Akşam ressamı. René Magritte

Geçen yüzyılın seçkin sanatçılarından biri olan Rene Magritte (1898-1967) Belçikalıydı. 1912'de annesi kendini nehirde boğdu ve görünüşe göre bu, o zamanın genç geleceğin sanatçısı üzerinde büyük bir etki yarattı, ancak popüler inanışın aksine, bu olayın yazarın çalışmaları üzerindeki etkisi abartılmamalıdır. Magritte, çocukluktan, o kadar trajik olmayan ama daha az gizemli olmayan bir dizi başka anıyı geri getirdi ve bunların çalışmalarına yansıdığını kendisi söyledi.

Brüksel Güzel Sanatlar Akademisi'nde eğitim gördü ve ilk başta Dadaizm ve Kübizm'den yoğun bir şekilde etkilendi. 1925, çalışmalarında bir dönüm noktasıydı: "Picardy'nin Gülleri" tablosu, yeni bir üslup ve yeni bir tutum olan "şiirsel gerçekçilik" i işaret ediyordu. Sanatçı, tüm sürrealist sergilere katıldığı "gerçeküstücülüğün merkezi" Paris'e taşınıyor. Ve 1938'de Londra Sanat Galerisi, Belçikalı ustanın ilk büyük sergisini düzenledi.

1950'lerin başında Magritte'in sanatı, Roma, Londra, New York, Paris ve Brüksel'deki büyük sergilerinin de gösterdiği gibi, giderek artan uluslararası tanınırlığa kavuşuyor. 1956'da Magritte, Belçika kültürünün seçkin bir temsilcisi olarak prestijli Guggenheim Ödülü'ne layık görüldü.

Magritte'in en önemli özelliği eserlerindeki gizem atmosferidir. Bildiğiniz gibi gizem duygusu gerçek sanatın doğasında vardır. Herbert Read, "Magritte'i her zaman hayali bir sanatçı, Giorgione seviyesinde bir yerde duran bir usta olarak görmüşümdür" diye yazdı. Bu sözler Magritte'in şiirselliğinin anahtarını taşıyor.

Sanatçının ideolojik inancını ifade eden "Sahte Ayna" (1929) tablosunda tüm alan kocaman bir göz imgesiyle kaplanmıştır. İzleyici yalnızca iris yerine, üzerinde şeffaf bulutların yüzdüğü yaz mavisi bir gökyüzü görüyor. Başlık, resmin fikrini açıklıyor: Duyu organları, dünyanın gizli derinliklerini, sırlarını aktarmadan, yalnızca nesnelerin görünüşünü yansıtır. Magritte'e göre varlığın anlamını kavramaya yalnızca uyumsuz olanlar yardımcı olur. Bir görüntü ancak az çok uzak iki gerçekliğin yakınsamasından doğabilir.

Magritte, özellikle "felsefi" resimlerinde dikkat çeken bu yöntemi tüm kariyeri boyunca izleyecektir. Bunlardan biri Hegel'in Tatil'idir (1958).

"Son resmim" diye yazdı, "şu soruyla başladı: Bir bardak su bize kayıtsız kalmayacak şekilde nasıl tasvir edilir? Ama aynı zamanda ve öyle ki özellikle tuhaf, keyfi veya önemsiz olmazdı.Tek kelimeyle şunu söyleyebiliriz ki: ustaca (gereksiz utancı bırakalım).
Gözlükleri birbiri ardına (üç eskiz), her seferinde çapraz vuruşla (eskiz) çizmeye başladım. Yüzüncü veya yüz ellinciden sonra
çizim, vuruş biraz daha genişledi (anahat). İlk başta şemsiye camın içinde duruyordu (eskiz), ama sonra ama sonra onun altında olduğu ortaya çıktı (eskiz).
Böylece asıl soruya bir çözüm buldum: Bir bardak su nasıl ustaca tasvir edilebilir? Çok geçmeden bu konunun Hegel'in büyük ilgisini çekebileceğini fark ettim (o aynı zamanda bir dahidir), çünkü benim konumum iki zıt
özlemleri: su istemez (onu iter) ve su ister (onu alır). Sanırım hoşuna giderdi ya da komik bulurdu (örneğin tatillerde). Bu yüzden resme "Hegel'in Tatili" adını verdim.

Magritte, gerçeküstücüler arasında keskin bir şekilde öne çıkıyor: Onlardan farklı olarak, fantastik değil, sıradan unsurları tuhaf şekillerde kullanıyor. Ünlü tablosu "Kişisel Hazine" (1952) budur.

Buradaki "anahtar" aynı zamanda isimdir. Korkunç boyutlara ulaşan "kişisel" hipertrofiler. Oda, duvarlar yerine bulutların arasında süzülen gökyüzüne rağmen kapalı, sıkışık bir tür "mikrokozmosta" dönüşüyor. Buradaki her şey tuhaf bir şekilde değişti, sanki canlanmış gibi, faydacı olmayan bir görünüm kazandı, ancak Magritte'de her zaman olduğu gibi nesneler görünümlerini, dokularını, renklerini değiştirmedi ve mükemmel bir şekilde "tanınabilir". İzleyici sanki geçerken camın mavimsi parlaklığına, ahşap mobilyaların dokusuna, ayna yansımalarını aktarma becerisine hayran kalıyor. Ama bu arada, çünkü nesneler sanki sahipleri adına konuşuyormuş gibi bağımsızlık kazanmış gibi görünüyor ve onun "öncü" rolünü tamamen gasp ediyor. Kendileri "kişilik" haline geldiler ve birbirleriyle konuşuyor gibi görünüyorlar.

Erken dönem Magritte resminin özelliklerinden biri de kelimenin tam anlamıyla "edebi" olmasıdır. Magritte, şairlerden, filozoflardan, yazarlardan oluşan bir çevrede döner ve 19. yüzyılın ünlü romantiklerinin teorik eserlerini inceler. 19. yüzyılın başlarındaki İngiliz romantik şairi ve filozofunun eserlerinden büyük ölçüde etkilendi. Sanatta sembolizme her şeyden önce saygı duyan Samuel Taylor Coleridge - "maddenin ruha tamamen tabi kılınması, maddenin ruhun kendisini açığa çıkardığı bir sembole dönüşmesi."

Bu düşüncenin bir örneği, özellikle Magritte'nin 1933'te yarattığı ünlü "Kurtuluş" ("Tarlalara Uçuş") tablosudur.

Kırık bir pencereden tuhaf bir manzara açılıyor. Yeşilimsi akşam tepeleri, küresel mavi ağaçlar, şeffaf sedefli gökyüzü, mavi mesafeler. Tonal resim tekniklerini zekice kullanan sanatçı, neşeli bir mutluluk havası, alışılmadık, harika bir şeyin beklentisi yaratıyor. Ön plandaki perdelerin sıcak gölgesi, bu büyüleyici manzaranın ferahlığı izlenimini pekiştiriyor... Magritte'in resimleri sakin, korkusuz bir el tarafından yapılmış gibi görünüyor. Bir renk ustası olan Magritte, rengi idareli ve idareli bir şekilde kullanıyor. "Kurtuluş"ta renk sembolizmi karmaşık çağrışımları ifade etmek için kullanılır. Mavi, pembe, sarı ve siyah noktalar görüntüye inanılmaz bir renk dolgunluğu ve canlılık kazandırır.

