Temat poety i poezji w twórczości A. Achmatowej

Achmatowa opowiedziała o tym, jak w serialu rodzi się poezja „Tajemnice rzemiosła”. Połączenie tych dwóch słów jest niezwykłe, połączenie sacrum i zwyczajności - jedno z nich jest dosłownie nierozłączne od drugiego, jeśli chodzi o kreatywność. Dla Achmatowej jest to zjawisko tego samego porządku co życie, a jego proces przebiega zgodnie z wolą sił dyktujących bieg życia. Werset ten jawi się jako „grzmot umierającego pioruna”, jak dźwięk triumfujący „w otchłani szeptów i dzwonień”. A zadaniem poety jest go złapać, usłyszeć, jak dobiegają skądś „słowa i lekkie rymowanki”.
Proces twórczy, narodziny poezji Achmatowej utożsamiany jest z procesami zachodzącymi w życiu, w przyrodzie. A obowiązkiem poety, jak się wydaje, nie jest wymyślanie, ale jedynie, usłyszawszy, zapisanie. Ale od dawna zauważono, że artysta w swojej twórczości nie stara się postępować tak, jak w życiu, ale tworzy jak samo życie. Achmatowa podejmuje także rywalizację z życiem („Nie rozliczyłam rachunków z ogniem, wiatrem i wodą…”). Poezja Achmatowej pozwala dotrzeć do najgłębszego znaczenia tego, co robi i robi życie. Anna Achmatowa powiedziała tak:

« Gdybyś tylko wiedział, jakie bzdury

Wiersze rosną bez wstydu,

Jak żółty mniszek lekarski przy płocie,

Jak łopian i komosa ryżowa.

Ale śmieci ziemi stają się glebą, na której rośnie poezja, unosząc ze sobą człowieka („Dla mnie moje sny nagle otworzą bramy i poprowadzą mnie do gwiazdy porannej”). Dlatego w tekstach Achmatowej poeta i świat mają równą relację – szczęście bycia obdarowanym jest w poezji nierozerwalnie związane ze świadomością możliwości dawania hojnie, po królewsku:

Pewnie chce dużo więcej
Do zaśpiewania moim głosem:

To co bez słów dudni,
Albo w ciemności podziemny kamień ściera się,
Albo przebija się przez dym.

Dla Achmatowej sztuka jest w stanie wchłonąć świat i tym samym go wzbogacić, a to decyduje o jej skutecznej mocy, miejscu i roli artysty w życiu człowieka. Mając poczucie danej jej mocy, Achmatowa żyła życiem poezji. „Jesteśmy skazani – i sami o tym wiemy – mamy marnować, a nie ratować” – mówiła na samym początku swojej drogi poetyckiej, w piętnastym roku życia. To właśnie pozwala wersetowi zyskać nieśmiertelność, jak to trafnie zostało powiedziane aforystycznie:

Złoto rdzewieje i stal gnije,
Marmur się kruszy. Wszystko jest gotowe na śmierć.

Najtrwalszą rzeczą na ziemi jest smutek
I trwalsze jest królewskie słowo.

Podczas spotkania z wierszami Achmatowej mimowolnie przywołuje się imię Puszkina: klasyczna klarowność, ekspresja intonacyjna wiersza Achmatowej, jasno wyrażone stanowisko akceptacji świata przeciwnego człowiekowi - wszystko to pozwala nam mówić o zasadzie Puszkina, która wyraźnie ujawnia się w poezji Achmatowej. Najbliższe jej było imię Puszkina – z nim wiązano ideę tego, co stanowi istotę poezji. W poezji Achmatowej prawie nie ma bezpośrednich ech wierszy Puszkina; wpływ Puszkina odczuwa się tu na innym poziomie – filozofii życia, uporczywego pragnienia wierności jedynie poezji, a nie potędze władzy czy żądaniom państwa. tłum. Z tradycją Puszkina wiąże się charakterystyczna dla Achmatowej skala myśli poetyckiej i harmonijna precyzja wiersza, umiejętność dostrzegania uniwersalnego znaczenia niepowtarzalnego ruchu emocjonalnego, korelowania sensu historii z poczuciem nowoczesności, wreszcie różnorodność wątków lirycznych, spajanych osobowością poety, który jest zawsze współczesnym czytelnikowi.
Achmatowa na zawsze związała swój los z losem ojczyzny, a kiedy po rewolucji przyszedł czas wyboru, nie wahała się: pozostała przy ojczyźnie, z ludem, deklarując to stanowczo i głośno w wierszu „Miałem głos. Zadzwonił pocieszająco...”
Ale Achmatowa nie zamierzała zostać piosenkarką zwycięskiej klasy.
Nie zaprzeczyła rewolucji wielkości jej celów, ale Achmatowa była przekonana, że ich potwierdzenia nie da się osiągnąć.

zademonstrować profanację człowieczeństwa, okrucieństwo, które w epoce porewolucyjnej przedstawiano jako najskuteczniejszy środek ustanowienia dobra i sprawiedliwości. Jej wiersze, powstałe z czasów, gdy w imię wzniosłych ideałów bezsensownie niszczono wiele ludzkich losów i deptano życia, przepełnione są nieuniknioną goryczą:

Nie będziesz żywy

Nie możesz wstać ze śniegu.

Dwadzieścia osiem bagnetów,

Pięć strzałów.

Gorzka aktualizacja

Szyłam dla przyjaciółki.

Kocha, kocha krew

Ziemia rosyjska.

Wiersze Achmatowej wyraźnie nie odpowiadały wyobrażeniom o sensie istnienia i celu poezji, które coraz częściej utwierdzały się w epoce porewolucyjnej: jej poezję deklaruje się jako własność przeszłości, wrogą rewolucyjnej rzeczywistości. Wkrótce jej wiersze w ogóle przestały być publikowane, a nawet jej nazwisko pojawiało się sporadycznie, tylko w ostro krytycznym kontekście. Czas potraktował Achmatową niezwykle okrutnie.
Żałoba, której wówczas doświadczyła i która pozostała z nią do końca życia, będzie powracać echem w jej wierszach:

„Na progu białego raju, patrząc wstecz, krzyknął: „Czekam!” „Przywołałem śmierć na moich bliskich, a oni umierali jeden po drugim”.
Achmatowa dowiedziała się o egzekucji swojego męża Gumilowa z gazet.

