con la producción de Londres del mismo año, 1867.

En noviembre de 1870, el maestro completó la ópera encargada por el gobierno egipcio. "Aída" sale en El Cairo y solo unos meses después - en La Scala. El estreno italiano fue una victoria absoluta para el compositor, y lo considera un final apropiado para su carrera operística. En 1873 muere el escritor Alessandro Manzoni, admirado por Verdi. En memoria de él, así como de Rossini, a cuya muerte unos años antes el compositor creó parte de la misa fúnebre, Verdi escribe un Réquiem, dedicándolo a dos grandes contemporáneos.

Después de Aida, no fue fácil atraer a Verdi de vuelta al teatro. Solo una historia de Shakespeare podría hacer eso. "Otelo". Desde 1879, el maestro ha estado trabajando en una ópera basada en un libreto de Arrigo Boito, creando una de las partes de tenor más complejas del siglo XIX. En Otelo, la maestría de Verdi encuentra su plenitud, su música nunca ha estado tan inseparablemente unida a la base dramática. Seis años después, el compositor de ochenta años decide organizar una auténtica despedida de los escenarios componiendo una ópera cómica, la segunda de su biografía, a la que separaba casi medio siglo de la primera. La trama, nuevamente shakesperiana, fue propuesta por Boito. Verdi, que a lo largo de los años se ha ganado la reputación de ser un maestro dramático sin igual, también se afirma como un maestro de la comedia hacia el final de su carrera. La culminación de la obra del compositor fue la ópera "Falstaff" rebosante de una alegría de vivir que solo se encuentra en las mejores obras de arte.

La lista de películas donde suena la música de Verdi es interminable, hay más de mil, las más nuevas y populares:

• La la tierra (2016)
• 007: ESPECTRO (2015)
• Yo soy el principio (2014)
• Django desencadenado (2012)
• Madagascar 3 (2012)
• Crepúsculo (2008)

Detengámonos en varias adaptaciones interesantes de las óperas de Verdi:

• Sophia Loren interpretó a Aida en la película de 1953 del mismo nombre, Renata Tebaldi cantó para ella.
• En 1982, apareció la increíble película de Franco Zeffirelli "La Traviata" con Teresa Stratas y Plácido Domingo: hermosa, elegante, con personajes increíblemente confiables, sin pretensiones operísticas.
• La unión creativa de Domingo y Zeffirelli encontró una continuación en la obra cuatro años después en la adaptación cinematográfica de Otelo.
• Curiosa es la transformación de Domingo en la parte de barítono de Rigoletto en la película de 2010 Rigoletto en Mantua, rodada en interiores históricos.

Por el contrario, no hay tantas películas basadas en la biografía de Verdi. La más famosa de ellas es la miniserie italiana Verdi de 1982, en la que el actor británico Ronald Pickup interpretó el papel principal y la famosa bailarina Carla Fracci interpretó a Giuseppina Strepponi. Esta imagen da una mirada amplia a la personalidad de Verdi y los acontecimientos históricos de esa época, indisolublemente ligados no solo a la vida del compositor, sino también al destino de toda Europa. Renato Castellani creó un retrato cinematográfico tridimensional de Verdi, la película contiene las verdaderas palabras del maestro a partir de sus cartas y memorias de sus contemporáneos. Ronald Pickup transmitió con precisión la naturaleza explosiva, a menudo encapotada, pero sencilla y sincera del genio frenético.

La moda cambia, pasan las décadas y la música Verdi no solo no pierde popularidad, sino que también encuentra nuevos oyentes. ¿Cuál es su secreto? Que es atemporal y habla el lenguaje de los sentimientos humanos, comprensible para todos los que la escuchan, independientemente de su nación, religión o cultura. Ella ama y duda, simpatiza y consuela, ríe y se regocija con nosotros. Quizás fue gracias a un destino tan difícil que el compositor regaló a muchas generaciones la increíble felicidad de conocer su inmortal talento.

Vídeo: ver una película sobre Verdi

13 de octubre de 2013

Exposición de libros dedicada al 200 aniversario del nacimiento de Giuseppe Verdi

El 7 de octubre de 2013, se inauguró una exposición de libros dedicada al bicentenario del nacimiento de Giuseppe Verdi (1813-1901), un destacado compositor y director de orquesta italiano, en el departamento de artes de la Biblioteca Científica Universal Regional de Donetsk que lleva el nombre de N. K. Krupskaya .

Entre los genios musicales del mundo, un lugar destacado pertenece al gran compositor italiano Giuseppe Verdi, creador de muchas obras operísticas, y ahora nos emocionan con su orientación heroica, emotividad y melodías apasionadas.

La exposición presenta DVD brillantes y únicos: discos con grabaciones de video de las obras maestras de la ópera "Ernani", "Nabucco", "Aida", "Othello", "Il trovatore", "La Traviata", "Rigoletto" y "Falstaff" en moderno producciones en los escenarios de los teatros La Scala, Metropolitan Opera y la Ópera de Viena interpretadas por las estrellas de la ópera de nuestro tiempo. Todos los discos se pueden ver en la computadora del departamento.

La única monografía sobre Giuseppe Verdi en ruso, escrita por L. Solovtsov "Giuseppe Verdi" (M., 1986), presenta a los lectores la página creativa de la vida del maestro. El compositor puso todo el fuego de su corazón, el poder de la mente, la majestuosa sed de libertad en cada una de sus creaciones. No es de extrañar que los contemporáneos llamaran a Verdi "el maestro de la revolución italiana", "el maestro de la lucha".

El libro del proyecto "Compositores en la Plaza" "Verdi en la Plaza" (M., 2008) ofrece aforismos sobre la vida y obra de Giuseppe Verdi de personajes destacados de diferentes épocas.

Muchos compositores eligieron obras maestras de la literatura mundial como tramas para óperas. Las obras del gran dramaturgo inglés William Shakespeare resultaron ser una escuela de verdad realista. En las obras de Shakespeare, Verdi quedó cautivado por un profundo conocimiento de la vida y las personas. El compositor prefería a todos los autores modernos y antiguos a Shakespeare. La encarnación del compositor de las historias de Shakespeare, llena de ideas brillantes e imágenes didácticas, se menciona en el libro de G. Ordzhonikidze "Las óperas de Verdi basadas en las historias de Shakespeare" (Moscú, 1967).

Ópera italiana 1840-1890 Verdi estaba obligado a su florecimiento y reconocimiento mundial. Un análisis detallado de las mejores óperas del compositor entrelazadas con la biografía del artista se presenta en el libro de D. Tarozzi "Verdi" (M., 1984) de la famosa serie "La vida de personas notables".

Rigoletto (Moscú, 1990), edición de la serie Opera Libretto, considera la ópera como la primera obra de madurez del compositor, en la que se aleja de los temas heroicos y recurre a los conflictos generados por la desigualdad social. El protagonista de la ópera, Rigoletto, es considerado una de las imágenes más llamativas creadas por Verdi.

Este año marca exactamente 160 años desde la primera representación de La Traviata en Venecia. Esta es la primera ópera en la historia del teatro musical basada en un drama psicológico con una trama tomada de la vida moderna. La historia de la creación y el texto del libreto de la ópera están contenidos en las publicaciones de la serie "Libretas de ópera" "La Traviata" (Moscú, 1978).

El libro de L. Polyakova “Troubadour” de G. Verdi: Guide to Opera” (Moscú, 1980) introduce a los lectores en una de las obras del destacado dramaturgo musical italiano.

La última ópera del destacado maestro, que puso fin a su obra, es Falstaff. El eminente compositor alemán Richard Strauss dijo una vez que esta obra estaba destinada a convertirse en una de las más grandes obras maestras de todos los tiempos. Esta opinión la comparte T. Plokhotina, autora del artículo “El nacimiento de una obra maestra: el Falstaff de Verdi en cartas y reseñas críticas de contemporáneos” (“Musical Life”, 2011, No. 4, pp. 28-31).

La exposición también presenta colecciones de música de las obras más destacadas del compositor. La exposición permanecerá hasta el 21 de octubre.

Según la Biblioteca Científica Universal Regional de Donetsk que lleva el nombre de N. K. Krupskaya.

So-in-re-men-ni-ki pro-llamado Ver-di "ma-e-st-ro de Italian-Jan-sky re-vo-lu-tion". Ju-zep-pe Mad-zi-ni le escribió: “El hecho de que yo y Ga-ri-bal-di de-la-em en po-ti-ke, y nuestro amigo común Ales-san-d-ro Man-d-zo-ni de-la-et en poesía, luego tú de-la-e-te en música y todos, como podemos, servimos, presionamos on-ro-du. Y Ros-si-ni, y Ver-di siempre co-chi-nya-ya sea mu-zy-ku, ak-tu-al-nuyu y con-sonido-ch-ny a su tiempo-me-ni. Su pro-de-ve-de-niya estaría lleno de nosotros en-li-ti-che-con-kih al-lu-ziy, pero el censor-ra-ra no pudo-la-la de-lat, pero pub-li-ka no es-es-tov-st-in-va-la de vo-tor-ha. Al usar la ópera Ver-di “At-ti-la”, ver-te-si es especialmente-bo de mí-ti-si tal episodio: medio número -dets Ae-tsy go-vo-rit saber- me-no-thing-mu gun-nu: “¡Déjame-ser-de-p-on-d-le-cosechar All-len-naya - Italy-liya os-ta-no-xia para mí! y pub-li-ka con vo-o-du-she-in-le-ni-em cry-cha-la - "¡Ita-lia - para nosotros!" La ópera "Scrap-bard-tsy in the first kre-sto-vo-ho-de" se convirtió en un za-met-yav-le-ni-em en la vida cultural y ti-che-with-coy del país. Sobre todo ben-pero si se tiene en cuenta que fue el apo-gay Ri-sor-d-zhi-men-ese.