"Sürrealizm ve Freudculuk" konusuna dönersek Rene Magritte'nin çalışmalarının özgünlüğü daha iyi ortaya çıkacaktır. Gerçeküstücülüğün ana teorisyeni ve mesleği psikiyatrist olan Andre Breton, sanatçının çalışmalarını değerlendirirken Freud'un psikanalizine belirleyici bir önem verdi. Freudcu görüşler birçok gerçeküstücü tarafından benimsenmekle kalmadı, aynı zamanda onların düşünme biçimi haline geldi. Örneğin Salvador Dali için, kendi itirafına göre, Freud'un fikirlerinin dünyası, ortaçağ sanatçıları için Kutsal Yazıların dünyası ya da Rönesans ustaları için antik mitoloji dünyası kadar anlam taşıyordu.

Sigmund Freud'un önerdiği "serbest çağrışım yöntemi", "hata teorisi", "rüyaların yorumlanması" öncelikle iyileşme amacıyla hastalıklı zihinsel bozuklukları tanımlamayı amaçlıyordu. Freud'un önerdiği sanat eserlerinin yorumlanması da buna yönelikti. Ancak bu anlayışla sanat, deyim yerindeyse belirli bir "iyileştirici" faktöre indirgenir. Bu, sürrealizm teorisyenlerinin sanat eserlerine yaklaşımının yanılgısıydı. Magritte bunun farkındaydı ve 1937'deki bir mektubunda şunu belirtiyordu: "Anladığım kadarıyla sanat psikanalize tabi değildir. O her zaman bir gizemdir." Sanatçı, resimlerini psikanaliz yardımıyla yorumlama girişimlerini ironik bir şekilde dile getirdi: "Benim" Kırmızı Modelimin "bir hadım edilme kompleksi örneği olduğuna karar verdiler. Bu tür birçok açıklamayı dinledikten sonra, tüm bunlara göre bir çizim yaptım. Psikanalizin "kuralları"... Doğal olarak aynı şekilde analiz ettiler. Masum bir çizim yapan bir kişinin ne kadar alay konusu olabileceğini görmek korkunç ... Belki de psikanalizin kendisi bir psikanalist için en iyi konudur.

Magritte'nin kendisine "sürrealist" demeyi inatla reddetmesinin nedeni budur. "Sihirli gerçekçi" tanımlamasını isteyerek kabul etti. Bu yön, Magritte'in Paris'ten Brüksel'e sonsuza dek döndüğü 1930'dan başlayarak, çalışmalarının "Belçika dönemi" için tipiktir.

Eski Hollanda sanatının geleneklerinin Magritte'in çalışmaları üzerinde olumlu bir etkisi oldu. "İntihal" (1960) tablosunda birçok detay-sembol dikkat çekiyor.

Masanın solunda bir yuva ve üç yumurta görüntüsünü görüyoruz - Üçlü Birliğin sembolizmi. Sanatçı, bir sihirbaz gibi, fantezisinin görüntülerini gözlerimizin önünde gerçekleştiriyor gibi görünüyor ve bunlar, canlı bir yaratıcı hayal gücünün sembolü olan, meyve veren güzel bir bahçeye dönüşüyor. Magritte incelikli, ruhsallaştırılmış şiirsel bir imaj yaratır. Resme baktığımızda, yalnızca en narin pembe, mavimsi, sedef tonlarına hayran kalabilirsiniz - gerçekten muhteşem bir manzara.

1930'larda Magritte, Bosch sanatının yanı sıra, 1889'da "Seralar" koleksiyonunda yazan yurttaşı, oyun yazarı ve filozof Maurice Maeterlinck'in çalışmalarını da derinlemesine inceliyor: "Bir sembol doğanın bir gücüdür, ancak bir kişinin zihni ona karşı koyamaz" yasalar... Sembol yoksa sanat eseri de yoktur."

Maeterlinck, Magritte'e, sanatçının fantezisinin gerçek dünyaya dönüştürdüğü bütün bir görüntü ağıyla karşılaştırma geliştirme yeteneğini borçludur. "Büyüklüğün Çılgınlığı" (1948) tablosunda, sonsuz masmavi denizin fonunda taş bir korkuluk üzerinde yanan bir mum, insan yaşamının kırılganlığının bir sembolü olarak tasvir edilmiştir. Yakınlarda birbirinden büyüyen birkaç kadın gövdesi var (duygusallığın sembolü). Ve güzel donmuş bulutların olduğu gökyüzünde (Magritte için - zamansızlığın sembolü), izleyici "saf fikirleri" simgeleyen mavi "maddi olmayan" geometrik şekiller ve soyut "saf düşüncenin" sembolü olan bir balon görüyor.

Sanatçı, ince düşünülmüş bir renk şemasının yardımıyla ana fikri "iyileştiriyor". "Duygusallık" sıcak bir ten rengidir. "Saf formlar", sembolizme karşılık gelen ve aynı zamanda sınırsız bir alan hissi yaratan soğuk mavimsi bir tonda çözülmüştür.

Maeterlinck, Mütevazı Hazine'de şöyle yazmıştı: "Vadide rastgele dolaşıyoruz, tüm hareketlerimizin yeniden üretildiğini ve gerçek anlamlarını dağın zirvesinde kazandığını fark etmiyoruz" ve "zaman zaman birisinin gelmesi gerekiyor" bize şöyle dedi: "Kafanıza bakın, ne olduğunuza bakın, ne yaptığınıza bakın. Burada yaşamıyoruz, hayatımız yukarıda. Karanlıkta birbirimize bakıştığımız bu bakışlar, hiçbir anlamı olmayan bu sözler Dağın eteğinde, bakın, ne hale geldiler ve orada, karlı yüksekliklerin üzerinde ne anlama geliyorlar.

Maeterlinck'in bu fikri Magritte'nin "Arnheim'ın Sahipliği" (1962) adlı tablosuna yansıdı.

Sanatçı, yalnızca üzerine sahte bir resim çizilen camı kırarak gerçeği tüm parlak ihtişamıyla görebileceğinize inanıyor. Gerçek burada, Maeterlinck'in bahsettiği dağların doruklarında gizleniyor.

"Beklenmeyen Cevap" (1933) adlı tablo, Maeterlinck'in başka bir düşüncesini somutlaştırıyor: "Hayatta önemsiz günler yoktur. Git, geri dön, tekrar dışarı çık - ihtiyacın olanı alacakaranlıkta bulacaksın. Ama asla unutma ki sen kapıya yakın Bu belki de karanlığın kapılarındaki dar çatlaklardan biri, bu sayede bize henüz keşfedilmemiş hazineler mağarasında olması gereken her şeyi bir an için öngörme fırsatı veriliyor.

Resim, heyecan verici bir gizemin bir tür amblemi gibi görünüyor - eğer bu tanım Magritte'nin en gizemli ve mistik kompozisyonlarından birine atfedilebilirse, buradaki her şey o kadar bütünsel, "doğal". Açık "kırık kapı" birçok gizemle dolu başka bir boyutun sembolüdür.

Magritte hakkında yazan bazı yazarlar onu, resimlerinin hiçbir anlamı olmayan "saçmalık sanatçısı" olarak ilan ediyor. Eğer durum böyle olsaydı, sanatçının amacı yalnızca "gündelik varoluşumuzun saçmalığını" tasvir etmek olsaydı, bu ciddi bir sanat değil, bulmaca düzeyinde bir yaratıcılık olurdu. Magritte şunları yazdı: "Resmi dinlemek yerine rastgele soruyoruz. Aldığımız yanıtın açık sözlü olmaması bizi şaşırtıyor."