Do arcydzieł tekstów Achmatowej:
Jesień splamiona łzami, jak wdowa
Ubrani na czarno, wszystkie serca są zachmurzone...
Wracając do słów mojego męża,
Ona nie przestanie płakać.
I tak będzie aż do najcichszego śniegu
Nie zlituje się nad smutnymi i zmęczonymi...
Zapomnienie bólu i zapomnienie błogości - Oddać za to wiele życia.
W poezji rosyjskiej jest wiele pięknych opisów jesieni. Achmatowa nie opisuje - odtwarza wewnętrzny, psychiczny stan, który w życiu codziennym często charakteryzuje się słowem jesień: tutaj gorycz i melancholia łączą się.

Kompozycja

Anna Achmatowa pracowała w bardzo trudnym czasie, czasie katastrof i wstrząsów społecznych, rewolucji i wojen. Poeci w Rosji w tej burzliwej epoce, kiedy ludzie zapomnieli, czym jest wolność, często musieli wybierać między swobodną twórczością a życiem. Ale pomimo tych wszystkich okoliczności poeci nadal czynili cuda: powstawały wspaniałe wersety i zwrotki. Źródłem inspiracji dla Achmatowej była Ojczyzna, Rosja, która została zbezczeszczona, ale przez to stała się jeszcze bliższa i droższa. Anna Achmatowa nie mogła wyemigrować, bo wiedziała, że tylko w Rosji może tworzyć, że to w Rosji potrzebna jest jej poezja.

* Nie jestem z tymi, którzy opuścili ziemię
* Być rozerwanym na kawałki przez wrogów.
* Nie zważam na ich niegrzeczne pochlebstwa,
* Nie dam im moich piosenek.

Ale pamiętajmy o początkach drogi poetki. Jej pierwsze wiersze ukazały się w Rosji w 1911 roku w czasopiśmie „Apollo”, a rok później ukazał się tomik poezji „Wieczór”. Niemal natychmiast Achmatowa została uznana przez krytyków za jednego z największych rosyjskich poetów. Cały świat wczesnej i pod wieloma względami późniejszej poezji Achmatowej był związany z A. Blokiem. Muza Bloka okazała się żoną muzy Achmatowej. Bohater poezji Bloka był najbardziej znaczącym i charakterystycznym „męskim” bohaterem epoki, bohaterka poezji Achmatowej była przedstawicielką poezji „kobiecej”. To z obrazów Bloka w dużej mierze pochodzi bohater tekstów Achmatowa. Achmatowa w swoich wierszach pojawia się w nieskończonej różnorodności losów kobiet: kochanków i żon, wdów i matek, zdradzających i porzuconych. Achmatowa pokazała w sztuce złożoną historię kobiecego charakteru epoki zaawansowanej, jej pochodzenie i przełamanie nowej formacji. Dlatego w 1921 roku, w dramatycznym momencie swojego życia i życia każdego człowieka, Achmatowa mogła napisać wersety, które zostały zdumiewająco aktualne:

* Wszystko zostało skradzione, zdradzone, sprzedane,
* Błysnęło skrzydło Czarnej Śmierci,
* Wszystko pożera głodna melancholia,
* Dlaczego czuliśmy się lekko?

Zatem w pewnym sensie Achmatowa była także poetką rewolucyjną. Zawsze jednak pozostała tradycyjną poetką, która stawiała się pod sztandarem klasyków rosyjskich, przede wszystkim Puszkina. Rozwój świata Puszkina trwał przez całe jego życie.

Istnieje ośrodek, który niejako sprowadza do siebie resztę świata poezji, okazuje się być głównym nerwem, ideą i zasadą. To jest miłość. Żywioł kobiecej duszy nieuchronnie musiał zacząć się od takiego wyznania miłości. W jednym ze swoich wierszy Achmatowa nazwała miłość „piątą porą roku”. Uczucie samo w sobie ostre i niezwykłe zyskuje dodatkową ostrość, objawiając się skrajnym kryzysowym wyrazem wzlotu lub upadku, pierwszego spotkania lub całkowitego zerwania, śmiertelnego niebezpieczeństwa lub śmiertelnej melancholii. Dlatego Achmatową tak fascynuje liryczne opowiadanie z nieoczekiwanym, często kapryśnym i kapryśnym zakończeniem fabuły psychologicznej oraz niezwykłością lirycznej ballady, niesamowitej i tajemniczej („Miasto zniknęło”, „Ballada noworoczna” ).

Jej wiersze są zazwyczaj początkiem dramatu lub jedynie jego kulminacją, a jeszcze częściej finałem i zakończeniem. I tutaj oparła się na bogatym doświadczeniu rosyjskiej nie tylko poezji, ale także prozy:

* Chwała Tobie, ból beznadziejny,
* Wczoraj zmarł szarooki król.
* A za oknem szumią topole:
* Twojego króla nie ma na ziemi...
* Wiersze Achmatowej niosą ze sobą szczególny element miłosno-litościwy:
* O nie, nie kochałem Cię,
* Spalony słodkim ogniem,
* Więc wyjaśnij, jaka moc

* W twoim smutnym imieniu.

Świat poezji Achmatowej to świat tragiczny. Motywy nieszczęścia i tragedii można usłyszeć w wierszach „Oszczerstwo”, „Ostatni”, „Po 23 latach” i innych. W latach represji, najcięższych procesów, gdy mąż zostaje zastrzelony, a syn trafia do więzienia, twórczość stanie się jedynym wybawieniem, „ostatnią wolnością”. Muza nie opuściła poety i napisała wielkie „Requiem”.