Ver-di no es cha-go-tel a op-re-de-len-ny hu-do-st-ven-ny on-right-in-le-ni-pits (re-a-liz-mu o ro -man-tiz-mu), no se conectó con su es-te-ti-coy, escribió sobre algo en ese estilo, ca-mos en este pe-riodo. Life in all many-o-o-ra-zii con-t-ra-stov and con-fl-to-tov - so-to-be-lo creative-che-with-some cre-to auto-to-ra. Ying-tu-i-tiv-no Ver-di cha-go-tel a la armonía del alma, viviendo en el camino del complejo shake-se-ny. Esperó que le gusta todo lo que es Pre-hermoso en art-kus-st-ve. Solo dijo que “un teatro aburrido es lo peor de todo posible” y se esforzó en si-b-ret-entonces sus óperas serían-si on-sy-shche-ny ost-ry-mi dra-ma-ti-che -s-ki-mi si-tu-a-qi-i-mi, en alguien-ryh estaría en-te-re-s-pero y en-enseñanza-tel-pero dis-techos-wa-lis-lo -ve-che-s-ha-ra-to-te-ry . Is-to-riya pro-de-mon-st-ri-ro-va-la his special in-te-res to re-a-liz-mu. Al mismo tiempo, ver-di no enajenó al mismo tiempo bro-sky af-fe-k-tov, an-ti-thez, manifestación de bur-no-go te-pe-ra-men- eso. Compárelo-no-wa-ya sea con Go-mer y Shek-spear, luego con Dan-te, Ser-van-te-som o con Mi-kel-an-d-zhe-lo ...

Ver-di (1813-1901) os-ta-vil 26 óperas, entre ellas “Na-buk-ko” y “Batalla en Len-ya-no”, “Er-na-ni” y “Mac-beth”, “ Lou-and-for Miller” (ópera de los años 40), “Re-go-let-to”, “Tra-vi-a-ta” y “Tru-ba-dur”, “Si-qi-liy -sky ve-black-nya”, “Si-mon Bok-ka-ne-gra” y “Bal-ma-s-ka-rad” (años 50), “Si-la destino” y “Don Car-los” (60s), "Ai-da" (70s), "Hotel-lo "(80s)," Fal-staff "(90s).

Nombrado pro-of-ve-de-niya yav-la-ut-sya sign-chi-tel-us-mi ve-ha-mi no solo en la creación-che-st-ve Ver-di, sino también en términos de la evolución del género operístico y de toda la historia de la música del siglo XIX.

Entre los muchos-chi-s-len-nyh dra-ma-tour-gov y pi-sa-te-lei, con alguien-ry-mi Ver-di came-ho-di-moose co- t-rud-no -chat o al creativo-th-st-vu de alguien, él haría-yang-pero haría-debería-ya sea que Shakespeare, Schiller y Gyu-go, y también lo es su cien-yan-nye-b-ret-ti-sta Padre Pia-ve y Ar-ri-go pelean contra algo. Conocían sus necesidades y pasiones. Sin embargo, si ras-sma-t-ri-vat el mu-zy-kal-ny cien-ro-bien de las óperas de Ver-di, entonces su estilo ha-ra-to-te-ri-zu-et-sya me-lo-di-i-mi shi-ro-ko-go dy-ha-niya en el espíritu de belkan algo, you-ra-zi-tel-no-stu me-lo-di-ki, psico-ho - lo-gi-che-s-ki right-di-you-mi si-tu-a-qi-i-mi, grand-di-oz-ny-mi ho-ro-you-mi car-ti-na - mi, a su manera, en el drama, on-by-mi-nav-shi-mi funciones de an-ti-ch-no-ho-ra.

Ver-di llegó a la vida musical de Europa como aficionado. Comenzó su de-I-tel-ness con un modesto erudito-nadie de los so-bor-no-go or-ga-ni-cien. Nació en una familia no bo-ha-that de vi-no-tor-gov-tsa en se-le Ron-ko-li, cerca de la ciudad de Bus-se-to bajo Par-mine (25 km. ), que está en el se-ve-re de Italia.

Desde joven, Ver-di se desempeñó como cuenta-de-la-casa en el ku-pe-che-con-compañía de An-to-nio Barets-tsi. En la casa de Ba-rets-qi, los mu-zy-kan-you-lu-bi-te-li eran co-bi-ra-li, y Ver-di los ayudó a vaporizar ra-zu-chi-wat. ty, pe-re-pi-sy-val pero-tú, enseñanza-st-in-shaft en re-pe-ti-qi-yah. Con os-no-va-mi mu-zy-kal-noy gra-mo-ya sabes-ko-nice young-shu y so-bor-ny organista Fer-di-nan-do Pro-ve- zi, pre-rek-shiy Ver-di reluciente futuro-du-sche en el campo de mu-zy-ki. Nombre-pero entonces-g-sí, comenzó a co-chi-nyat, pero también como aficionado. Para que Ver-di aspirante a ser niño pro-fess-si-o-nal-noe about-ra-zo-va-nie y pudiera desarrollar sus talentos, no-about-ho-di -podría enviarlo a mi- lan con-ser-va-to-riya. Money-gi so-bi-ra-li para todos los del año. Entonces Ver-di recibió un modesto estipendio de ze-m-la-kov y una subvención de Bar-rets-tsi. Pero en pri-e-me a él de-ka-para-si-no hubo pre-va-ri-tel-no-go pro-fes-si-o-nal-no-go ob-ra-zo- va-nia y Ver-di comenzaron a buscar re-pe-ti-to-ditch. Vin-chen-tso La-vi-nya (com-po-zi-tor en te-a-t-re La Ska-la) tomó medio hilo de pro-be-ly en ob-ra-zo -va-nii de el joven-shi, y además, le echó el diablo-por-pago-pero in-se-to-spe-to-ta-to-si. Sería la mejor escuela, como en Phil-lar-mo-nii. Pronto le enseñó a re-per-tu-ar on-and-to-mouth y outside-zap-pero Ver-di tuvo que-me-thread di-ri-zhe-ra on re-pe-ti-tion (y luego en el concierto) ora-to-rii “Co-creación del mundo” de Yo-ze-fa Hayd-na. Wasps-pan-ny on-mix-ka-mi pro-vin-tsi-al to the end of re-pe-ti-tsi sni-rocks ra-soul-ny ap-lo-dis-men-you and you- con el cuello de la comunidad Mi-la-na in-on-to-mi-moose con un nuevo nombre - Ju-zep-pe Ver-di. Ru-ko-vo-di-tel Fi-lar-mo-no-che-with-to-go sociedad P. Ma-zi-ni for-ka-hall Ver-di opera-ru - "Oberto, Count Bo- ni-fach-cho". Al regresar a mi beca Ver-di before-a-cien-I-lo de-ra-bo-tat. Me-s-to di-ri-zhe-ra en la ciudad com-mu-ne, comenzó a ru-ko-vo-dit o-ke-st-rom Fi-lar-mo -nii, mismo-nil -sya on my-be-my de-vush-ke - do-che-ri Ba-rets-tsi - Mar-ga-ri-te y se convirtió en el padre de Vir-d-zhi-nii e Ichi-lio. Ver-di co-chi-nyal coros y pe-s-ni, marchas y bailes, pero mucha fuerza for-ni-ma-la ra-bo-ta sobre la ópera. Pe-re-teniendo con siete en Mi-lan, Ver-di en 1839 comenzó a ir a girar en un cien-nuevo-ku bajo el apoyo de Ma-zi-ni. Pre-mier-ra co-sto-I-las 17 pero-I-b-rya y had-la us-peh - la opera-ru se empezó a poner en Mi-la-ne y Tu-ri-ne, Gen-nue y Ne-apo-le. Pero en la familia de Ver-di tsa-ri-la, no solo alegría e in-o-du-she-in-le-tion de acuerdo con la forma de-ka-za en ko-me-diyu “King-role por una hora” (“I-my-my Sta-ni-s-love”), pero también go-re - uno tras otro Ver-di perdió el mismo pozo, hija e hijo. En tal si-tu-a-ción, tuvo que co-chi-nyat ko-mi-che-con opera-ru, la suerte de alguien enjambre se convirtió en un fracaso. Oper-ru os-vi-sta-li y com-po-zi-to-ra slo-mi-la de-p-res-siya.