Sanatına sıklıkla "uyanık rüyalar" adı verilmiştir. Sanatçı şu açıklamayı yaptı: "Resimlerim uykulu rüyalar değil, uyanış rüyalarıdır." 1950'lerin başında New York'taki sergisini gören ünlü sürrealist Max Ernst'in şöyle demesine şaşmamalı: "Magritte uyumuyor ve uyanık değil. Aydınlatıyor. Rüya dünyasını fethediyor."

Magritte, "Gizem olmadan ne dünya ne de fikir mümkün olur" diye tekrarlamaktan hiç bıkmadı. Ve bir otoportresinin epigrafı olarak 19. yüzyıl Fransız şairinin çizgisini benimsedi. Lautreamont: "Bazen rüya görüyorum ama asla kimliğimin farkındalığını bir an bile kaybetmiyorum."

Magritte'in eserlerinde "iç ve dış" kavramının beklenmedik bir şekilde yorumlanmasının nedeni budur.

Sanatçının "Hayattan Kareler" (1934) adlı tablosuna yorumu şöyle: "Odanın içinden gördüğümüz pencerenin önüne, manzaranın tam da kapattığı kısmını gösteren bir resim yerleştirdim. Böylece ağaç resimde arkamızda duran ağaç bizim dışımızda gizlenmektedir.İzleyici için ağaç resimde odanın içindedir, gerçek manzarada ise dışarıdadır.Biz dünyayı böyle görürüz.Onu hem kendi dışımızda hem de dışarıda görürüz. Aynı zamanda kendi içimizdeki temsilini de görüyoruz. Bu şekilde bazen şu anda olup biteni geçmişe koyuyoruz. Böylece zaman ve mekan, sıradan bilincin onlara yüklediği önemsiz anlamdan kurtuluyor."

Herbert Read şunları kaydetti: "Magritte, formların katılığı ve belirgin bir görüş netliğiyle öne çıkıyor. Onun sembolizmi, tasvir etmeyi çok sevdiği pencerelerin camları gibi saf ve şeffaftır. Rene Magritte, dünyanın kırılganlığı konusunda uyarıyor." buz kütleleri gibi." Bu, Magritte'in muğlak metaforlarının olası yorumlarından birine bir örnektir. Bu sanatçının cam pencere motifi aynı zamanda iki dünya arasında bir sınır olarak da görülebilir: gerçek ile gerçek dışı, şiirsel ile sıradan, bilinç ile bilinçdışı arasında.

"İnsanın Oğlu" (1964) tablosunda modern insan, onu okyanusun ve gökyüzünün uçsuz bucaksız alanlarından ayıran ve sonsuzluğu simgeleyen bir duvarın arka planında tasvir edilmiştir. Kişinin yüzünün önünde asılı olan elma, görüntüye gizemli bir hava katmaktadır. Bu elma hem bilgi ağacının meyvesi olarak algılanabilir hem de insanın anlamaya çalıştığı doğanın sembolü olarak algılanabilir. Bu detay aynı zamanda temiz bir burjuvanın sıradan görünümüne de uyum sağlıyor.

"Golconda" (1953) tablosu somutlaştırılmış bir metafor olarak görülebilir: "ağırlığı olan" insanlar ağırlıksız hale geldi. İsminde gizli bir ironi var: Sonuçta Golconda Hindistan'ın yarı efsanevi bir şehri, altın plaserleri ve elmaslarıyla ünlü ve bu insanlar altının cazibesine kapılmış gibi görünüyor. Sanatçı, sınırsız bir alanda, melon şapkalar, kravatlar ve modaya uygun paltolarla, düzgün giyimli birkaç düzine rantiyeyi mutlak sakinliği korurken asıyor.

Magritte'in son dönem resimlerinden biri olan "Hazır Buket"te (1956), aynı melon şapkalı ve fraklı, sırtı terasta izleyiciye dönük duran bir adam, akşam parkını seyrediyor. Sırtında da Botticelli'nin çiçeklerle ve renklerin parlaklığıyla yürüyen "Bahar"ı var. Bu nedir? "İnsan geçer, sanat kalır" aforizmasının gerçekleşmesi? Ya da belki parka hayran olan biri Botticelli'nin tablosunu hatırladı? Cevap belirsiz.

Sanatçı, nesnenin yeni bir boyutta görülmesini sağlamak için bilinen, değiştirilmemiş olanın alışılagelmiş fikrini yıkmayı amaçlıyor ve izleyiciyi kafa karışıklığına sürükleiyor. Tuvallerinde gerçek şeylerden bir fantezi ve rüya dünyası yaratarak izleyiciyi rüya ve gizem atmosferine sürüklüyor. Sanatçı duygularını nasıl "yönlendireceğini" çok iyi biliyordu. Sanatçının yarattığı dünya statik ve katı gibi görünüyor, ancak gerçeküstü her zaman sıradan olanı istila ederek bu tanıdık dünyayı yok ediyor (bir odadaki sıradan bir elma büyüyor, insanları yerinden ediyor veya bir buharlı lokomotif şömineden tam olarak atlıyor) hız - “Delinmiş Zaman”, 1939).

En sık kopyalanan tablo İnsanın Yaratılışı'dır (1935). Açık bir pencerenin önünde duran şövale üzerinde duran tablodaki deniz görüntüsü, pencereden görülen “gerçek” deniz manzarasıyla mucizevi bir şekilde birleşiyor.

Magritte'in pek çok resminin teması sözde "gizli gerçeklik"ti. Görüntünün bir kısmı, örneğin ana karakterin yüzü bir şeyle (bir elma, bir buket çiçek, bir kuş) kaplıdır. Magritte bu eserlerin anlamını şu şekilde açıklıyor: "Bu resimlerde ilginç olan şey, doğada asla birbirinden ayrılmayan, bilincimize birdenbire patlayan açık ve gizlinin varlığıdır."

Aşıklar'da Rene Magritte, gerçekten aşık olduğumuzda gözlerimizin kapalı olduğunu gösteriyor.

Magritte'in resimlerinin anlaşılması zor anlamını kavramak, onları "açıklamak" çabasıyla izleyicinin zihni çılgınca her ikisine de yapışıyor. Sanatçı ona resmin adını "atıyor" (genellikle iş tamamlandıktan sonra ortaya çıkıyor). Magritte, başlığa resmin algılanmasında belirleyici bir rol verdi. Akrabalarının ve arkadaşlarının anılarına göre, isimleri icat ederken bunları sık sık yazar arkadaşlarıyla tartışıyordu. Sanatçının kendisi bu konuda şunları söylemiştir: "Başlık, resmin işlevinin göstergesidir", "Başlık canlı bir duygu içermelidir", "Resmin en güzel başlığı şiirseldir. Hiçbir şey öğretmemelidir, bunun yerine şaşırtın ve büyüleyin."

Resimlerin başlıklarının çoğu kasıtlı olarak bilimseldir ve içlerinde ironi görülmektedir: “Felsefi lamba” (1937), “Diyalektiğe Övgü” (1937), “Doğal Bilgi” (1938), “Duyular Üzerine İnceleme” (1944) ). Diğer başlıklar şiirsel bir gizem atmosferi yaratıyor: Rüzgarın Kestiği Diyalog (1928), Düşlerin Anahtarı (1930), Acı Süre (1939), Işık İmparatorluğu (1950), Tanrı'nın Çizim Odası (1958).