Na tle symbolistów opisy Achmatowej wyróżniają się właśnie ascezą. Kolejną różnicą jest skąpa dokładność i zwięzłość. „Cienki kwietniowy lód lekko chrzęścił”, „I ostry krzyk wrony na czarnym niebie”, „I rzadkie akordy klawesynu”, każdy z tych dźwięków dzięki dokładnej, specyficznej charakterystyce staje się wyraźny i wyraźny rozpoznawalny. W wierszach Achmatowej, która „przezwyciężyła symbolikę”, pojawiają się „precyzyjne i rygorystyczne formy świata zewnętrznego” oraz „ładne granice między rzeczami”. Nie przeszkadzają w porównywaniu dźwięków różnych typów, ale uniemożliwiają ich zmieszanie w jeden, niejasny strumień dźwiękowy, który symboliści nazywają muzyką.

W poezji symbolistycznej muzyka jest kluczowym słowem-symbolem, mającym wiele znaczeń. Muzyka, dźwięki generowane przez sztukę muzyków, znajdują się na szczycie hierarchii, w którą symboliści wbudowali wszelkie dźwiękowe przejawy świata zewnętrznego, które przyciągały ich nie w nich samych, ale jako przedstawicieli „światowej harmonii”. Stąd deifikacja sztuki muzycznej, która doprowadziła symbolistów do depersonalizacji jakościowo odmiennych zjawisk dźwiękowych. Z tej pozycji każdy dźwięk był już muzyką. Ponadto, rozumiejąc muzykę jako „istotę świata”, symboliści słyszeli ją nawet tam, gdzie nic nie brzmiało. Oznacza to, że właściwości muzyczne przypisywano zjawiskom, które nie mają ekspresji akustycznej. Zwroty stawały się całkiem naturalne tam, gdzie słowo „muzyka” nie występowało samodzielnie, ale towarzyszyło mu rzeczownik w dopełniaczu, jak „muzyka ziemi” A. Bloka czy „muzyka snów” I. Annensky’ego.

Choć muzyka Achmatowej nie jest „muzyką czegoś”, istnieje ona sama w poezji. Achmatowa bez teoretyzowania odróżnia jednak dźwięk jako zjawisko artystyczne od muzyki, wydzielając także kilka rodzajów dźwięków. Muzyka jest jednym z fenomenów świata, który nie pretenduje do bycia jego istotą; jest to wartość pośród innych wartości, wysoka, ale nie najwyższa. A jednak zachowuje zdolność sprawiania, że człowiek doświadcza wyjątkowych chwil, wyjątkowych stanów umysłu:

* Płonie w niej coś cudownego,
* I na naszych oczach obcinane są jego krawędzie.
* Ona sama ze mną rozmawia,
* Kiedy inni boją się podejść.
* Kiedy ostatni przyjaciel odwrócił wzrok,
*Była ze mną w moim grobie
* I śpiewała jak pierwsza burza
* To tak, jakby wszystkie kwiaty zaczęły mówić.

W szeregu zjawisk dźwiękowych muzyka zajmuje mniej więcej tę samą pozycję. Wyliczenia i porównania Achmatowej różnią się od symbolistycznych szczególną ostrożnością. Pozbawione są bezpośredniej identyfikacji. Porównaj nieśmiałe „lub” Achmatowej z pewnym „tak” A. Biełego i jeszcze bardziej zdecydowaną kreską Balmonta. V.M. Żyrmuński o porównaniach Achmatowej pisał, że są one pozbawione „metaforycznej identyfikacji charakterystycznej dla symboliki... Porównania wprowadzane są słowami jakby, jakby, jakby, jakby, jeszcze bardziej zwiększając dystans pomiędzy porównywanymi obiektami... one zdają się podkreślać, że sam akt porównania jest wynikiem refleksji artystycznej.” Dźwięki nie są ułożone według schematu hierarchicznego, w którym muzyka miałaby pierwszeństwo przed innymi dźwiękami, ale raczej poziomego, gdzie każdy z nich ujawnia swoją indywidualność:

* Jak żurawie piejące na niebie,
* Jak cykady brzęczą niespokojnie,
* Jak żołnierska dziewczyna śpiewa o smutku -
* Wszystko pamiętałem dzięki wrażliwemu słuchowi.

W powyższym fragmencie wiersza „Nad morzem” równie istotne dla ucha autora wydają się być krzyki ptaków, trzaskanie cykad i śpiew. Zatem później w wierszu „Sen” intonacja wyliczeniowa nie daje przewagi muzyce Bacha nad dzwonem kościelnym i obu dźwiękom nad cichym kwitnieniem róż i jesienną przyrodą. Czytając niektóre jej późniejsze wiersze, wyobrażenie muzyki Achmatowej przypomina czasami symbolistyczne.

Badania nad tym aspektem twórczości A. Achmatowej można kontynuować w więcej niż jednym kierunku, z których każdy jest nie mniej interesujący niż opisany powyżej. To mógłby być kolejny etap mojej pracy nad studiowaniem twórczości rosyjskich poetów XX wieku. Ponadto aspekt ten można badać w twórczości innych przedstawicieli sztuki poetyckiej.

Pytanie, kim powinien być poeta, jaka jest jego rola w społeczeństwie, jakie są zadania poezji, zawsze niepokoiły i niepokoją zwolenników sztuki wobec ludu. Dlatego temat celu poety jest tematem przewodnim nie tylko poezji XIX wieku, przenika całą twórczość poetów współczesnych, dla których los ojczyzny i narodu jest ich losem.

Pomimo tego, że Anna Achmatowa przewidziała dla siebie krótką ścieżkę życia, myliła się: jej ścieżka była długa, niezwykle bogata i złożona twórczo. W różnych okresach różnie oceniała rolę poety, jak sama siebie nazywała, i poezji w społeczeństwie. Wczesne teksty tekstów powstawały pod wpływem ówczesnej mody na wiersze miłosne, chociaż już wtedy Achmatowa wyróżniała się wśród swoich „towarzyszek ze sklepu” i dlatego nigdy nie nazywała siebie poetką.