Deambuló por Mi-la-nu, no pudo co-chi-tomar y trabajar, pero en te-a-t-re es duro-pero no mientas-chi-si b-ret-to para la nueva ópera Na- vu-ho-do-no-sor a Na-buk-ko). Ma-lo-po-ma-lu la trama cautivó al joven com-po-zi-to-ra y él, no queriendo eso mismo, se vio envuelto en ra-bo-tu. En otoño de 1841, par-ti-tu-ra sería-la for-con-che-na, y pre-mier-ra era-sto-i-las el próximo año 9 de marzo el que contó con la participación de los mejores cantantes de La Scala.

película-ópera "Nabucco" puesta en escena en 2007 por la Arena da Verona-http://youtu.be/Xz6GBsJltxE

o producción alemana con rusa. subtitulado 2001http://youtu.be/KjFFzL16rlk

Pub-li-ka ru-ko-ple-ska-la de pie - bur-pero, vo-tor-mujeres-pero, palabra-pero no como-no-la pro-va-la en el pasado. Durante 9 meses, opera-ru está-en-l-ni-li 65 veces y este rezul-tat estaría fuera de sen en el libro de re-kor-dov Gin-ne-sa, es- sería ella -g-sí-la. At-chi-noy us-pe-ha no era tanto una trama bíblica, sino el talento de li-b-ret-ti-hundred A. So-le-ry y hábil pro- lectura de si-b-ret-algo -on-zi-to-ron en pa-t-ri-o-ti-che-with-com du-he time-me-no. Ver-di osov-re-me-nil eventos bíblicos en el mismo espíritu que es de-la-li zhi-vo-escribas de la escuela florentina ly 15 siglo. Desde 1843, Italia tiene el sueño-ta-la de tener su propio himno na-qi-o-nal, un coro de presos de "Na-buk-ko"

coro de esclavos de "Nabucco" - extracto de la óperahttp://youtu.be/2F4G5H_TTvU o un concierto del Lund Choir Festival -http://youtu.be/kwyp0-PtRzc

Y el dream-ta-et sobre eso hasta ahora, hasta-wol-st-vu-is-ka "Mam-el-oh" Ju-zep-pe Ga-ri-bal-di.

Ver-di se convirtió en miembro del círculo de pa-t-ri-o-tov, la familia Maf-fei. Con Cla-ri-noy, él re-re-pi-sy-val-sya hasta su muerte, y con su esposo, re-re-vo-dchi-com An-d-rea otro- vivió y en su verso- chi co-chi-nil dos ro-man-sa. Vpo-s-ice-st-vie A. Maf-fei na-pi-sal para Ver-di li-b-ret-that según “Raz-boy-no-kam” de Shil-le-ra.

Cuarta de su ópera “Scrap-bard-tsy in the first krest-to-vo-ho-de” Ver-di co-chi-nyal en li-b-ret-to ry en e-me Tom-ma-zo Gras -si "G-zel-da". En os-no-woo, po-e-we would-la-lo-mismo-en ob-ra-bot-ka uno de los desamorosos “Os-in-bo-zh-den-no-go Ie- ru-sa-li-ma "Tor-qua-to Tas-so. In-do-but-mu, como bajo el cautiverio-us-mi iu-de-ya-mi en Wa-vi-lo-ne de "Na-buk-ko" no-ma-lis co-in-re- men-ny Italian-yan-tsy, y en el "Lom-bard-tsakh" debajo de cru-sto-nose-tsa-mi estaban en forma de car-bo-na-rii. Esta es una ópera ob-slo-vi-lo grand-di-oz-ny us-peh en todo el país, aunque la av-st-riy-sky price-zu-ra y chi-ni-la en -sta -ahora-kah no-ma-lo no-pri-yat-no-stey So-le-re y Ver-di. Pre-mier-ra co-sto-I-lased el 11 de febrero de 1843, 1843, sí, y over-ver-shi-las in-li-ti-che-with-coy de-mon-st-ra-qi -ey, en alguien-ruyu mi-lan-tsev in-o-du-she-vi-li para-zhi-ga-tel-nye arias de la ópera per-with-on-zhey, y especialmente-ben -pero para-key-chi-tel-ny coro de kre-hundred-nos-tsev - un llamado a luchar por la libertad. Tri-umf en un cien-no-wok "Scrap-bard-tsev" to-ka-til-sya, incluso a Rusia. El nombre de Ver-di for-sounds-cha-lo en toda Italia, for-ka-zy recibió todos los principales te-a-t-ry, para elegir.

Close-zhay-shim co-t-rud-no-comm Ver-di from-we-do not convertimos-pero-ve-ve-not-qi-an-sky si-b-ret-tist Fran-che-s -ko Pya-ve. Le contó a alguien-en-zi-to-ru la idea de escribir una ópera sobre la trama del drama "Er-na-ni", que tuvo éxito en Pa-ri-same en 1830. Ro-man-ti-che-s-kay vz-l-no-vanity and free-bo-to-any-bee Vi-to-ra Gyu-go not os-ta-vi-li Ver- di equal-but -soul-nym, y durante varios meses, él co-chi-nil en un aliento-ha-nii su "Er-na-ni" (9 de marzo de 1844 -sí para ve-not-qi-an-sko-go “La fe-ni-che”). Bla-go-rod-ny mirada del héroe go-no-mo-go na-po-mi-nal sobre from-g-nan-nyh del país pa-t-ri-o-tah, y en ho- re for-go-vor-shi-kov escuchó una llamada a co-pro-ti-in-le-nii, pro-sla-in-le-do-le-sti y de -wa-gi. No-ude-vi-tel-pero que esta ópera también se convirtió en-la with-chi-noy in-li-ti-che-with-you-stu-p-le-ny Italian-yan-tsev about -tiv av-st-riy-sko-go pro-te-to-to-ra-ta.

grabacion de opera 2010 -http://youtu.be/gcInGVq_ERw

En esos años, Ver-di desarrolló un tormentoso creativo-che-con-kuyu de-I-tel-ness: pre-mier-ra seguido-a-va-la por pre-mier enjambre. En el te-a-t-re romano “Ar-d-zhen-ti-na” co-sto-I-la-sta-new-ka de su ópera six-s-that - “Two Fo- s-ka-ri ”(3 de noviembre de 1844) basado en la tradición de Bai-ro-na. Para-la-s-le-do-va-la "Jo-van-na D* Ar-co" según "Or-le-an-skay de-ve" Shil-le-ra con li-b-ret - algo So-le-ry (Mi-lan, 15 de febrero-ra-la, 1845) con participación en el principal ro-li Er-mi-nii Fred-zo-li-ni. Not-apol on-sla-w-fue dado por la ópera Al-zi-ra basada en la tragedia de Vol-te-ra (el éxito de su eye-hall fue brevemente -nym). No esperes-dado-pero Ver-di ob-ra-til-sya al tra-ge-dia ma-lo-from-ve-st-no-go not-mets-ko-go dra-ma- tur-ha Tsa-ha-ri-a-sa Ver-ne-ra "At-ti-la - el papel de los gun-novs" y pre-mier-ra de la novena ópera Ver-di "At-ti- la" co-sto-I-lassed en “La Fe-ni-che” con una tormenta de vo-tor-gov y pa-t-ri-o-ti-che-with-kim rise-e-mom sa- mih es -po-l-ni-te-lei (17 de marzo de 1846).

grabación de la ópera "Attila" dirigida por Riccardo Muti -http://youtu.be/16rITL6x3Kg

Pero el de 34 años de edad, no-go-Ver-di tendría-la-a-ve-d-dream-ta - use-use-ho-al menos una trama Shek-spi-ra, alguien-ro th Dios creó, para la ópera co-chi-non-niya. El caso de pre-sta-vil-sya -el 10º enjambre de ópera se convirtió en "Mac-beth" y su pre-mier-ra estaba en el city-ro-de, a quien Ver-di amaba mucho- en Florencia (marzo 14, 1847). En-l-en el us-pe-ha to-ka-ti-estado en Ve-ne-tion y no-esperar-dado-pero ver-allí-allí-el-poderoso ho-rum bajo-hwa- ti-li slo -va one-but-go de per-so-na-zhey: "Ro-di-well, pre-da-li ..."

En el verano de 1847, en Lon-do-not-so-sto-I-era pre-mier-ra "Raz-boy-n-kov" a lo largo de Shil-le-ru y Ver-di por primera vez que montaste en el extranjero. Vivió en Lon-do-ne y Pa-ri-zhe, quien-sí-stu-bebió 1848 - Ev-ro-pu vsko-lyh-bueno-ya sea de cualquier lugar no bar-hut-nye -in-lu- ción e Italia - revuelta pa-lerm-skoe en Si-qi-lii. "Kor-sar" a lo largo de Bai-ro-nu pasó casi no para mí-chen-nym, en contraste con "Battle-you at Laziness-ya-no" y "Si-mo - on Bok-ka-neg- ry

Grabación de 1978 del Teatro Nacional de Francia - "Simon Boccanegra"

La batalla en Laziness-I-but resucitar-sha-la en el pa-my-ti-co-ser-yes-le-ko-past-italia: raz-thunder scrap-bard-tsa-mi del ejército alemán Vie -d-ri-ha Bar-ba-ros-sy en 1176. Ri-m-la-not, pro-voz-g-la-siv-shie en febrero de 1849 -ru "Battle-you at Laziness-I-but" con banderas na-qi-o-nal-us-mi. Y Ver-di ya era ir-a-vil para Ne-apo-la "Co-var-st-vo and love" según Shil-le-ru, luego llamando a la ópera "Lu-i- para Miller". Li-b-ret-it would-lo-on-right-in-le-but contra las co-palabras-pero-no-raven-st-va y de-s-po-tiz-ma. Opera-ra-lu-chi-las no hero-and-che-with-coy, pero li-ri-ko-be-that-howl, y per-so-na-m-would-ya sea que no sean héroes, sino simples gente.