"Işık İmparatorluğu" tablosu Magritte tarafından hayatının son on yılında yapıldı, ancak hemen onun belki de en popüler eseri haline geldi. O kadar popülerdi ki birçok koleksiyoncu koleksiyonlarında onun kopyalarından birine sahip olmak için her türlü parayı ödemeye hazırdı.

Peki dünyanın her yerindeki insanların zihnini yakalayan bu resim nedir? Üstünkörü bir bakışta basit ve hatta iddiasız görünüyor. Küçük bir gölün kıyısındaki ev, yayılan ağaçların gölgesinde gizlenmiştir. İkinci katın pencereleri rahat bir ışıkla yanıyor, yalnız bir fener, karanlık bir gecede burada olabilecek bir gezgine dost ışığını veriyor. Görünüşe göre sıradan, oldukça gerçekçi bir gece. Herhangi bir "geleneksel" sanatçı böyle bir tablo yazabilir.

Ama bu doğru mu? O halde neden izleyiciyi resme giderek daha yakından bakmaya zorlayan belirsiz bir rahatsızlık ortaya çıkıyor? Bu kaygı aniden berraklaşana kadar bitmeyecek - gökyüzü, işte bu! Neşeyle koşan beyaz tüylü bulutların olduğu mavi bir gökyüzü. Ve bu gecenin geç bir saati! Bunun nasıl mümkün olduğunu sormayın çünkü Magritte'in dünyasında hiçbir şey imkansız değildir. Hiç kimse gibi, bu sanatçı da uyumsuz olanı birleştirmeyi, resimlerine birbiriyle o kadar keskin kontrast oluşturan ayrıntılar eklemeyi seviyor ki izleyici ilk önce hafif bir şok yaşıyor, ancak sonra zihni iki kat daha yoğun çalışmaya başlıyor ve bir çözüm bulmaya çalışıyor. önerilen maskaralığa.

Magritte kendisi hakkında şunları söyledi: “Işık İmparatorluğu'nda farklı kavramları, yani gece manzarasını ve gökyüzünü gün ışığının tüm ihtişamıyla birleştirdim. Manzara bizi geceyi, gökyüzünü, günü düşünmeye sevk ediyor. Bana göre gece ve gündüzün bu eşzamanlı olgusu şaşırtma ve büyüleme gücüne sahip. Ve ben bu güce şiir diyorum.

Rene Magritte bizzat

"Kendi Portresi" ("Dikkatli Bakış")

Çocukluğunu hatırlatarak şöyle yazdı: “Satranç tahtasını, üzerindeki taşları ilk gördüğümde yaşadığım şaşkınlığı hatırlıyorum. Korkutucu izlenim! Gizemli işaretlerin ses anlamına geldiği ve kelimeler olmadığı müzik sayfaları! İşte sanatçının küçük bir erken çalışması - onun yaratıcı manifestosu haline gelen "Kayıp Jokey".

Köpüklü bir atın üzerinde son hızla koşan binici, müzik notalarıyla boyanmış devasa satranç taşlarından oluşan gerçek dışı bir koruda kayboldu.

“Carte blanche” veya “Boşluğun Engeli” tablosu.

Magritte onun hakkında şunları yazdı: “Görünür şeyler görünmez olabilir. Örneğin, bazı insanlar bir ormanda at sürüyorsa, önce onları görürsünüz, sonra görmezsiniz ama orada olduklarını bilirsiniz. “Carte Blanche” tablosunda binici ağaçları gizler, onlar da onu gizler. Ancak düşünme gücümüz görüneni de görünmeyeni de kapsıyor ve resimlerin yardımıyla düşünceleri görünür kılıyorum.”

“Yasak çatallanma” tablosu

Magritte'te yalnızca kuş görüntülerinin çağrışımsal karmaşıklıklardan arınmış olduğunu belirtmek ilginçtir. Kuşlar uçuşun pozitif enerjisini taşırlar, başka bir şey değil. Ölü, düşmüş, kanatları kırık kuş yok. Kuşlar canlıdır ve kanatları Magritte'in parlak mavi ve beyaz sirüs bulutlarıyla doludur (Big Family, 1963).

15 Ağustos 1967'de Rene Magritte kanserden öldü. Hayatta saygın bir eczacıya çok benzeyen 20. yüzyılın sanatçı-sihirbazlarından biri vefat etti.
Sokakta, bohem yaygaradan uzakta, kalabalıktan ayırt edilmesi zor bir Belçikalı adam gibi sessiz ve sakin bir yaşam sürdü. Rüyalar, paradokslar, korkular, gizemli tehlikeler sadece resimlerini etkisi altına aldı, hayatı değil. Sanatçı can sıkıntısıyla yalnızca yaratıcılıkta mücadele etti. Her günün düzenliliği ona çok yakışıyordu, hatta resimlerinin çoğunu yemek odasında yapmıştı ve hayatının sonuna kadar tramvayı diğer ulaşım araçlarına tercih etmişti.
Her nasılsa, ölümünden kısa bir süre önce, bu sofistike usta Magritte şunu söyledi: "Neden yaşayıp öldüğümüzü hâlâ anlamıyorum." Belki de sanatçı, yapboz resimlerinde varlığın nedenlerine ve gizemlerine dair ipuçlarını şifrelemiştir? Herşey olabilir. O halde onlara bir göz atmalısınız!

2 Haziran 2009'da Brüksel'de ünlü sürrealist sanatçı Rene Magritte'nin çalışmalarına adanan yeni bir müze açıldı. Kraliyet Güzel Sanatlar Müzesi buna 2,5 bin metrekarelik bir oda ayırdı. Rene Magritte Müzesi'nin sergisi yazarın 200'den fazla eserini içeriyor - bu dünyadaki en büyük koleksiyon.

(Fr. Rene Francois Ghislain Magritte; doğumlu - 21 Kasım 1898, Lessin, öldü - 15 Ağustos 1967, Brüksel) - Belçikalı sürrealist sanatçı. Esprili ve aynı zamanda şiirsel açıdan gizemli tabloların yazarı olarak bilinir.

René Magritte'e şüpheyle bakıldı. Özellikle doktorlar. Özellikle psikanalistler. Bu sanatçının arkasında herhangi bir zihinsel anormallik fark etmeyenler, bundan sonra fikirlerini keskin bir şekilde tersine çevirdi. Çalışmalarıyla nasıl tanıştınız?

Ancak onların tecavüzlerine yanıt olarak sanatçının kendisi de alaycı bir şekilde, bir psikanalist için en iyi hastanın başka bir psikanalist olduğunu savundu. Ve o günlerin en popüleri olan Sigmund Freud hiç ciddiye alınmadı. Ancak elmalar ve yüzler, fantastik yansımalara sahip aynalar, oturan ölüler için tabutlar ve diğer tuhaflıklar ve anlaşılmazlıklar çizmeye devam etti.

Rene çocukluğunu ve gençliğini küçük sanayi şehri Charleroi'de geçirdi. Hayat zordu.

Rene Magritte "İnsanın Oğlu", 1964.

1912'de annesi, görünüşe göre o zamanlar genç olan geleceğin sanatçısı üzerinde büyük bir etkiye sahip olan Sambre Nehri'nde kendini boğdu. Ceset bulunduğunda kafası ince bir gazlı bezle dikkatlice sarılmıştı.

Muhtemelen Magritte'in eserlerinde yüzlerin, daha doğrusu onların yokluğunun özel bir yer işgal etmesinin nedeni budur. Çoğu zaman, portredeki yüz ya yabancı bir cisimle kaplanır ya da bir beze sarılır ya da yüz yerine sadece başın arkası veya vücudun başka bir kısmı tasvir edilir.