Achmatowa zastanawiała się nad rolą poety i poezji w społeczeństwie. To wcale nie było przypadkowe. Korzenie tego zjawiska tkwią w psychologii poety: Achmatowa zawsze czuła się częścią czegoś wielkiego – historii, kraju, ludzi. Pierwsze eksperymenty poetyckie miały miejsce, gdy Achmatowa związała się z ruchem „Acmeizm”. Stopniowo jednak poetka odeszła od akmeistów i wybrała inny punkt odniesienia, który uważała za jedyny autentyczny: Puszkina. Jemu poświęcony jest jeden z wierszy z cyklu „W Carskim Siole”:

„Ciemnoskóry młodzieniec błąkał się po alejkach,

Brzegi jeziora były smutne,

I cenimy stulecie

Ledwo słyszalny szelest kroków…”

Na końcu wersetu znajduje się wyrazisty szczegół: „rozczochrany tom Facetów”. Jest to symbol wewnętrznego wyzwolenia i wolności poety.

Ale mimo że Puszkin był dla Achmatowej najwyższym autorytetem literackim, ona także szukała własnego wizerunku w świecie współczesnej poezji. Cykl „Tajemnice rzemiosła” stał się próbą zrozumienia tajemnicy poezji, a co za tym idzie – jej własnej tajemnicy. Natura inspiracji stała się tematem poematu otwierającego cykl o jednoznacznym tytule „Twórczość”. Achmatowa nie zapomina o swoich literackich korzeniach, dziedzicząc tradycje Lermontowa, Puszkina i Żukowskiego. Świadomość poety wyszukuje, starannie wybiera w chaosie dźwięków jeden jedyny prawdziwy motyw:

„Wokół niego jest tak nieodwracalnie cicho,

Słychać trawę rosnącą w lesie.”

Po ustaleniu motywu poeta musi rozwiązać kolejne niezbędne zadanie - przelać go na papier. Dla Achmatowej proces ten przypomina dyktando, a poetą kierują wewnętrzne impulsy i dźwięki. Nie ma znaczenia, czy podyktowana definicja lub obraz jest „niski”, czy „wysoki” - dla Achmatowej taki podział nie istnieje (deklaruje: „Nie potrzebuję odycznych armii”). Poetka mówi o „zwykłym cudzie” poezji. Polega na narodzinach wersetu z codziennego otoczenia:

„Gdybyś tylko wiedział, jakie bzdury

Wiersze rosną bez wstydu…”

Rozwój tych wierszy to nie tylko mechaniczne pisanie, ale prawdziwe odtworzenie rzeczywistości, nadanie jej formy wiersza niosącego ludziom pozytywną energię duchową.

Dla Achmatowej nie mniej ważna była postać czytelnika, do którego dotrze pozytywny ładunek wiersza, gdyż poezja jest istotą dialogu artysty z czytelnikiem. Gdyby nie to drugie, nie byłoby dla kogo pisać, czyli idea poezji straciłaby wszelki sens. „Bez czytelnika nie istnieję” – zauważa Marina Cwietajewa. Dla Achmatowej czytelnik staje się „nieznanym przyjacielem”, który jest czymś więcej niż zwykłym konsumentem wartości duchowych. W duszy jego wiersze zyskują nowy dźwięk, gdy zostają załamane przez wyjątkową świadomość, odmienną od świadomości poety:

„A każdy czytelnik jest jak tajemnica,

Jak skarb zakopany w ziemi.”

Przykład tego i innych wierszy pokazuje wyraźnie, że cykl, zgodnie ze swoją nazwą, odsłania przed czytelnikiem tajniki poetyckiego rzemiosła Achmatowej. Ale poza „technicznym” aspektem poezji, jak można to z pewną konwencją nazwać, istnieje także relacja między poetą a światem zewnętrznym, często zupełnie niepoetyckim. Lata dwudzieste ubiegłego wieku postawiły wielu poetów przed wyborem – wyemigrować za granicę lub pozostać w kraju w niespokojnych czasach. Jednak Achmatowa, będąc, podobnie jak Niekrasow, przede wszystkim poetą-obywatelem, podejmuje trudną decyzję – o pozostaniu w nowej Rosji: „Nie jestem z tymi, którzy opuścili ziemię”. To stwierdzenie brzmi dość ostro, ale zdanie: „Nie oddam im moich piosenek” jeszcze wyraźniej podkreśla stanowisko autora. Kategoryczny charakter Achmatowej wyraża się także w tym, że ma ona pewność, „że w późniejszej ocenie każda godzina będzie uzasadniona”. W tym apelu do przyszłości wyraźnie nawiązuje się do wiersza „Duma” Lermontowa – poeta zwracał się do swoich potomków, podobnie jak Achmatowa. Na tym jednak temat się nie kończy: w wierszu „Kiedy w udręce samobójczej…”, przesiąkniętym motywami mistycznymi, poeta słyszy wewnętrzny głos – głos ciemnych sił, które go wzywają:

„Opuśćcie swą ziemię, głusi i grzeszni,

Opuść Rosję na zawsze.”

Bohaterka w finale zachowuje się bardzo prosto, ale jednocześnie wyczuwalna jest w tej akcji pewna patos:

„Ale obojętnie i spokojnie

Zakryłem słuch rękami.”

Achmatowa w końcu dokonuje wyboru na korzyść testów, ale w swojej ojczyźnie. Nie musieli długo czekać – Wielka Wojna Ojczyźniana stała się prawdziwym sprawdzianem przetrwania Rosji. Achmatowa również nie stała z boku – początkowo znajdowała się w oblężonym Leningradzie, później w Taszkencie. Ale gdziekolwiek była, poetka czuła potrzebę, aby wszyscy, zwłaszcza poeci i pisarze, w jakiś sposób uczestniczyli w wojnie i dzielili powszechny smutek. Tak rodzi się jeden z jej najsłynniejszych wierszy „Odwaga”. Przypomina nam o naszym obowiązku wobec Ojczyzny:

„Na naszym zegarku wybiła godzina odwagi,

A odwaga nas nie opuści.”