Mientras tanto, nosotros Ver-di segundo-ri-h-pero lo mismo-nil-sya y ku-bebimos bajo Bus-se-la finca "Sant-Aga-ta", volviendo a conducir allí en na-cha-le 1850. Al mismo tiempo, siguió conduciendo por Ev-ro-pe, pero hasta el final de su vida vivió en la finca, a excepción de winter-we, ko-g-da Kur-si -ro-val entre Ge- nu-she y Mi-la-nom. Él co-chi-nil "Stif-fe-lio", pero se-re-di-para un centenario era-la de-mi-che-na en su trabajo-che-st-ve tres-a-doi las óperas más brillantes: "Ri-go-let-to", "Tru-ba-dur" (Tro-va-to-re) y "Tra-vi-a-ta". Los co-z-dio uno tras otro durante pro-s-s-lu-th-ra años.

Li-te-ra-tour-nym is-to-h-no-one para "Ri-go-let-to" sirve como drama. Gyu-go "Ko-role for-ba-in-la-et-sya", pre-cien-en-len-naya en Pa-ri-same en no-I-b-re 1832 y allí mismo eliminado de re-per -to-a-ra según la raza-del-mismo-nio de la derecha-vi-tel-st-va para os-korb-le-nie Franc-ci-ska Per-vo-go - uno de las ve-st-razes del co-ro-lei de Francia en el siglo XVI. Ver-di hizo not-much-me-nil si-tu-a-tion y dei-st-vu-y-face en li-b-ret, no fue el papel del rey, sino Ger- tsog, cuya canción "El corazón de la belleza-sa-vi-tsy es propenso a cambiar" dio la vuelta al mundo. Oper-ru Ver-di co-chi-nil en 40 días para-ka-zu "La Fe-ni-che" (11 de marzo de 1851). La canción final-sen-ku public-li-ka for-by-m-ni-la de inmediato, ella pro-from-ve-la fu-ror.

Producción de Dresde de "Rigoletto" 2008 con una historia de Belza y Rus. subtitulado -

En Ri-me, to "Ri-go-let-that" se convirtió en-la-di-army-sya cen-zu-ra, y además de eso, did-b-ret-tist die "Tru-ba-doo-ra ” - Kam-ma-ra-no, y go-rya-cho love-be-may madre com-po-zi-to-ra. Pasaron dos años antes de que Tru-ba-dur viera la luz de la rampa-pa. 14 de diciembre de 1852 Ver-di na-pi-sal a Roma: “Completamente terminado: todo está pero ustedes están en el me-s-aquellos y estoy hasta-len , me gustaría, para que ri-m -la-no sería libre!” Pre-mier-ra sería-la-na-zna-che-na el 19 de enero de 1853, pero en la mañana el Tiber raz-bu-she-val-sya y salió del be-re -gov, ed- va no co-r-vav el primer sp-k-takl.

grabación de una ópera con Pavarotti -http://youtu.be/dMJGM5cHIxE

Y en marzo, we-ne-qi-an-tsy ya se convirtió en vi-li uni-kal-nuyu psico-ho-lo-gi-che-s-opera de la vida de co-in-re -men-ni -kov - “Tra-vi-a-tú”.Para ese momento, sería nuevo, y esos-t-ra-ly no recibieron opera-ru - se esperaba que fallara, y sí, mi -ro-vaya from-ve-st-ness Ver-di es no un spa-con-la spe-k-takl. Un año después, una opera-ru in-sta-vil otra ve-not-qi-an-sky te-atr - “San Be-not-det-to” y luego-g-sí pub-li-ka her " ras-pro-bo-wa-la". El mercado de libros-zh-ny ya estaba en el agua-nen co-de-vet-st-woo-yu-schey hu-to-st-ven-noy-te-ra-tu-roy, vku -sy so- madurar, la trama de una manera y evaluarla.

grabación de la ópera con subtítulos en ruso interpretada por Anna Netrebko del Festival de Salburg en 2005 -http://youtu.be/M57PfVGRR78

El propio Ver-di preguntó cuál de sus óperas le gustaba más que nada, respondió que como pro-profesional, se convirtió -vit sobre todo en "Ri-go-let-that", pero como lu-bi-tel antes- po-chi-ta-et “Tra-vi-a-tu”.

En las décadas de 1850 y 1860, las óperas de Verdi se representaron en todos los escenarios europeos. Para Peter-burg-g, él co-chi-nya-et "Si-lu destino", para Pa-ri-zh - "Si-qi-li-sky night-black-nu" (después daré pa- lerm-s-th-recovery, pero con amor tre-u-go-l-no-one), para Not-apo-la “Bal-ma-s-ka-rad”.

grabación de audio de "Las fuerzas del destino" 1957 -http://youtu.be/RoB86Ug0XkI

"Don Car-los" también fue aceptado por el re-tor-mujeres-pero-fue co-chi-nen en sub-lin-no roman-ti-che-with-com du-he, with te-my sa-mo-po-zher-t-in-va-nia, ras-su-zh-de-ni-i-mi sobre eso hay amistad y ka-ko-va su valor.

grabación de la ópera de 1992 de La Scala (Milán) con la participación de Luciano Pavarotti

Pre-lo-same-nie on-pi-sat opera-ru from egy-pet-s-th-great-vi-tel-st-va udi-vi-lo Ver-di. Pero Ev-ro-pa ya iba a la inauguración del Su-etz-ko-go ka-na-la, y us-pe-hi egy-p-to-lo-gov de Francia y An-g-lii sería oshe-lo-mi-tel-ny-mi. Ver-di era da-lek de ar-he-o-logia, aunque uno de tus-f-her-shih en-great-in-le-ni en el italiano-Jan-li-te-ra-tu-re era ar-he-o-lo-gi-che-s-cue (es-to-ri-che-s-cue) ro-man. Después de unos meses, Ver-di pro-people organizó una ópera pre-la-ga-e-my: sería "Ai-da" en syu -zhet de la vida antigua de este país. El autor de li-b-ret-it fue pro-sla-in-len-ny egy-p-to-log Auguste Ma-ri-ette.

Marcha triunfal de "Aida" del Festival Coral 2010 en Lund -http://youtu.be/ns_xsduwI-E

No-espera-dado-pero Ver-di for-hwa-ti-lo in-ve-st-in-va-nie y él tomó por pedido, ho-tya en un cien-nuevo-ku de-lo -zhi-ya sea por la guerra franco-prusiana-na-cha-la de la década de 1870. Pero en la primavera de 1872, “Ai-yes” comenzó a convertirse en-la-sta-twist en toda Europa, e incluso esos mu-zy-can-you, alguien de pero-si-lied a Ver-di con pre -du-be-g-de-ni-em, reconocido-si no-con-m-n-no-noe a-con-que-en-st-in it como dra-ma-tur-ga y com-po- zi-a-ra. Amer-ri-ka y Rusia se convirtieron en-wee-li "Ai-du", y Tchaikovsky llamó Ver-di ge-ni-em.

grabación de una ópera de San Francisco con la participación de L. Pavarotti -http://youtu.be/b8rsOzPzYr8

En mayo de 1873, Ver-di se enteró de la muerte de pi-sa-te-la-pa-t-ri-o-ta, de 88 años, Ales-san-d-ro Man-d -zo-ni y como en señal de respeto en los años-schi-not, co-chi-nil su famoso “Re-to-we-em”, pro-sound por primera vez el 22 de mayo de 1874, en el mi-lan-sky so-bo-re de San Marcos. La armonía de la forma, es it-fo-no-che-with-some ma-s-ter-st-in, you-ra-zi-tel-ness me-lo-di-ki y frescura gar-mo- nii y or-ke-st-dov-ki en-cien-vi-si se trata de-de-ve-de-nie ma-e-st-ro en una fila de los más significativos-chi-tel- nyh pro -de-ve-de-ny en la región de la música espiritual.

Co-z-da-nie edi-no-go ital-yan-sko-go-su-dar-st-va no op-rav-yes-lo on-hope pa-t-ri-o-tov. Ver-di también era ra-z-o-cha-ro-van. También su rincón-no-ta-lo ciego pre-clo-non-nie antes de Vag-ne-rum - ev-ro-pei-skim ku-mi-rum 2º en-lo-vin-na siglo XIX. Ver-di apreció su trabajo creativo, creyendo al mismo tiempo que el vag-non-rism no es el estilo italiano-Yan-sky. Ogor-cha-lo com-po-zi-to-ra y pre-not-b-re-same-nie on-qi-o-nal-noy class-si-koy. A la edad de 75 años, Ver-di na-chi-na-et co-chi-nyat una nueva ópera basada en la trama de la obra Shek-spi-ra "Hotel-lo". Con sha-sa-u-psi-ho-lo-gi-che-con-a-con-la-fidelidad, volvió a dar amor y pasión por in-t-ri-gan-s-t-vu, esos-mu ver-no-sti y co-var-st-va spod-vi-zh-no-kov. En "Hotel-lo" había-lo-one-not-but todo lo que pude crear new-in-go en la música de Verdi durante toda mi vida. El mundo m-zy-kal-ny fue sacudido. Pero "Hotel-lo" no se convirtió en un le-be-di-noy pe-con-ella Ver-di -cuando-sí ya tenía 80 años, co-chi-nil su obra maestra -ko-mi-che -con-kuyu ópera “Fal-staf” basada en “Wind-zor-sky pro-kaz-ni-tsam” Shek-spi-ra. Este pro-de-ve-de-nie inmediatamente lo-sabría-pero nai-you-with-shim to-with-the-mismo-no-em world-ro-in-go opera-but-go te- a-t-ra. Y el com-po-zi-tor por mucho tiempo se extinguió, de manera que su nombre ya olía a la época de mu-miy. Deseaba ver el amanecer del nuevo siglo XX y después de que el pa-ra-li-cha muriera en el hotel Mi-lan el 27 de enero -va-rya en 1901, a los 88 años de vida. Italia ob-i-vi-la on-qi-o-nal-ny tra-ur. Pero Ver-di ya podría llamar a su-im-antes-con-ese-pre-em-nadie Ja-ko-mo Puch-chi-ni, cuyo talento der-hall discute con wag-not-ritch-skim. ..