Magritte, çocukluktan, o kadar trajik olmayan ama daha az gizemli olmayan bir dizi başka anıyı geri getirdi ve bunların çalışmalarına yansıdığını kendisi söyledi.

Magritte, 1916'dan itibaren Brüksel'deki Kraliyet Güzel Sanatlar Akademisi'nde okudu ve 1918'de Akademi'den ayrıldı. Aynı zamanda 1922'de evlendiği ve 1967'deki ölümüne kadar birlikte yaşadığı Georgette Berger ile tanıştı.

Tehdit Edilen Suikastçı - 1927

Magritte'in resimleri, sanki soğukkanlı bir üslupla karakterize edilir. Magritte'nin, diğer büyük sürrealistlerden (Dali, Ernst) farklı olarak, neredeyse hiçbir zaman "nesnelliğini" kaybetmediği sıradan nesneleri tasvir ediyorlar: yayılmıyorlar, kendi gölgelerine dönüşmüyorlar. Ancak bu nesnelerin çok tuhaf birleşimi dikkat çekicidir ve düşündürür. Üslubun sakinliği bu sürprizi daha da şiddetlendiriyor ve izleyiciyi, şeylerin gizeminin neden olduğu bir tür şiirsel sersemliğe sürüklüyor.

Rene, 14 yaşındayken Georgette adında bir kızla tanışır. Birkaç yıl sonra sanatçının eşi, sevgilisi, ilham perisi, meslektaşı ve arkadaşı olur; sanatçının tek kadın modeli. Hayatında başka kadın yoktu. Georgette'in güzel yüzü Magritte'in resimlerinde anlaşılması zor. Ele geçirilmesi zor bir güzellik gibi puslu ve şifrelidir.

Gecenin Anlamı 1927

Magritte'in amacı, kendi itirafıyla, izleyiciyi düşündürmektir. Bu nedenle sanatçının resimleri, varlığın özüne dair soruları gündeme getirdiği için çoğu zaman tamamen çözülemeyen bulmacaları andırıyor: Magritte her zaman görünenin aldatıcılığından, onun genellikle fark etmediğimiz gizli gizeminden bahsediyor. Sanatçının sıradan nesnelerin altına yazdığı bir çalışma döngüsü var: Bu o değil. Özellikle popüler olan, "Bu bir pipo değil" başlığıyla bir sigara piposunu tasvir eden "İmajların İhaneti" tablosudur. Böylece Magritte, nesnenin görüntüsünün nesnenin kendisi olmadığını izleyiciye bir kez daha hatırlatır.

Dali ve diğer gerçeküstücüler gibi o da hayalleri ve düşünceleri tuvale aktardı. ama eleştirmenlerin onu sürrealist olarak adlandırmasından nefret ediyordu. Magritte kendi kendine "Ben büyülü bir gerçekçiyim" dedi.

Rene, 18 yaşındayken Brüksel Güzel Sanatlar Akademisi'nde okumaya gitti ve burada gerçek hayatın ayrıntılarını tuvale aktarmanın onun için ölümcül bir özlem olduğunu hemen anladı. Burada Fernand Léger'in ruhuna uygun olarak kübizm ve fütürizmden "hastalanır", ancak Max Ernst ve Giorgio de Chirico'nun çalışmalarıyla tanışarak iyileşir.

Zamanın Taşınması 1938

Genel olarak Magritte'de resimlerin isimleri özel bir rol oynamaktadır. Neredeyse her zaman şiirseldirler ve ilk bakışta görüntünün kendisiyle hiçbir ilgisi yoktur. Ve sanatçının kendisi de bunların önemini tam olarak burada gördü: İsim ile resim arasındaki gizli şiirsel bağlantının, Magritte'in sanatın amacı olarak gördüğü o büyülü sürprize katkıda bulunduğuna inanıyordu.

1921'de Magritte askere alındı ve bir yıl sonra sivil hayata döndükten sonra bir duvar kağıdı fabrikasında teknik ressam olarak işe girdi ve burada gülleri kağıda çok detaylı bir şekilde yazmak için saatler harcadı (güller daha sonra güllerden biri olacaktı). resimlerinin ana motiflerinden biri - ölümcül ve güvensiz güzelliğin sembolü - "Bir savaşçının mezarı", 1961). Daha sonra erkek kardeşiyle birlikte bir reklam ajansı açar ve bu da onların acil sorunları kısa sürede unutmasını sağlar.

1930'da Breton'la kopuş yaşandı. Magritte Brüksel'e döner ve Paul Delvaux ile birlikte buradaki sürrealist hareketin liderlerinden biri olur. Bu verimli faaliyet döneminde Magritte, en sık kopyalanan tablosu The State of Man (1935) dahil olmak üzere gizemli ve şiirsel konuları içeren bir dizi resim yarattı. Açık bir pencerenin önünde duran şövale üzerinde duran tablodaki deniz görüntüsü, pencereden görülen “gerçek” deniz manzarasıyla mucizevi bir şekilde birleşiyor.

Almanlar 1940'ta Belçika'yı işgal ettiğinde, Magritte ilk olarak Carcassonne'da (Fransa) üç ay sürgünde kaldı ve ardından savaştan sağ kurtulduğu Brüksel'e döndü. Savaşın hemen ardından Magritte, Renoir ve Matisse tarzında geniş vuruşlarla resim yapmaya karar verdi ve bunu o yılların genel karamsarlığının aksine neşe bulma ihtiyacıyla açıkladı. Magritte'nin çalışmalarındaki bu döneme çoğunlukla "parlak güneş" ("plein soleil") dönemi denir. Ancak gizem resimlerinin ustasının çalışmalarındaki empresyonizm ve fovizm motifleri halkı ve eleştiriyi ikna etmedi ve 1948'de sanatçı kendi tarzına geri döndü.

"Soru olarak rastgele bir nesneyi veya konuyu alıyorum" diye yazdı, "ve ardından yanıt olarak hizmet edebilecek başka bir nesne aramaya başlıyorum. Bir cevaba aday olabilmek için, aranan nesnenin soru nesnesine bir dizi gizemli bağlantıyla bağlanması gerekir. Cevap tüm açıklığıyla ortaya çıkıyorsa, iki nesne arasındaki bağlantı kuruluyor demektir." Ve yine: "Benim için düşünce başlangıçta sadece görünen şeylerden oluşur ve resim sayesinde kendisi görünür hale gelebilir." René Magritte

50'li yıllarda sanatçı en ünlü eserlerinden bazılarını yaratıyor. Bunların arasında "Golconda" (1953) tablosu da var. Sanatçı, düzinelerce düzgün giyimli kiracıyı (melon şapkalar, kravatlar ve modaya uygun paltolarla) sınırsız bir alanda mutlak bir sakinliği koruyarak havada asılı dururken tasvir etti. Golconda, Hindistan'da sayısız hazine ve zenginlikle eşanlamlı hale gelen antik bir şehirdir, çünkü burada birçok ünlü elmas ve diğer değerli taşlar bulunmuştur. Resimdeki insanlar Golconda'nın hazinelerinden etkilenmiş gibi görünüyor.