Jeszcze ważniejsze jest przypomnienie tego, co najcenniejszego posiada naród rosyjski – rosyjskiego słowa, które wielu poetów i pisarzy wychwalało na długo przed Achmatową. Utrata domu nie jest tak straszna jak utrata języka – każdy artysta słowa może to subskrybować. Poetka rozumiała także, że język stanowi o wyjątkowości narodu, czyni go niepodobnym do żadnego innego narodu na świecie. Zakończenie brzmi jak zaklęcie, które najtrafniej oddaje dążenie autora do zachowania rodzimej mowy:

„Damy je naszym wnukom i wybawimy je z niewoli.

Wiersz „Ojczyzna” jest filozoficznym rezultatem twórczości Achmatowej. Ruch fabuły tego wiersza zaczyna się od prywatnego, chwilowego i trwa do wiecznego, niezniszczalnego. Wiersz bardzo przypomina „Ojczyznę” Lermontowa i szereg późniejszych wierszy Puszkina. Każdy mieszkaniec Rosji jest częścią własnego kraju i dlatego ma zaszczyt nazywać ten kraj swoim. Ale ojczyzna jest tak ogromna i rozległa, że czasem nawet jej nie zauważamy i nie doceniamy:

„Nie nosimy ich na piersiach w cennym amulecie,

Nie piszemy o niej łkających wierszy…”

Dopiero po śmierci człowiek nieuchronnie łączy się z ziemią, chociaż w rzeczywistości to połączenie powinno zawsze istnieć. Dla poety życie z poczuciem ojczyzny jest podwójnie ważne – daje mu siłę do tworzenia.

„Requiem” Anny Andreevny Achmatowej

Anna Andreevna należy do poetek, których piękno i niejednoznaczność twórczości można ujawnić jedynie poprzez wielokrotny powrót do nich. Jej poszczególne wersy, zwrotki i całe wiersze zapadają w pamięć i biorą czynny udział w naszym życiu duchowym, przemieniając je.

W latach 1935–1940 powstało „Requiem”, opublikowane dopiero pół wieku później – w 1987 r. i będące odzwierciedleniem osobistej tragedii Anny Achmatowej – losów jej i jej syna Lwa Nikołajewicza Gumilowa, bezprawnie represjonowanych i skazanych na śmierć. „Requiem” stało się pomnikiem wszystkich ofiar tyranii Stalina. „W strasznych latach Jeżowszczyny spędziłem siedemnaście miesięcy w więziennych kolejkach” – „Od siedemnastu miesięcy krzyczę, wołając cię do domu…”

„I upadło kamienne słowo

Na mojej wciąż żywej piersi.

Nie ma sprawy, bo byłem gotowy

Poradzę sobie z tym jakoś.

Mam dzisiaj dużo do zrobienia:

Musimy całkowicie zabić naszą pamięć,

Trzeba, żeby dusza zamieniła się w kamień,

Musimy nauczyć się żyć na nowo.”

Wiersze o tak tragicznej intensywności, obnażające i potępiające despotyzm stalinizmu, były niebezpieczne i po prostu niemożliwe do zapisania w chwili ich pisania. Zarówno sam autor, jak i kilku bliskich przyjaciół zapamiętało tekst na pamięć, od czasu do czasu sprawdzając siłę swojej pamięci. Pamięć ludzka trwa więc długo

zamieniony w „papier”, na którym odciśnięto „Requiem”. Bez Requiem nie da się zrozumieć życia, twórczości ani osobowości Anny Andreevny Achmatowej. Co więcej, bez Requiem nie da się zrozumieć literatury współczesnego świata i procesów, które miały i zachodzą w społeczeństwie. Mówiąc o „Requiem” Achmatowej, A. Urban wyraża opinię, że „żył wcześniej” – w tych fragmentach, które w latach 30. ukazały się jako osobne wiersze. Żył w kawałkach papieru przepisywanych ręcznie lub pisanych na maszynie do pisania! Krytyk uważa, że „publikacja „Requiem” na zawsze położyła kres legendzie Achmatowej „jako poetki wyłącznie kameralnej”.

„Przedstawicielka „srebrnej epoki” kultury rosyjskiej odważnie przeszła przez XX wiek do nas, świadków jego ostatnich dziesięcioleci. Droga jest trudna, tragiczna, na skraju rozpaczy. „Ale autorka artykułu zwraca uwagę, że nawet w „swoim najbardziej gorzkim dziele „Requiem” Anna Achmatowa (jest to także własność wielkiej literatury rosyjskiej) zachowuje wiarę w sprawiedliwość historyczną”.

W zasadzie „nikt nie wie, w jakiej epoce on żyje. Nasz naród na początku lat 90. XX w. nie wiedział, że żyje w przededniu pierwszej wojny europejskiej i rewolucji październikowej” – napisała Achmatowa. Ta głęboka uwaga ujawniła w autorze artystę i historyka zarazem. W jej życiu i twórczości odczuwamy nieposkromiony „bieg czasu”; odnajdujemy nie zewnętrzne procesy historyczne epoki, w której żyjemy, ale żywe uczucia, dalekowzroczność wnikliwej artystki.

Obecnie czasopismo literacko-artystyczne „Październik” w 1987 roku opublikowało na swoich łamach w całości „Requiem”. W ten sposób wybitne dzieło Achmatowej stało się „wiedzą publiczną”. To niezwykły dokument epoki, oparty na faktach z własnego życiorysu, będący dowodem prób, przez jakie przechodzili nasi rodacy.

„...Znów nadeszła godzina pogrzebu.

Widzę, słyszę, czuję Cię...

. . . . . . . . . . . . . . . . . .

Chciałbym zwracać się do wszystkich po imieniu,

Tak, lista została zabrana i nie ma gdzie się dowiedzieć...

. . . . . . . . . . . . . . . . .

Pamiętam je zawsze i wszędzie,

Nie zapomnę o nich nawet w nowych kłopotach…”

Anna Andreevna zasłużenie cieszy się wdzięcznym uznaniem czytelników, a duże znaczenie jej poezji jest powszechnie znane. Ściśle proporcjonalnie do głębokości i szerokości jej idei, jej „głos” nigdy nie opada do szeptu i nie wznosi się do krzyku – ani w godzinach narodowego żalu, ani w godzinach narodowego triumfu.