LA EVOLUCIÓN DE LA CREATIVIDAD DE VERDI DEL ROMANTICISMO AL REALISMO EN LOS CUARENTA AÑOS . Las óperas de Verdi de los años 40 suelen denominarse obras maduras y se definen como heroico-patrióticas. De las quince obras de los años 40, sólo tres pueden considerarse plenamente heroico-patrióticas:"Juana de arco" , "Atila" , "Batalla de Legnano" . En cierta medida, incluyen"Nabuco" Y"lombardos" , pero en estas óperas, las ideas patrióticas no ocupan la única posición dominante. Las diez obras restantes están lejos de ser temas estrictamente nacionales. Ya en la primera opera"Oberto" Verdi se declaró a sí mismo a plena voz. El libreto, escrito por Piazza y refinado por Solera, estaba lejos de ser tan malo como a veces se presenta, pero, lo más importante, se adaptaba al talento dramático de Verdi, uno de cuyos requisitos era la presencia de situaciones escénicas vívidas. Las imágenes principales de esta primera ópera se desarrollarán más adelante en "Rigoletto": el desafortunado Conde Oberto, que murió por el honor de su hija, el Conde Scaligero, quien sedujo a la niña. El dúo de Oberto y Leonora, donde el padre, angustiado por el dolor, amenaza al joven conde con una terrible venganza, anticipa una escena similar de Rigoletto. Fracaso de la segunda ópera"Stanislav imaginario" , cuya composición coincidió con un período trágico en la vida del compositor, predeterminó durante mucho tiempo la ausencia del género cómico en su obra. Prueba de la madurez creativa del compositor fue su tercera ópera."Nabucodonosor" (Nabuco). Tomando la batuta del Moisés de Rossini, Verdi dirigió la ópera italiana en una nueva dirección. Los cuatro actos de la ópera revelan las etapas del desarrollo moral de Nabucodonosor, cuyas tropas capturaron a los judíos. La ópera dio un paso importante hacia la profundización psicológica del personaje. Un buen ejemplo de esto es la escena de Nabucodonosor en el calabozo. En la orquesta, los temas caracterizan el estado de ánimo del rey cautivo, que recuerdan las principales etapas de su viaje desde el momento de su entrada solemne en Jerusalén a los sonidos de una marcha militar hasta el momento de su caída y locura. El uso de temas-reminiscencias en escenas dramáticas se desarrollará ampliamente en óperas posteriores, y en una serie de obras dará lugar al uso de leitmotivs, como en la ópera Los dos Foscari. Los motivos religioso-cristianos son muy fuertes en la ópera. Solo una apelación al dios verdadero ayuda al rey a recuperar su mente y recuperar el poder. Nabucodonosor destruye el ídolo de Baal y libera a los judíos. El monumental coro de asirios y judíos al final de la ópera alaba el poder de Dios. La pareja de personajes femeninos esbozados en Oberto adquiere aquí un nuevo significado. El choque conflictivo de las dos hijas del rey, que aman al mismo héroe, encontrará su continuación en "Aida". En la cuarta ópera -"lombardos" en mayor medida, se enfatizan no solo las ideas heroico-patrióticas, sino también las cristianas y el motivo de la redención por la muerte, muy cercano a ellas. EN"Ernani" Verdi se encuentra por primera vez con el tipo de drama romántico, cuyas disposiciones principales fueron formuladas por Victor Hugo en el prefacio del drama "Cromwell". En el drama de Hugo, el compositor se sintió atraído por personajes humanos fuertes, pasiones genuinas. En "Ernani" el compositor identificó claramente los tipos de imágenes que luego se encuentran en una serie de óperas. El protagonista (tenor) -un exiliado, un ladrón o un pirata- encontrará su continuación en "Robbers", "Alzira", "Corsair" e "Il trovatore". La heroína (soprano) está enamorada de una valiente joven ladrona (más tarde Amelia, Medora, Leonora). Rival (barítono), un aristócrata dominante, aparecerá en "Alzira", "Robbers", "Battle of Legnano", "Troubadour". A partir de Hernani, Verdi escribe una introducción a la ópera, en la que expone los temas clave que suenan en los momentos más importantes del drama. En "Ernani" se formaron los rasgos tipológicos de la tragedia romántica, que se desarrollarán en óperas similares creadas más adelante. Ópera"Dos Foscari" , basada en la tragedia de Byron, abre una línea de óperas psicológicas sin relación amorosa. Sin embargo, esta es una de las óperas más líricas y melódicamente perfectas de Verdi. Aquí el compositor utilizó por primera vez leitmotivs. Esta circunstancia (la ópera fue escrita en 1844) cambia la idea de que, utilizando leitmotiv en sus obras posteriores, el compositor sucumbió a la influencia de Wagner. Con su profundidad psicológica, tragedia real y sobre todo las tramas principales, "Los dos Foscari" anticipa la ópera "Simon Boccanegra", representada 13 años después."Juana de arco" Y"Atila" - dos óperas heroico-patrióticas - resultó ser muy desigual. Esto es especialmente cierto en el primero, que fue facilitado en gran medida por un libreto extremadamente fallido, que no contiene un solo personaje real. Y, aunque las escenas individuales fueron buenas, por ejemplo, la escena de la muerte de Jeanne, que sirvió de prototipo para la escena de la muerte de Arrigo de la hermosa ópera patriótica "La batalla de Legnano", todo resultó mucho peor. . La ópera "Attila", también una obra bastante desigual, sin embargo contenía una serie de lugares que impresionan con el poder del impacto emocional. La escena en la que el líder de los hunos recuerda un terrible sueño, en el que lo persiguen pensamientos de retribución, anticipa directamente las pesadillas de Macbeth. Durante la fiesta, Atila de repente tiene una visión de un anciano, amenazándolo de muerte (una situación similar ocurre en la escena de la fiesta de Macbeth, en el momento en que aparece la sombra de Banquo). "La Batalla de Legnano" se eleva entre las óperas heroico-patrióticas. Si en "Juana de Arco" y en "Atila" la diferencia en la calidad de la música que suena en situaciones heroicas estereotipadas y en episodios imbuidos de verdadera pasión fue a veces muy grande, entonces en "Batalla", en gran parte debido a un libreto exitoso, Este problema La "Batalla de Legnano" está directamente relacionada con las "Vísperas sicilianas" creadas muchos años después, la ópera favorita de Verdi."Macbeth" - una de las cumbres de la obra del compositor. Pasarán unos cuarenta años antes de que Verdi vuelva a crear una ópera basada en la trama de Shakespeare. La ausencia de una historia de amor aparentemente atractiva permitió al compositor de "Macbeth" revelar más profundamente otros secretos del alma humana, revelar lo negativo y hacerlo dominante en las acciones de los personajes principales. La ópera está llena de pasión dramática, pero esta pasión es una sed de poder y dominio que no se detiene ante nada. En las óperas escritas antes de Macbeth, hay muchas características psicológicas profundas, pero aún no se ha encontrado lo demoníaco pronunciado, como principio fundamental de todo lo que sucede. Macbeth es una de las imágenes más interesantes de Verdi. Es débil, psicológicamente inestable, fuerte solo mientras siente el apoyo de fuerzas de otro mundo detrás de él. El desarrollo de personajes inusuales para la ópera italiana condujo a la expansión de los medios vocales y orquestales. La escritura vocal se vuelve más flexible y variada. La dramaturgia tímbrica adquiere un sonido cualitativamente nuevo. Ópera"Ladrones" , que apareció simultáneamente con "Macbeth", aunque pertenece a una variedad diferente del género, es estilísticamente cercano a él. "Ladrones", desarrollando los principios de "Ernani", llevan directamente a"Trovador" , no muy inferior a esta famosa ópera. Habiendo rendido homenaje a los temas religiosos y cristianos, tragedias románticas con un triángulo amoroso, comprendiendo las profundidades sombrías del alma humana, glorificando a su Italia natal, Verdi se alejó de estos caminos."Luisa Miller" , "Stiffelio" lejos de impresionantes cuadros del asedio de Jerusalén, las mazmorras del Consejo de los Diez, brujas y fantasmas. Ni siquiera hay piratas y ladrones en ellos. Casi por primera vez, Verdi abandona deliberadamente la decoración exterior en favor de una simple tragedia burguesa. En "Louise" y "Stiffelio" se forman las características de la ópera lírica, anticipando en muchos aspectos

Verdi es un clásico de la cultura musical italiana, uno de los compositores más importantes del siglo XIX. Su música se caracteriza por una chispa de alto patetismo civil que no se desvanece con el tiempo, inconfundible precisión en la plasmación de los más complejos procesos que ocurren en lo más profundo del alma humana, nobleza, belleza e inagotable melodía. Compositor peruano posee 26 óperas, obras espirituales e instrumentales, romances. La parte más significativa del patrimonio creativo de Verdi son las óperas, muchas de las cuales (" Rigoletto», « la traviata», « aída», « Otelo”) se han escuchado desde los escenarios de los teatros de ópera de todo el mundo durante más de cien años. Obras de otros géneros, a excepción de las inspiracionales. Réquiem, son prácticamente desconocidos, los manuscritos de la mayoría de ellos se han perdido.