1950-1960'da Rene Magritte'in resimleri, bir sezon boyunca yalnızca onun sergilerinin düzenlendiği ABD sanat pazarını sarstı. Her taraftan para akıyordu, ancak akrabalarının iddia ettiği gibi nazik bir eczacı yüzüne sahip bu adam kendine sadık kaldı: bohemlik yok, mütevazı bir ev, sessiz bir atölye ve en sevdiği ulaşım aracı olan tramvaya binmek.

Magritte, 15 Ağustos 1967'de 69 yaşında kanserden öldü ve belki de en ünlü tablosu Işık İmparatorluğu'nun yeni bir versiyonunu yarım bıraktı. Sonsuza kadar odalarında bir şövale üzerinde kaldı. Georgette kocasına dönerek şöyle dedi: “Bir konuda yanıldın; kendi hayatının sonluluğu konusunda, ölümün her şeye karşı kazandığı zafer konusunda. Sadece benim için değil, resimlerine bakan herkes için hayatta kaldın; sonuçta hepiniz onların içindesiniz. Onlara bakıyorum, seninle konuşuyorum ve her zaman yaptığım gibi tartışıyorum. Yine de hayalini kurduğun şeyi yaptın. Aynanın içine girdin ama kaldın. Sen ölümü yendin."

Bilinen, değişmez olanın alışılagelmiş fikrini yıkmaya, nesneyi yeni bir boyutta görmeye çalışarak izleyiciyi kafa karışıklığına sürüklemeye çalıştı. Tuvallerinde gerçek şeylerden bir fantezi ve rüya dünyası yaratarak izleyiciyi rüya ve gizem atmosferine sürüklüyor. Sanatçı duygularını nasıl "yönlendireceğini" çok iyi biliyordu. Sanatçının yarattığı dünya statik ve katı gibi görünüyor, ancak gerçeküstü her zaman sıradan olanı istila ederek bu tanıdık dünyayı yok ediyor (bir odadaki sıradan bir elma büyüyor, insanları yerinden ediyor veya bir buharlı lokomotif şömineden tam olarak atlıyor) hız - “Delinmiş Zaman”, 1938).

Belçikalı sürrealist sanatçı Rene Magritte - hayatı ve çalışması güncellenme tarihi: 21 Ekim 2018: İnternet sitesi

Bella Adzeeva

Belçikalı sanatçı Rene Magritte, şüphesiz gerçeküstücülüğe ait olmasına rağmen, hareket içinde her zaman ayrı durdu. İlk olarak, belki de tüm Andre Breton grubunun ana tutkusu olan Freud'un psikanalizi konusunda şüpheciydi. İkincisi, Magritte'in resimleri ne Salvador Dali'nin çılgın entrikalarına ne de Max Ernst'in tuhaf manzaralarına benzemiyor. Magritte çoğunlukla sıradan gündelik imgeleri (ağaçlar, pencereler, kapılar, meyveler, insan figürleri) kullanmıştır, ancak resimleri eksantrik meslektaşlarının çalışmalarından daha az absürt ve gizemli değildir. Belçikalı sanatçı, bilinçaltının derinliklerinden fantastik nesneler ve yaratıklar yaratmadan, Lautreamont'un sanat dediği şeyi yaptı - banal şeyleri sıradan olmayan bir şekilde birleştirerek "ameliyat masasında bir şemsiye ve daktilo buluşması" düzenledi. Sanat eleştirmenleri ve uzmanlar, resimlerine ve şiirsel başlıklarına ilişkin, neredeyse hiçbir zaman resimle ilişkilendirilmeyen yeni yorumlar sunmaya devam ediyor; bu da Magritte'in sadeliğinin aldatıcı olduğunu bir kez daha doğruluyor.

Rene Magritte, sanatını gerçeküstücülük değil, büyülü gerçekçilik olarak adlandırdı ve herhangi bir yorumlama girişimine ve hatta daha da önemlisi sembol arayışına karşı çok güvensizdi ve resimlerle yapılacak tek şeyin onları düşünmek olduğunu savundu.

O andan itibaren Magritte periyodik olarak melon şapkalı gizemli bir yabancı imajına geri döndü ve onu ya kumlu bir deniz kıyısında, ya bir şehir köprüsünde, ya da yeşil bir ormanda ya da bir dağ manzarasına bakarken tasvir etti. İki ya da üç yabancı olabilir, izleyiciye sırtları dönük ya da yarı taraflı dururlardı ve bazen - örneğin High Society (1962) tablosunda olduğu gibi ("High Society" olarak tercüme edilebilir - ed.) - sanatçı yalnızca melon şapkalı adamların ana hatlarını göstererek onu bulutlar ve yapraklarla doldurdu. Bir yabancıyı tasvir eden en ünlü tablolar "Golconda" (1953) ve elbette "İnsanın Oğlu" (1964)'tur - Magritte'in en çok kopyalanan eseri, parodileri ve imaları o kadar yaygındır ki, görüntü zaten kendisinden ayrı olarak yaşar. yaratıcı. Başlangıçta Rene Magritte, resmi bir otoportre olarak çizdi; burada bir adam figürü, bireyselliğini kaybetmiş, ancak günaha karşı koyamayan Adem'in oğlu olarak kalan modern bir adamı simgeliyordu - dolayısıyla yüzünü kaplayan elma.

"Aşıklar"

Rene Magritte sık sık resimleri hakkında yorum yaptı, ancak en gizemli olanlardan birini - "Aşıklar" (1928) - açıklama yapmadan bıraktı ve sanat eleştirmenlerinin ve hayranlarının yorumuna yer bıraktı. İlki, resimde yine sanatçının çocukluğuna ve annesinin intiharıyla ilgili deneyimlere bir gönderme gördü (cesedi nehirden çıkarıldığında kadının başı geceliğinin eteğiyle örtülmüştü). Mevcut versiyonların en basit ve en bariz olanı - "aşk kördür" - resmi genellikle tutku anlarında bile yabancılaşmanın üstesinden gelemeyen insanlar arasındaki izolasyonu aktarma girişimi olarak yorumlayan uzmanlar arasında güven uyandırmıyor. Diğerleri burada yakın insanları anlamanın ve sonuna kadar bilmenin imkansızlığını görüyor, diğerleri "Aşıklar" ı "aşktan aklını kaybetmek" için gerçekleşmiş bir metafor olarak anlıyor.

Aynı yıl Rene Magritte, "Aşıklar" adlı ikinci bir tablo çizdi - üzerinde bir erkek ve bir kadının yüzleri de kapalı, ancak pozları ve arka planları değişti ve genel ruh hali gerginden huzurluya dönüştü.

Her ne olursa olsun, "Aşıklar", Magritte'in gizemli atmosferini günümüz sanatçıları tarafından ödünç alınan en tanınmış tablolarından biri olmaya devam ediyor - örneğin, İngiliz grup Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep'in ilk albümünün kapağı. Conversation'da (2003) buna gönderme yapılıyor.

"Görüntülerin ihaneti" ya da değil ...

Rene Magritte'in resimlerinin isimleri ve resimle olan bağlantısı ayrı bir çalışmanın konusudur. "Cam Anahtar", "İmkansızı Başarmak", "İnsanın Kaderi", "Boşluğun Engeli", "Güzel Dünya", "Işık İmparatorluğu" şiirsel ve gizemlidir, izleyicinin tuvalde gördüklerini neredeyse hiçbir zaman tarif etmezler, ama sanatçının isme ne anlam katmak istediği hakkında, her durumda sadece tahmin etmek gerekir. Magritte, "Başlıklar öyle seçilmiş ki, resimlerimi, düşünce otomatizminin kaygıyı önlemek için kesinlikle işe yarayacağı tanıdık alana yerleştirmeme izin vermiyor," diye açıkladı.