Z powściągliwością, bez krzyku i napięcia, w sposób epicko beznamiętny, o przeżywanym smutku mówi się: „Góry uginają się przed tym smutkiem”. Anna Achmatowa tak definiuje biograficzne znaczenie tego żalu: „Mój mąż jest w grobie, mój syn jest w więzieniu, módlcie się za mną”. Wyraża się to bezpośredniością i prostotą, spotykaną jedynie w wysokim folklorze. Ale nie chodzi tylko o osobiste cierpienie, chociaż samo to wystarczy do tragedii. To cierpienie rozwija się w ramach: „Nie, to nie ja, to ktoś inny cierpi”, „I modlę się nie tylko za siebie, ale za wszystkich, którzy byli tam ze mną. » Wraz z publikacją „Requiem” i sąsiadujących z nim wierszy twórczość Anny Achmatowej nabiera nowego znaczenia historycznego, literackiego i społecznego.

To właśnie w „Requiem” lakonizm poety jest szczególnie widoczny. Oprócz prozaicznego „Zamiast przedmowy” jest tam tylko około dwustu linijek. A Requiem brzmi jak epopeja.

Lata 30. były czasem dla Achmatowej najtrudniejszymi próbami w jej życiu. Była świadkiem nie tylko II wojny światowej rozpętanej przez faszyzm, która wkrótce rozprzestrzeniła się na ziemię Jej Ojczyzny, ale także innej, nie mniej straszliwej wojny, którą Stalin i jego słudzy toczyli z własnym narodem. Potworne represje lat 30., jakie spadły na jej przyjaciół i ludzi o podobnych poglądach, zniszczyły także jej dom rodzinny: najpierw aresztowano i zesłano jej syna, studenta, a następnie męża N.N. Punina. Sama Achmatowa żyła przez te wszystkie lata w ciągłym oczekiwaniu na aresztowanie. Wiele miesięcy spędziła w długich i smutnych kolejkach więziennych, aby przekazać przesyłkę synowi i dowiedzieć się o jego losach. W oczach władz była osobą wyjątkowo niewiarygodną: jej pierwszy mąż, N. Gumilew, został w 1921 r. rozstrzelany za działalność „kontrrewolucyjną”. Doskonale zdawała sobie sprawę, że jej życie wisi na włosku i z niepokojem słuchała pukania do drzwi. Wydawać by się mogło, że w takich warunkach pisanie było nie do pomyślenia, a ona tak naprawdę nie pisała, to znaczy nie zapisywała swoich wierszy, porzucając pióro i papier. L.K. Chukovskaya pisze w swoich wspomnieniach o tym, jak uważnie poetka czytała szeptem swoje wiersze, ponieważ loch był bardzo blisko. Jednak pozbawiona możliwości pisania Anna Achmatowa przeżyła jednocześnie swój największy rozwój twórczy w tych latach. Wielki smutek, ale jednocześnie wielka odwaga i duma ze swego ludu stanowią podstawę wierszy Achmatowej z tego okresu.

Głównym osiągnięciem twórczym i obywatelskim Achmatowej w latach 30. było stworzone przez nią „Requiem”, poświęcone latom „Wielkiego Terroru” - cierpieniom represjonowanego narodu.

„Nie, i nie pod obcym niebem,

I nie pod ochroną obcych skrzydeł, -

Byłem wtedy z moimi ludźmi,

Gdzie, niestety, byli moi ludzie. »

„Requiem” składa się z dziesięciu wierszy. Przedmowa prozatorska, nazwana przez Achmatową „Zamiast przedmowy”, „Dedykacja”, „Wprowadzenie” i dwuczęściowy „Epilog”. Ukrzyżowanie zawarte w Requiem również składa się z dwóch części. Z „Requiem” nawiązuje się także wiersz „Nie na próżno cierpieliśmy razem…”, napisany później. Z niego Anna Andreevna zaczerpnęła słowa: „Nie i nie pod obcym firmamentem…” jako motto do „Requiem”, ponieważ według poetki nadały ton całemu wierszowi, będąc jego muzycznym i semantycznym klucz. „Dobroczyńcy” radzili porzucić te słowa, chcąc w ten sposób przejść dzieło przez cenzurę.

„Requiem” ma żywotną podstawę, co bardzo wyraźnie zostało wyrażone w małej części prozatorskiej – „Zamiast przedmowy”. Już tutaj wyraźnie widać wewnętrzny cel całego dzieła - ukazanie strasznych lat Jeżowszczyny. I to jest historia. Razem z innymi cierpiącymi Achmatowa stanęła w kolejce do więzienia: „Pewnego dnia ktoś mnie „zidentyfikował”. Wtedy stojąca za mną kobieta o niebieskich ustach, która oczywiście nigdy w życiu nie słyszała mojego imienia, obudziła się z charakterystycznego dla nas wszystkich odrętwienia i zapytała mnie do ucha (wszyscy tam mówili szeptem) :

Czy możesz to opisać?

I powiedziałem:

Potem coś w rodzaju uśmiechu przemknęło przez to, co kiedyś było

jej twarz."

W tym małym fragmencie wyraźnie wyłania się epoka – straszna, beznadziejna. Idea dzieła jest zgodna ze słownictwem: Achmatowa nie została rozpoznana, ale, jak wówczas często mawiano, „zidentyfikowano” usta kobiety „siniałe” z głodu i wyczerpania nerwowego; wszyscy mówią tylko szeptem i tylko „do ucha”.

Jest to konieczne - w przeciwnym razie dowiedzą się, „zidentyfikują”, „uważą go za niewiarygodnego” - wroga. Achmatowa, wybierając odpowiednie słownictwo, pisze nie tylko o sobie, ale o wszystkich na raz, mówi o „odrętwieniu”, „charakterystyce” każdego. Przedmowa do wiersza stanowi drugą kluczową część utworu. Pomaga nam zrozumieć, że wiersz został napisany „na zamówienie”. Kobieta „z niebieskimi ustami” prosi ją o to, jako o ostatnią nadzieję na jakiś triumf sprawiedliwości i prawdy. I Achmatowa bez wahania podejmuje się tego rozkazu, tego ciężkiego obowiązku. I to jest zrozumiałe: w końcu będzie pisać o wszystkich i o sobie, mając nadzieję na czas, kiedy naród rosyjski „wszystko zniesie”. I szerokie, jasne...