Verdi - lo mejor en la tienda en línea OZON.ru

Verdi, a diferencia de muchos músicos del siglo XIX, no proclamó sus principios creativos en programas de discursos en la prensa, no asoció su trabajo con la aprobación de la estética de una dirección artística particular. Sin embargo, su camino creativo largo, difícil, no siempre impetuoso y coronado de victorias se dirigió hacia un objetivo profundamente sufrido y consciente: el logro del realismo musical en una representación de ópera. La vida en toda su variedad de conflictos es el tema principal de la obra del compositor. El rango de su encarnación fue inusualmente amplio, desde conflictos sociales hasta la confrontación de sentimientos en el alma de una persona. Al mismo tiempo, el arte de Verdi conlleva un sentido de especial belleza y armonía. “Me gusta todo lo que es hermoso en el arte”, dijo el compositor. Su propia música también se convirtió en un ejemplo de arte hermoso, sincero e inspirado.

Claramente consciente de sus tareas creativas, Verdi fue incansable en la búsqueda de las formas más perfectas de plasmación de sus ideas, extremadamente exigente consigo mismo, con los libretistas y los intérpretes. A menudo, él mismo eligió la base literaria para el libreto, discutió en detalle con los libretistas todo el proceso de su creación. La colaboración más fructífera conectó al compositor con libretistas como T. Solera, F. Piave, A. Ghislanzoni, A. Boito. Verdi exigía verdad dramática a los cantantes, era intolerante con cualquier manifestación de falsedad en el escenario, virtuosismo sin sentido, no teñido de sentimientos profundos, no justificado por la acción dramática. "... Gran talento, alma y estilo escénico": estas son las cualidades que apreciaba sobre todo en los artistas. Le parecía necesaria una interpretación "significativa y reverente" de óperas; "... cuando las óperas no pueden interpretarse en toda su integridad, tal como fueron concebidas por el compositor, es mejor no interpretarlas en absoluto".

Verdi vivió una larga vida. Nació en la familia de un posadero campesino. Sus maestros fueron el organista de la iglesia del pueblo P. Baistrocchi, luego F. Provezi, quien dirigió la vida musical en Busseto, y el director del teatro de Milán La Scala V. Lavigna. Siendo ya un compositor maduro, Verdi escribió: “Aprendí algunas de las mejores obras de nuestro tiempo, no estudiándolas, sino escuchándolas en el teatro... Mentiría si dijera que en mi juventud no pasar por un estudio largo y riguroso ... Tengo una mano lo suficientemente fuerte como para manejar la nota como deseo, y lo suficientemente seguro como para obtener los efectos que pretendo la mayor parte del tiempo; y si escribo algo que no esté de acuerdo con las reglas, es porque la regla exacta no me da lo que quiero, y porque no considero todas las reglas adoptadas hasta el día de hoy incondicionalmente buenas.

El primer éxito del joven compositor estuvo asociado a la producción de la ópera " Oberto"En 1839. Después de 3 años, la ópera Nabucodonosor se representó en el mismo teatro (" Nabuco”), que dio gran fama al autor (1841). Las primeras óperas del compositor aparecieron en la era del levantamiento revolucionario en Italia, que se llamó la era del Risorgimento (italiano - renacimiento). La lucha por la unificación y la independencia de Italia envolvió a todo el pueblo. Verdi no podía hacerse a un lado. Experimentó profundamente las victorias y derrotas del movimiento revolucionario, aunque no se consideraba un político. Óperas heroico-patrióticas de los años 40. - "Nabuco" (1841), " Lombardos en la Primera Cruzada"(1842)," Batalla de Legnano"(1848) - fueron una especie de respuesta a los acontecimientos revolucionarios. Las tramas bíblicas e históricas de estas óperas, lejos de ser modernas, cantaban heroísmo, libertad e independencia, y por eso fueron cercanas a miles de italianos. "Maestro de la Revolución Italiana": así llamaron los contemporáneos a Verdi, cuyo trabajo se hizo inusualmente popular.

Sin embargo, los intereses creativos del joven compositor no se limitaron al tema de la lucha heroica. En busca de nuevas tramas, el compositor recurre a los clásicos de la literatura universal: V. Hugo (“ Ernani", 1844), W. Shakespeare (" Macbeth", 1847), F. Schiller (" Luisa Miller", 1849). La expansión de los temas de la creatividad estuvo acompañada de una búsqueda de nuevos medios musicales, el crecimiento de la habilidad del compositor. El período de madurez creativa estuvo marcado por una notable tríada de óperas: Rigoletto (1851), Trovador(1853), "La traviata" (1853). En la obra de Verdi, por primera vez, sonaba tan abiertamente una protesta contra la injusticia social. Los héroes de estas óperas, dotados de sentimientos ardientes y nobles, entran en conflicto con las normas morales generalmente aceptadas. Pasar a tales tramas fue un paso extremadamente audaz (Verdi escribió sobre La Traviata: “La trama es moderna. Otro no habría tomado esta trama, tal vez, por decencia, por la época y por mil otros estúpidos prejuicios .. .Lo hago con el mayor placer”).

A mediados de los 50. El nombre de Verdi es ampliamente conocido en todo el mundo. El compositor concluye contratos no solo con teatros italianos. en 1854 él crea una ópera vísperas sicilianas"para el teatro parisino Grand Opera, unos años después las óperas" Simón Boccanegra" (1857) y " Baile de máscaras(1859, para los teatros italianos San Carlo y Appolo). En 1861, por orden de la dirección del Teatro Mariinsky de San Petersburgo, Verdi creó la ópera Fuerza del Destino". En relación con su producción, el compositor viaja dos veces a Rusia. La ópera no fue un gran éxito, aunque la música de Verdi fue popular en Rusia.

Entre las óperas de los años 60. la ópera más popular Don Carlos(1867) basada en el drama del mismo nombre de Schiller. La música de "Don Carlos", saturada de psicologismo profundo, anticipa los picos de la creatividad operística de Verdi - "Aida" y "Otelo". Aida fue escrita en 1870 para la inauguración de un nuevo teatro en El Cairo. Los logros de todas las óperas anteriores se fusionaron orgánicamente en él: la perfección de la música, el colorido brillante y la nitidez de la dramaturgia.

Tras "Aida" se creó "Requiem" (1874), tras lo cual hubo un largo (más de 10 años) silencio provocado por una crisis en la vida pública y musical. En Italia, había una pasión generalizada por la música de R. Wagner, mientras que la cultura nacional estaba en el olvido. La situación actual no era sólo una lucha de gustos, diferentes posiciones estéticas, sin las cuales es impensable la práctica artística, y el desarrollo de todo arte. Fue una época de caída de la prioridad de las tradiciones artísticas nacionales, que fue especialmente vivida profundamente por los patriotas del arte italiano. Verdi razonaba así: “El arte pertenece a todos los pueblos. Nadie cree en esto más firmemente que yo. Pero se desarrolla individualmente. Y si los alemanes tienen una práctica artística diferente a la nuestra, su arte es fundamentalmente diferente al nuestro. No podemos componer como los alemanes..."

Pensando en el destino futuro de la música italiana, sintiendo una gran responsabilidad por cada paso siguiente, Verdi se dedicó a implementar el concepto de la ópera Othello (1886), que se convirtió en una verdadera obra maestra. "Othello" es una interpretación insuperable de la historia de Shakespeare en el género operístico, un ejemplo perfecto de un drama musical y psicológico, cuya creación el compositor pasó toda su vida.

La última obra de Verdi es la ópera cómica " falstaff"(1892) - sorprende con su alegría y su impecable artesanía; parece abrir una nueva página en la obra del compositor que, lamentablemente, no ha tenido continuidad. Toda la vida de Verdi está iluminada por una profunda convicción en la corrección del camino elegido: "En lo que se refiere al arte, tengo mis propios pensamientos, mis propias convicciones, muy claras, muy precisas, de las que no puedo, ni debo, rechazar." L. Escudier, uno de los contemporáneos del compositor, lo describió muy acertadamente: “Verdi tenía sólo tres pasiones. Pero alcanzaron la mayor fortaleza: el amor por el arte, el sentimiento nacional y la amistad. El interés por la obra apasionada y veraz de Verdi no decae. Para las nuevas generaciones de amantes de la música, invariablemente sigue siendo un estándar clásico que combina claridad de pensamiento, inspiración de sentimiento y perfección musical.

A. Zolotij

Hijo de un posadero, estudia música en Busseto (con el organista de la catedral local F. Provezi) y literatura, luego toma clases de composición en Milán con Lavigna. En 1836 se casa con la hija de su patrón Antonio Barezzi Margherita, que muere en 1840, siguiendo a sus dos hijos. En 1842, el primer éxito en La Scala fue traído al compositor por la ópera Nabucodonosor. En 1847 puso en escena la ópera The Robbers en Londres y Jerusalén en París. A partir de este momento comienza su constante relación con la soprano Giuseppina Strepponi. En 1848 estuvo con Mazzini en Milán después de los Cinco Días y en Roma durante la proclamación de la República. En 1851 se instaló en la finca de Santa Agata (Villanova d'Arda) junto con Strepponi, con quien se casó en 1859. Miembro del primer parlamento italiano, fue invitado a la Exposición de París de 1854/55; en 1861 y 1862 estuvo presente en San Petersburgo en la producción de la ópera La fuerza del destino. Desde 1866 vive en Génova desde hace mucho tiempo, especialmente en invierno. Probablemente, aquí en 1868 conoció a la soprano Teresa Stolz, natural de Bohemia, quien se convirtió en su máxima intérprete y amiga hasta el final de sus días. En 1871, con motivo de la celebración en El Cairo de la apertura del Canal de Suez, escribió la ópera Aida; en 1874 dirigió el Réquiem, dedicado a la memoria de Alessandro Manzoni, pero concebido en memoria de Rossini. En el mismo año fue nombrado Senador del Reino de Italia. En 1889 compra un terreno para construir una residencia de ancianos para músicos. En 1893, con casi ochenta años, terminó Falstaff.