1948'de üzerindeki yazı sayesinde Magritte'in en ünlü eserlerinden biri haline gelen "Görüntülerin İhaneti" tablosunu yarattı: Sanatçı tutarsızlıktan inkara gitti, pipo imgesinin altına "Bu bir pipo değil" yazdı. . "O meşhur pipo. İnsanlar beni bununla nasıl suçladılar! Ama yine de içini tütünle doldurabilirsin? Hayır, bu sadece bir resim, değil mi? Yani resmin altına "Bu bir pipo" yazsaydım, yapardım. yalan söylüyorsun!" dedi sanatçı.

Gökyüzü Magritte

Üzerinde bulutların süzüldüğü gökyüzü o kadar gündelik ve kullanılmış bir görüntü ki, onu belirli bir sanatçının "kartviziti" haline getirmek imkansız görünüyor. Bununla birlikte, Magritte'in gökyüzü başkasınınkiyle karıştırılamaz - daha çok resimlerinde süslü aynalara ve kocaman gözlere yansıması, kuşların hatlarını doldurması ve manzaradan gelen ufuk çizgisiyle birlikte fark edilmeden geçmesi nedeniyle şövale ("İnsanın Kaderi" dizisi). Sakin gökyüzü, melon şapkalı bir yabancı için arka plan görevi görür ("Decalcomania", 1966), odanın gri duvarlarının yerini alır ("Kişisel Değerler", 1952) ve üç boyutlu aynalarda kırılır ("Temel Kozmogoni") , 1949).

Görünüşe göre ünlü "Işık İmparatorluğu" (1954), Magritte'in çalışmalarına hiç benzemiyor - akşam manzarasında, ilk bakışta alışılmadık nesnelere ve gizemli kombinasyonlara yer yoktu. Yine de böyle bir kombinasyon var ve bu da "Magritte" resmini oluşturuyor - bir gölün üzerinde açık bir gündüz gökyüzü ve karanlığa gömülmüş bir ev.

Burada Rene Magritte'in resimlerini başlıklarıyla birlikte yayınladım. Ayrıca bu adamın karakteri ve felsefesi hakkında birkaç gerçek. Bu sanatçının biyografisi hakkında daha fazla bilgi edinmek isteyenlere Monsenyör Magritte filmini izlemenizi tavsiye ederim.

Bu yazıyı uzun bir süre erteledim, Rene Magritte'i sevmediğimden değil, tam tersi bu olgunun öneminden dolayı. Aslında benim anlayışıma göre resimde sürrealizmin temel direkleri iki kişidir: Salvador Dali ve Rene Magritte. Fantazideki Tolkien ve Lewis gibiler. Magritte ve Dali tüm gerçeküstücüleri etkilemiştir ve etkilemeye devam etmektedir.

Ancak resimleri farklı olduğu kadar tamamen farklı iki kişiydiler. Rene Magritte, Dali'nin ve aslında diğer tüm gerçeküstücülerin aksine, halkı şok etmekten hoşlanmadı, kavga etmedi, ilham için sinek mantarı kullanmadı ve tüm hayatını tek bir kadınla geçirdi - karısı Georgette, ana ilham perisi, akraba ruh ve model.

Rene Magritte'nin Felsefesi

İlginç olan, Dali ile birlikte sürrealizmin klasiği olarak kabul edilen adamın, psikanalizin ana yerlerden birini işgal ettiği bu akımın felsefesini bile tanımamış olmasıdır. Belçikalı, yaratıcılığın analiz edilemeyeceğine, bunun bir bilmece, felsefi bir bilmece olduğuna, ancak Freudcu analizin konusu olmadığına inanıyordu.

Bu felsefe göz önüne alındığında, birçok eserinin sıklıkla şaşkınlığa ve sanatçının sizinle dalga geçtiği hissine neden olması şaşırtıcı değildir. Açıkçası, bu tür belirsizlik ve sembolizm, resimlerinde birçok parodi ve enstalasyonun yaratılmasına katkıda bulundu. Bu konuda özellikle popüler olan “insan oğlu” tablosudur.

Oldukça düzgün bir kasabalı :) Bu uzay giysisiyle sana göre bir Dali değil :)

Genel olarak Magritte sessiz, sakin bir insandı ve kafasında en ilginç şeyler oluyordu. Belki de Dali'den farklı olarak Rene Magritte hakkında bu kadar az film yapılmasının nedeni budur.

Biyografisindeki gerçekleri burada kuru bir şekilde sıralamayacağım, bunu zaten 100.500 kişi benim için yaptı. İnsanların bloga bunun için gittiklerini sanmıyorum, sonuçta pediwiki bunun için var. Bu sanatçının biyografisine daha yakından bakmak istiyorsanız, Mösyö Rene Magritte (Mösyö Rene Magritte) 1978 filmini izlemenizi tavsiye ederim. Kuru bir Wikipedia metnini okumaktan daha ilginç (pediviki'ye olan saygımla).

Rene Magritte'in başlıklarıyla birlikte resimleri

Bu adam bize anlatmak istediği her şeyi resimleriyle söyledi. Rene Magritte'in resimleri, Dali'nin tuhaf vizyonlarının fırtınalı baskısının aksine, daha sakin ve felsefidir. Ayrıca Magritte'in tuvalleri çok tuhaf bir mizah anlayışıyla doludur. Sadece altta bir imza bulunan bir pipo resmine değer olan şey - bu bir pipo değil.

La Philosophie dans le boudoir (Yatak odasında felsefe)

La Magie noire (Kara Büyü) Resimlerindeki kadın görsellerinin tamamının eşinin görselleri olduğu söyleniyor. Bu resme baktığınızda neden tüm hayatını tek bir kadınla yaşadığını anlamaya başlıyorsunuz. Bana göre Gala'dan çok daha güzel.

La Memoire (Hafıza).

Cosmogonie Elementaire (Temel Kozmogoni).

La Naissance de l'idole (Bir idolün doğuşu).

La Belle esir (Güzel Esir).

L'Invention kolektifi (Kolektif buluş), Rene Magritte'nin tablosu.

Les Amants (Aşıklar), Rene Magritte, resimler, gerçeküstücülük.

Le Therapeute II (Terapist II), Rene Magritte, sanatçılar, gerçeküstücülük.

Le Fils de l'homme (İnsanın Oğlu), Rene Magritte. Sanatçının en ünlü tablolarından biri.

Le Sahte miroir (Sahte ayna),

Le Coup au coeur (Kalbe vuruş)

Alogizm, saçmalık, görüntülerin ve figürlerin uyumsuz, paradoksal görsel değişkenliğinin bir kombinasyonu - bu, gerçeküstücülüğün temellerinin temelidir. Bu eğilimin kurucusunun, sürrealizmin kalbinde Sigmund Freud'un bilinçaltı teorisinin somutlaşmış halini gören kişi olduğu düşünülüyor. Bu temelde, yönün pek çok temsilcisinin, nesnel gerçekliği yansıtmayan, ancak yalnızca bilinçaltından ilham alan bireysel görüntülerin somutlaşmış hali olan başyapıtlar yaratmasıydı. Sürrealistlerin yaptığı tuvaller ne iyiliğin ne de kötülüğün ürünü olamaz. Hepsi farklı insanlarda farklı duygular uyandırdı. Dolayısıyla modernizmin bu yönünün oldukça tartışmalı olduğunu, bunun da resim ve edebiyatta hızla yayılmasına katkıda bulunduğunu güvenle söyleyebiliriz.