„Requiem” powstawało na przestrzeni różnych lat. Na przykład „Poświęcenie” jest oznaczone marzec 1940 r. Ujawnia konkretne „adresy”. Mówimy o kobietach oddzielonych od aresztowanych. Przemawia bezpośrednio do tych, których opłakują. To ich bliscy, którzy idą na ciężką pracę lub egzekucję. Tak Achmatowa opisuje głębię tego smutku: „Przed tym smutkiem góry się uginają, wielka rzeka nie płynie. „Bliscy czują wszystko: „mocne bramy więzienia”, „dziury skazańców” i śmiertelną melancholię skazanych.

„Słyszymy tylko nienawistne zgrzytanie kluczy…

Tak, kroki żołnierzy są ciężkie…”

I znowu podkreśla się powszechne nieszczęście, powszechny smutek:

„Przeszliśmy przez dziką stolicę...

I niewinna Ruś wiła się”

Słowa „Rus wiła się” i „dziki kapitał” z największą trafnością oddają cierpienie narodu i niosą ze sobą ogromny ładunek ideologiczny. We wstępie znajdują się także konkretne obrazy. Oto jeden ze skazanych, którego nocą zabierają „czarni marusi”. Ma na myśli także swojego syna.

„Na twoich ustach są zimne ikony

Śmiertelny pot na czole.”

Został zabrany o świcie, ale świt jest początkiem Dnia, a tutaj świt jest początkiem niepewności i głębokiego cierpienia. Cierpienie nie tylko osoby odchodzącej, ale także tych, którzy za nią podążali, „jak na wynos”. I nawet folklorystyczny początek nie wygładza się, ale podkreśla dotkliwość przeżyć niewinnie skazanych:

„Cichy Don płynie cicho

Żółty księżyc wkracza do domu.”

Miesiąc nie jest jasny, jak zwykle się o nim mówi i pisze, ale żółty, „żółty miesiąc widzi swój cień!” Ta scena jest wołaniem o syna, ale nadaje tej scenie szersze znaczenie.

Jest jeszcze inny konkretny obraz. Obraz miasta. A nawet konkretne miejsce: „Stanie pod krzyżami” (nazwa więzienia). Ale w obrazie miasta nad Newą jest nie tylko „przepych Puszkina” i piękno z jego piękną architekturą, jest jeszcze ciemniejszy niż Petersburg, znany wszystkim z dzieł N.A. Niekrasow i F.M. Dostojewski. To miasto – dodatek do gigantycznego więzienia, rozpościerający swoje okrutne budynki nad martwą i nieruchomą Newą.

„I zwisał jak niepotrzebny wisiorek

W pobliżu więzień Leningradu”

W tych słowach, w których miasto jawi się jako żywa twarz, można wyczuć zarówno współczucie, jak i litość.

Czytelnik jest zszokowany poszczególnymi scenami opisanymi przez autora w wierszu. Autor nadaje im szerokie znaczenie ogólne, aby podkreślić główną ideę dzieła – pokazać nie odosobniony przypadek, ale ogólnonarodową żałobę. Oto scena aresztowania, w której mówimy o wielu synach, ojcach i braciach. Achmatowa pisze także o dzieciach w ciemnym pokoju, chociaż jej syn nie miał dzieci. Dlatego żegnając syna, ma na myśli jednocześnie nie tylko siebie, ale także tych, z którymi wkrótce połączy ją więzienna linia.

W „Requiem”, mówiąc o „żonach streczów” wyjących pod kremlowskimi wieżami, ukazuje krwawą drogę wiodącą od ciemności czasów do współczesności. Niestety, ta krwawa droga nigdy nie została przerwana, a w ciągu lat represji pod rządami Stalina, który deptał „Prawa Ludu”, stała się jeszcze szersza, tworząc całe morza niewinnej krwi. Zdaniem Achmatowej żaden cel nie usprawiedliwia krwi, nawet w 1937 r. Jej przekonanie opiera się na chrześcijańskim przykazaniu „nie zabijaj”. W „Requiem” niespodziewanie i smutno pojawia się melodia, przypominająca nieco kołysankę:

„Cichy Don płynie cicho,

Żółty księżyc wchodzi do domu,

Wchodzi z kapeluszem z jednej strony,

Widzi żółty cień księżyca.

Ta kobieta jest chora.

Ta kobieta jest sama.

Mąż w grobie, syn w więzieniu,

Módl się za mnie."

Motyw kołysanki z nieoczekiwanym i na wpół delirycznym obrazem cichego Dona przygotowuje kolejny motyw, jeszcze straszniejszy, motyw szaleństwa, delirium i całkowitej gotowości na śmierć lub samobójstwo:

„Już szaleństwo wisi na włosku

Połowa mojej duszy była pokryta,

I pije ogniste wino,

I zaprasza cię do czarnej doliny.”

Antyteza, która pojawia się gigantycznie i tragicznie w „Requiem” (Matka i stracony syn), nieuchronnie korelowała w umyśle Achmatowej z fabułą ewangelii, a ponieważ antyteza ta nie była jedynie przejawem jej życia osobistego i dotyczyła milionów matek i synów, Achmatowa uważała, że ma prawo artystycznie na tym polegać, co rozszerzyło zakres „Requiem” na ogromną, ogólnoludzką skalę. Z tego punktu widzenia wersety te można uznać za poetyckie i filozoficzne centrum całego dzieła, choć umieszczone są bezpośrednio przed „Epilogiem”.