Habiéndose convertido en la gloria nacional de Italia, venerado más incluso como estado que como figura musical, Verdi estaba destinado a un éxito de público envidiable y casi constante a lo largo de su larga vida y la misma fama póstuma, que no disminuye en absoluto. No interesado en servir algo de su ideología, Verdi enseña a abordar los problemas de la vida sin prejuicios ni limitaciones. De ahí el equilibrio constante que constituye el encanto de su arte claro, lógico y flexible, incluso a pesar de las tramas intrincadas de las óperas maduras: elegancia, buen gusto distinguen todas las formas que utiliza, incluidas las que rayan en lo llamado vulgar (y más difícil).

Artista integral, que entendió como ningún otro el lenguaje del teatro, mostró cómo salvar sus modelos clásicos, que datan del siglo XVIII, al mismo tiempo que combina con ellos en una aleación racional las numerosas corrientes estilísticas que los reemplazan en la música, especialmente en la segunda mitad del siglo. Este proceso ciertamente favoreció el complejo análisis psicológico y social característico de Verdi hasta Otelo con su pesimismo y Falstaff con sus hallazgos académicos brillantes y jocosos.

En cuanto al comienzo vocal, Verdi, un cierto partidario de una mayor plasticidad y claridad de la interpretación, muy rápidamente también planteó la importancia de la recitación de rara flexibilidad: todo este complejo requiere una larga preparación por parte del intérprete. Las introducciones a casi todas las óperas del compositor son notables por su asombroso y magnífico poder. Maestro de la escritura de conjunto -podría decirse, moderna en cuanto a la brevedad del ritmo y a la clara, aunque ardiente, encarnación, ajena a la arbitrariedad y a los excesos hedonistas-, consideraba la acción escénica como fin, evitando, sin embargo, convertirla en un medio, ya que se dio cuenta de que lo principal en el drama musical es la música.

Además del género operístico, el compositor tocó de pasada la forma instrumental de cámara (un solo cuarteto) y no se dedicó mucho a la composición de canciones con acompañamiento de piano. En el campo de la música sacra, por el contrario, dejó ejemplos históricos, entre los que se destaca el Réquiem, escrito en parte en memoria de Gioacchino Rossini y luego dedicado a la memoria de Alessandro Manzoni: una síntesis de todo el siglo XIX, parece combinar el solemne esplendor de las más majestuosas catedrales con la ternura de las misas provincianas y destaca su carácter dramático y teatral. Este es el Mausoleo, un panteón nuevo, creado como para los personajes de Verdi, para Violetta, Rigoletto, Leonora, Macbeth y otros, porque la verdad más alta, si se mira bien, no puede ser otra cosa que el perdón. Y el reino de los cielos les espera a todos.

Cuando La Traviata se representó por primera vez el 6 de marzo de 1853 en Venecia, fue un rotundo fracaso. La ópera no fue del agrado de la crítica ni del público. Surgió un gran problema con los cantantes: la heroína era demasiado magnífica, se moría de tisis y todos pensaban que era una broma. El vestuario fue otro problema: la ópera se representó con ropa moderna (es decir, por supuesto, con ropa moderna para 1853), y entonces era inusual que todos los artistas se vistiesen con ropa moderna en la Gran Ópera. En una versión posterior, todo esto fue cambiado. Y fue entonces cuando la ópera fue un éxito en Italia. El gran público se enamoró de ella -y desde un principio- también en Inglaterra y América, pero no así la crítica. Creían que la historia era "repugnante, terrible e inmoral". Pero los críticos a menudo se equivocan al principio y el público suele tener razón. Hoy, esta ópera, que ha cumplido ciento cincuenta años, es una de las más populares, y la historia de Violetta se puede encontrar en libros de tramas de ópera dirigidos a niños. Esa es la moraleja de los críticos para ti.

PRELUDIO

Esta historia, por supuesto, trata sobre la enfermedad y el amor. Por sí sola, esta no es una combinación muy atractiva. Sin embargo, cuando te das cuenta de que el primer tema del famoso preludio no es más que el motivo de la enfermedad de la heroína, y el segundo es su amor, te convences de lo maravillosamente que los compositores pueden hablar a veces de cosas que parecen poco atractivas. Y esta es una gran lección para nosotros.

ACTO I

La primera acción tiene lugar durante una recepción nocturna en la sala de estar de la casa de Violetta Valeri. Al fondo hay una puerta que conduce a otras habitaciones; a los lados hay otras dos habitaciones. Chimenea izquierda; encima hay un espejo. En medio del escenario hay una mesa lujosamente puesta. La dueña de la casa es Violetta, una joven encantadora de dudosa reputación. (De hecho, Alexandre Dumas hijo, el autor de la novela que dio el argumento a la ópera, basó su personaje en los rasgos de una cortesana real, a la que conoció y amó en el París de los años 40 del siglo XIX. Su verdadero nombre era Alfonzina Plessis, pero lo cambió por Marie Duplessis, para que suene más sublime.) Violetta, sentada en el sofá, charla alegremente con el doctor y algunos amigos, mientras otros, caminando, van al encuentro de los invitados retrasados, entre ellos el barón y Flora del brazo del marqués. Ya por los primeros sonidos de la introducción, nos queda claro que esta es una empresa muy alegre. Muy pronto, Violetta presenta a la sociedad reunida a un joven que llegó a París desde las provincias. Este es Alfred Germont, un joven dulce, algo ingenuo y con una magnífica voz de tenor. Lo demuestra en su "Canción para beber" (Brindisi): "Libiam, ne" lieti calici "("Levantaremos las copas de la diversión en alto"). Violetta, y luego todos los demás, retoman la canción y se unen a la despreocupación. ritmo de vals de esta melodía.Todos los invitados corren a la habitación de al lado para bailar, pero Violetta se demora en la habitación, se siente débil, la atormenta una tos Alfred, que también se demora en la habitación, se dirige a ella muy serio y le habla de cuánto la ama, a pesar de que "sólo la he visto antes de lejos. Sus palabras son tan tiernas, tan apasionadas, que Violetta está a la vez emocionada y perpleja. Con fingida despreocupación y alegría, le aconseja que la olvide". Ella sabe que las chicas de su clase no son adecuadas para este joven sincero, sus voces se funden en una expresiva coloratura al final de este dúo, y antes de que regresen los invitados, promete volver a verlo al día siguiente.

Tarde en la noche. Los invitados se dispersan y Violetta se queda sola. Su gran escenario sigue. Ella canta el aria "Ah, forse lui che l" anima solinga ne "tumulti" ("¿No fuiste tú quien se me apareció en el silencio de la noche en dulces sueños?"): ¿Puede este joven provinciano llevar realmente el amor verdadero a su vida de mariposa nocturna. Retoma la apasionante melodía que cantó poco antes, pero luego (en la llamada cabaletta al aria) exclama: “¡Locura! ¡Locura!”, “Semper libera” (“Ser libre, ser descuidada”): este es el contenido de la segunda parte de su aria. Su vida debe ser libre. Hace una pausa por un momento cuando escucha la voz de Alfred debajo del balcón repitiendo su música de amor, pero Violetta solo se vuelve más terca. En un esfuerzo por ahogar la llamada del amor, repite sus roulades de coloratura. Casi todas las sopranos llevan estos trinos a un Do alto, aunque el propio Verdi no los escribió de esta manera. Al final de esta acción, sabemos que con toda su resistencia interna, esta dama ya está ardiendo de pasión.

ACTO II

Escena 1 ocurre tres meses después. La historia de amor, que comenzó en la noche en la casa de Violetta, continuó, y ahora Violetta se retiró con Alfred en una pequeña casa de campo cerca de París. Se levanta el telón y vemos la sala de estar en la planta baja de la casa. En la parte trasera hay dos puertas de vidrio que dan al jardín. Entre ellos, justo en frente del espectador, hay una chimenea, sobre la cual hay un espejo y un reloj. En primer plano también hay puertas, una contra la otra. Sillones, mesas, algunos libros y un escritorio. Alfred entra; él está en un traje de caza. En su primera aria "De" miei bollenti spiriti "(" Paz y tranquilidad en mi alma "), canta sobre lo querida que es Violetta para él y cómo está loco por ella. Pero es Violetta quien paga todas las cuentas por esto. su vivienda actual, y de una conversación con Annina, su doncella, Alfred se entera de que Violetta va a vender algunas de sus pertenencias personales (por ejemplo, el carruaje y los caballos que ya no necesita). obtener los mil luises necesarios. Y cuando unos minutos más tarde, el padre de Alfred aparece, encuentra a Violetta sola. Suena un dúo largo y expresivo. Al principio, el padre exige bruscamente que Violetta rompa con Alfred. Poco a poco, comienza a comprender que hay Hay verdadera nobleza en esta mujer, y luego cambia de tono: ya no le exige sino que le ruega que la hermana de Alfred, dice, nunca podrá casarse bien mientras dure este asunto "escandaloso" de su hermano. Y, lo que parece inesperado, Violetta está impresionada. Anticipando su despedida bastante larga, ella le promete renunciar al amor de su vida y ocultarle a Alfred los motivos de esta negativa. Rápidamente le escribe una carta a Alfred y también acepta una invitación a una recepción con Flora Bervois, una de sus viejas amigas.