XX yüzyılın yanıltıcı ve edebiyatı olarak gerçeküstücülük

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes ve Dorothy Tanning, 1920'lerde Fransa'da ortaya çıkan gerçeküstücülüğün temel direkleridir. Bu yön bölgesel olarak Fransa ile sınırlı kalmadı, diğer ülkelere ve kıtalara da yayıldı. Sürrealizm, kübizm ve soyut sanatın algılanmasını büyük ölçüde kolaylaştırdı.

Sürrealistlerin ana varsayımlarından biri, yaratıcıların enerjisinin, kendini bir rüyada, hipnoz altında, bir hastalık sırasında hezeyan halinde veya rastgele yaratıcı içgörülerde gösteren bir kişinin bilinçaltıyla özdeşleştirilmesiydi.

Sürrealizmin ayırt edici özellikleri

Sürrealizm, birçok sanatçının kendi yöntemleriyle anladığı ve anladığı, resimde karmaşık bir yöndür. Bu nedenle gerçeküstücülüğün kavramsal olarak iki farklı yönde gelişmesi şaşırtıcı değildir. Miro, Max Ernst, Jean Arp ve André Masson, eserlerinde ana yerin sorunsuz bir şekilde soyutlamaya dönüşen görüntüler tarafından işgal edildiği ilk şubeye güvenle atfedilebilir. İkinci dal, bir kişinin bilinçaltı tarafından oluşturulan gerçek dışı bir görüntünün yanıltıcı bir doğrulukla somutlaştırılmasını temel alır. Akademik resmin ideal bir temsilcisi olan Salvador Dali bu yönde çalıştı. Chiaroscuro'nun doğru aktarımı ve dikkatli bir yazma tarzı ile karakterize edilen eserleridir - yoğun nesneler somut şeffaflığa sahipken, katı olanlar yayılır, masif ve hacimli figürler hafiflik ve ağırlıksızlık kazanır ve uyumsuz olanlar bir arada birleştirilebilir.

Rene Magritte'nin Biyografisi

Salvador Dali'nin eserleriyle aynı seviyede olan, 1898 yılında Lesin şehrinde doğan ünlü Belçikalı sanatçı Rene Magritte'nin eseridir. Rene hariç ailede. iki çocuk daha vardı ve 1912'de gelecekteki sanatçının hayatını ve çalışmalarını etkileyen bir talihsizlik yaşandı - annesi öldü. Bu, Rene Magritte'nin 1936'da yaptığı "Mack Sennett'in Anısına" adlı tablosuna da yansıdı. Sanatçı, koşulların hayatını ve işini etkilemediğini iddia etti.

1916'da Rene Magritte Brüksel Sanat Akademisi'ne girdi ve burada gelecekteki ilham perisi ve eşi Georgette Berger ile tanıştı. Rene, Akademi'den mezun olduktan sonra tanıtım malzemelerinin oluşturulması üzerinde çalıştı ve bu konuya oldukça küçümseyici davrandı. Fütürizm, kübizm ve Dadaizm'in sanatçı üzerinde büyük etkisi oldu, ancak Rene Magritte ilk kez 1923'te Giorgio de Chirico'nun "Aşk Şarkısı" adlı eserini gördü. Sürrealist Rene Magritte'in gelişiminin başlangıç noktası işte bu andı. Aynı zamanda Brüksel'de bir akım oluşmaya başladı ve Rene Magritte, Marcel Lekamte, André Suri, Paul Nouget ve Camille Gemans ile birlikte onun temsilcisi oldu.

Rene Magritte'nin eseri.

Bu sanatçının eserleri her zaman tartışılmış ve büyük ilgi görmüştür.

İlk bakışta Rene Magritte'nin tablosu sadece gizemli değil aynı zamanda belirsiz olan tuhaf görüntülerle doludur. Rene Magritte sürrealizmde biçim konusuna değinmemiş, resmin anlamı ve anlamı üzerine kendi vizyonunu ortaya koymuştur.

Birçok sanatçı unvanlara özel önem veriyor. Özellikle Rene Magritte'e. "Bu bir pipo değil" veya "İnsanoğlu" isimlerini taşıyan resimler izleyicide düşünür ve filozofu uyandırıyor. Ona göre sadece resim izleyiciyi duyguları göstermeye teşvik etmemelidir, aynı zamanda başlık da şaşırtmalı ve düşündürmelidir.
Açıklamalara gelince, pek çok gerçeküstücü tuvallerine kısa bir açıklama yaptı. Rene Magritte de bir istisna değil. Açıklamalı tablolar sanatçının reklam faaliyetlerinde her zaman yer almıştır.

Sanatçının kendisi kendisini "sihirli gerçekçi" olarak nitelendirdi. Amacı bir paradoks yaratmaktı ve kamuoyu kendi sonuçlarını çıkarmalıydı. Rene Magritte, çalışmalarında öznel imaj ile gerçek gerçeklik arasında her zaman net bir çizgi çizdi.

"Aşıklar" tablosu

Rene Magritte, 1927-1928'de Paris'te bir dizi "Aşıklar" tablosu yaptı.

İlk resimde öpüşerek birleşen bir adam ve bir kadın görülüyor. Başları beyaz bir beze sarılıdır. İkinci tuval, resimden halka bakan aynı beyaz kumaşlı erkek ve kadını tasvir ediyor.

Sanatçının eserindeki beyaz kumaş hararetli tartışmalara neden oluyor ve yol açıyor. İki versiyonu var. Rene Magritte'nin eserlerindeki ilk beyaz kumaşa göre, annesinin erken çocukluk dönemindeki ölümüyle bağlantılı olarak ortaya çıktı. Annesi köprüden nehre atladı. Cesedi sudan çıkarıldığında başına sarılı beyaz bir bez bulundu. İkinci versiyona gelince, pek çok kişi sanatçının popüler filmin kahramanı Fantômas'ın hayranı olduğunu biliyordu. Dolayısıyla beyaz kumaşın sinema tutkusuna bir övgü olduğu düşünülebilir.

Bu resim neyle ilgili? Pek çok insan "Aşıklar" tablosunun kör aşkı kişileştirdiğini düşünüyor: aşık olduklarında insanlar ruh eşlerinden başka birini veya bir şeyi fark etmeyi bırakırlar. Ancak insanlar kendilerine bir sır olarak kalıyor. Öte yandan aşıkların öpüşmelerine bakıldığında aşktan ve tutkudan kafalarını yitirdikleri söylenebilir. Rene Magritte'nin tablosu karşılıklı duygu ve deneyimlerle doludur.

"Adamın oğlu"

Rene Magritte'nin "İnsanın Oğlu" adlı tablosu, "büyülü gerçekçiliğin" ve Rene Magritte'nin otoportresinin damgasını vurdu. Ustanın en tartışmalı eserlerinden biri olarak kabul edilen bu eserdir.

Sanatçı, sanki her şeyin göründüğü gibi olmadığını, insanların sürekli insanın ruhuna girip şeylerin gerçek özünü anlamak istediklerini söyler gibi yüzünü bir elmanın arkasına sakladı. Rene Magritte'nin tablosu ustanın özünü hem gizler hem de ortaya çıkarır.

Rene Magritte gerçeküstücülüğün gelişmesinde önemli bir rol oynadı ve çalışmaları giderek daha fazla yeni neslin zihnini heyecanlandırmaya devam ediyor.