Violetta no tiene tiempo de terminar cuando aparece Alfred. Está lleno de confianza en que su padre la amará tan pronto como la vea. El corazón de la mujer se está rompiendo. Violetta le ruega que la ame siempre, luego, sin que él lo sepa, deja la casa y se va a París. Un momento después, un sirviente le trae su carta de despedida. Completamente deprimido, está listo para correr tras ella. En ese momento, aparece su padre y lo detiene. El viejo Germont canta su famosa aria "Di provenza il mare" ("Olvidaste tu querida tierra"), en la que le recuerda a su hijo su hogar en Provenza y le ruega que regrese. Alfredo está desconsolado. De repente ve la invitación de Flora y decide que fue por esta invitación que Violetta lo dejó. En un ataque de celos, se apresura a ir a París para vengarse del amante "traicionero".

Escena 2 nos traslada al escenario de un baile-recepción, similar al que dio comienzo a la ópera. Esta vez la dueña es Flora Bervois. Se levanta el telón y el espectador abre una galería en el Palazzo Flora. La decoración y la iluminación son muy ricas. Puertas que conducen a otros apartamentos en la parte trasera y en los lados. A la derecha, más cerca del espectador, hay una mesa de juego; a la izquierda, un buffet con frutas y refrescos lujosamente decorado con flores. Sillones, sillas, sofás por todos lados. Flora se preocupa por entretener a sus invitados. Bailarines y cantantes gitanos cantan al comienzo de la escena. Muy pronto aparece Alfred. Todos se sorprenden de verlo solo, sin Violetta, pero él deja en claro que le interesa poco saber dónde está ella y qué le está pasando. En ese momento aparece Violetta, acompañada por el Barón Dufale, uno de sus amigos de los malos tiempos. El barón y Alfred obviamente no se soportan, comienzan a jugar a las cartas con apuestas bastante altas. Alfred gana todo el tiempo, y mientras la orquesta toca un tema un poco inquietante, Violetta, sentada a cierta distancia, reza para que los hombres no se peleen. Por suerte, justo cuando Alfred casi acaba con su anciano rival, suena la invitación a cenar. Violetta le ruega a Alfred que se vaya de la casa de Flora; ella teme que el asunto pueda terminar en un duelo. Alfred dice que se irá, pero solo con ella, y luego le exige que responda si ama al barón. Al recordar la promesa que le hizo al viejo Germont, Violetta miente: sí, dice que ama al barón. Luego, Alfred llama a los invitados y frente a todos, en el calor de la ira, arroja a Violetta todo el dinero que ganó del barón como pago por el amor anterior. Este comportamiento es impactante, incluso considerando que se trata de un joven francés de los años 40 del siglo XIX. Pero sobre todo, su propio padre está conmocionado, llegando al baile justo en el momento en que Alfred pronuncia sus terribles palabras. Condena a su hijo por un acto innoble y cruel. Sí, y el propio Alfred está avergonzado, avergonzado por su truco ("¡Oh, qué he hecho! ¡Crimen superior!"). La escena termina con un gran número de conjunto. El Barón desafía a Alfred a un duelo. Germont se lleva a su hijo; el barón los sigue. Flora y el doctor llevan a Violetta a las habitaciones interiores. El resto se dispersa.

ACTO III

El último acto comienza con una introducción muy hermosa y muy triste. Habla de la enfermedad que debilita la salud de Violetta, y cuando se levanta el telón, regresa la tensión original en la música. La pobre niña ahora vive en un apartamento destartalado en París. Ella yace, enferma terminal, en la cama, la devota Annina la cuida. Se invitó al Dr. Grenville para tranquilizar a Violetta, para darle al menos algo de esperanza. Pero Violetta entiende todo; un poco más tarde, el médico le susurra al oído a Annina que su vida es cuestión de horas. Violetta despide a la criada para que distribuya la mitad de su fortuna en veinte luises entre los pobres y luego se recuesta en las almohadas para leer la carta. Es del viejo Germont; llegó hace unas semanas, y dice que Alfred hirió al barón en un duelo, se fue del país, pero ahora Alfred sabe del sacrificio que hizo Violetta, y él mismo acudirá a ella para pedirle perdón. Violetta se da cuenta de que es demasiado tarde. Canta la sublime aria "Addio del passato" ("Perdóname para siempre por la felicidad de soñar"). Al final del aria, las voces de una multitud alegre se escuchan fuera de las ventanas; después de todo, en París es la época del carnaval, una fiesta a la que Violetta envía su último adiós.

De repente, Annina regresa sin aliento, anuncia la llegada de Alfred. Él entra corriendo y los amantes cantan el conmovedor dúo "Parigi, o cara" ("Dejaremos París"). En él, se entregan a los sueños de irse de París para que Violetta pueda restaurar su fuerza en la naturaleza, y luego vivirán felices. Violetta pide ayuda desesperadamente para vestirse; ya no tiene fuerzas ni siquiera para eso. Annina sale corriendo a buscar al médico. Germont entra en la habitación, justo en el momento en que Violetta hace su último y triste sacrificio: le da a Alfred un relicario con su retrato y le pide que se lo dé a su futura esposa. Hágale saber que hay un ángel que está orando por los dos. De repente, por un momento, Violetta se siente aliviada, como si la vida le hubiera regresado. En la orquesta, la música de amor estremecedora del primer acto se escucha en el registro superior. Pero esto es sólo la euforia que tan a menudo precede a la muerte. Y con la exclamación "¡E gasta!" ("Oh alegría") Violetta cae en los brazos de su amante amargamente arrepentido.

post scriptum sobre las circunstancias históricas. En el cementerio de Montmartre, justo al lado de la Iglesia del Sagrado Corazón, los turistas visitan hasta el día de hoy la tumba de Marie Duplessis, el prototipo de la heroína de la ópera, traviata (italiano, una niña perdida). Murió el 2 de febrero de 1846, diecinueve días después de cumplir veintidós años. Entre el gran número de sus amantes en el último año de su vida estaban el hijo de Alexandre Dumas y Franz Liszt.

Henry W. Simon (traducido por A. Maykapar)

La trama de esta triste historia pertenece a Alexandre Dumas hijo, quien escribió dos obras sobre la "traviata" (traviata - caída) Marguerite Gauthier, con cuyo verdadero prototipo, Marie Duplessis, estaba familiarizado: una novela (1848) y un drama ( 1852); ambos titulados "La dama de las camelias" dieron fama al autor. Ahora las tumbas del escritor y Duplessis se encuentran cerca en uno de los cementerios parisinos y son un lugar de peregrinación para los amantes que los rodearon con el mismo culto que Romeo y Julieta. Sin embargo, existe la opinión de que, a pesar del éxito, sería mejor para Dumas conocer primero a Violetta Valeri, la “traviata” de Verdi y Piave. Violetta es un personaje tan vital, una personalidad tan brillante que, en comparación con ella, la imagen de Marguerite Dumas palidece. Al comienzo de su novela, Dumas se dirige a los lectores con palabras definitivamente programáticas, en las que se siente la seriedad de su enfoque desde el punto de vista de las tareas de la literatura: “Estoy convencido de que solo se pueden crear tipos después de estudiar profundamente gente, así como sólo se puede hablar un idioma después de haberlo estudiado seriamente". Verdi, más impulsivo, ardiente e irrazonable, desde el punto de vista de la crítica, admitió que le gustan las tramas "nuevas, significativas, bellas, diversas, atrevidas" y por eso está feliz de trabajar con la trama de Dumas. En boca de otro, la afirmación de Verdi puede parecer demasiado entusiasta, pero en boca del propio Verdi significa que no se limita, como Dumas, al "estudio de las personas", como si se tratara de una lengua extranjera, sino quiere probar la comunidad del destino humano, mostrarla como si fuera suya.

En La Traviata, F. M. Piave le dio al teatro musical una crónica moderna, y Verdi creó una imagen perfecta (incluso más perfecta que Rigoletto) del personaje principal, “divino”, como si estuviera destinado a encarnar todo el encanto de las prima donnas del siglo XIX. siglo, como Malibran, Patti (que se convirtió en la mejor intérprete del papel de Violetta), y al mismo tiempo un tipo femenino muy convincente, que ya no estará en las óperas del compositor. Violetta ilumina toda la acción y cada personaje, quien a su vez está llamado a iluminarla. Con gran habilidad, Verdi logró mostrar (sobre todo en el segundo acto) tres hipóstasis de la experiencia amorosa de la heroína: el culto a la libertad inherente a esta belleza, su pasión por su amante y, finalmente, el sacrificio de sí mismo, en el que el amor maternal es ya sentido (aunque no realizado). Solo las heroínas de Puccini tendrán tal poder emocional, pero aun así no veremos una combinación de estos tres aspectos, estos tres personajes en una sola persona, como si apelaran a diferentes actores en cada una de las acciones.