„Epilog”, składający się z 2 części, najpierw przywraca czytelnikowi melodię i ogólne znaczenie „Przedmowy” i „Dedykacji”; tutaj ponownie widzimy obraz więziennej kolejki, ale tym razem jest to trochę uogólnione, symboliczne , nie tak konkretny jak na początku wierszy.

„Nauczyłem się, jak padają twarze,

Jak strach wygląda spod powiek.

Jak twarde strony pisma klinowego

Cierpienie pojawia się na policzkach…”

„Chciałbym wymienić wszystkich,

Tak, lista została zabrana i nie ma gdzie się dowiedzieć,

Dla nich utkałam szeroką okładkę

Od biednych usłyszeli słowa”

Takie wzniosłe, tak gorzkie i uroczyście dumne słowa - stoją gęste i ciężkie, jakby odlane z metalu na znak przemocy i ku pamięci przyszłych ludzi.

Druga część epilogu rozwija temat Pomnika, dobrze znany w literaturze rosyjskiej według Derzhavina i Puszkina, jednak pod piórem Achmatowej nabiera on zupełnie niezwykłego – głęboko tragicznego wyglądu i znaczenia. Można powiedzieć, że nigdy, ani w literaturze rosyjskiej, ani światowej, nie pojawił się tak niezwykły Pomnik Poety, stojący zgodnie z jego wolą i testamentem pod Murem Więziennym. To naprawdę pomnik wszystkich ofiar represji, torturowanych w latach 30. i innych strasznych latach.

Na pierwszy rzut oka dziwne pragnienie brzmi wzniośle i tragicznie

poetki:

„I jeśli kiedykolwiek w tym kraju

Planują mi postawić pomnik,

Wyrażam zgodę na ten triumf,

Ale tylko pod warunkiem - nie stawiaj go

Nie blisko morza, gdzie się urodziłem...

Nie w królewskim ogrodzie, w pobliżu cennego pnia.

I tutaj, gdzie stałem przez trzysta godzin

I gdzie nie otworzyli mi zasuwy.

A potem typowy AA. Wrażliwość i witalność Achmatowej.

„I niech gołąb więzienny brzęcze w oddali,

A statki płyną spokojnie po Newie.

„Requiem” Achmatowej jest dziełem prawdziwie ludowym nie tylko w tym sensie, że odzwierciedlało i wyrażało wielką tragedię ludową, ale także w formie poetyckiej, bliskiej ludowej przypowieści. „Utkany z prostych, «zasłyszanych» słów, jak pisze Achmatowa” – z wielką siłą poetycką i obywatelską wyraził swój czas i cierpiącą duszę narodu. „Requiem” nie było znane ani w latach 30., ani w latach następnych, ale na zawsze uchwyciło swój czas i pokazało, że poezja istnieje nadal, nawet wtedy, gdy zdaniem Achmatowej „poeta żył z zaciśniętymi ustami”.

Usłyszano zduszony krzyk stu milionów ludzi – to wielka zasługa Achmatowej.

Jedną z cech twórczości Achmatowej jest to, że pisała tak, jakby nie troszczyła się o czytelnika z zewnątrz – ani o siebie, ani o bliską osobę, która dobrze ją znała. I tego rodzaju powściągliwość poszerza adres. Jej „Requiem” jest całkowicie rozdarte. Jest napisany jakby na różnych kartkach papieru, a wszystkie wiersze tego żałobnego wiersza pamiątkowego są fragmentami. Sprawiają jednak wrażenie dużych i ciężkich bloków, które się poruszają i tworzą ogromną kamienną rzeźbę żalu. „Requiem” to skamieniały żal, genialnie stworzony z najprostszych słów.

Głęboka idea „Requiem” ujawnia się dzięki osobliwości talentu autora za pomocą brzmiących głosów określonego czasu: intonacji, gestów, składni, słownictwa. Wszystko mówi nam o pewnych osobach danego dnia. Ta artystyczna precyzja w oddaniu atmosfery czasu zadziwia każdego czytającego dzieło.

W latach 30. nastąpiły zmiany w twórczości poety A. Achmatowej. Nastąpił swego rodzaju start, zakres wiersza rozszerzył się niepomiernie, obejmując obie wielkie tragedie – zbliżającą się II wojnę światową i wojnę, która się rozpoczęła i była prowadzona przez władze przestępcze przeciwko własnemu narodowi. I smutek matki („straszne oczy jej syna to skamieniałe stworzenie”), tragedia Ojczyzny i nieubłaganie zbliżające się cierpienia wojenne - wszystko weszło w jej wiersz, zwęgloło go i zahartowało. W tym czasie nie prowadziła pamiętnika. Zamiast pamiętnika, którego nie dało się prowadzić, spisywała swoje wiersze na osobnych kartkach papieru. Ale razem wzięte stworzyły obraz rozdartego i zrujnowanego domu, połamanego losu ludzi.

Tak z poszczególnych części Requiem powstaje obraz człowieka skazanego na zagładę:

"Zdanie. I natychmiast popłyną łzy.

Już oddzielony od wszystkich.”

("Poświęcenie")

I podsumowanie:

„A kiedy oszalały z udręki,

Nadchodziły już potępione pułki.”

("Wstęp")

„Jak twarde strony pisma klinowego

Cierpienie pojawia się na policzkach,

Jak loki popiołu i czerni

Nagle stają się srebrne.”

("Epilog")

Oto słowa wybrane z niezwykłą precyzją: „szalony z męki”, „na policzkach pojawia się cierpienie”, „już oddzielony od wszystkich”.

Intensyfikuje się to, co osobiste i osobiste. Zakres tego, co jest przedstawione, rozszerza się:

„Gdzie są teraz mimowolni przyjaciele?

Moje dwa szalone lata?

Co widzą w syberyjskiej zamieci?

Co widzą w kręgu księżycowym?

Przesyłam im moje pożegnalne pozdrowienia.”

W nurcie współczesnej literatury pamiętnikowej „Requiem” zajmuje miejsce szczególne. Trudno też o nim pisać, bo według młodego przyjaciela A. Achmatowej, poety L. Brodskiego, życie tamtych lat „uwieńczyło jej muzę wieńcem smutku”.

V. Vilenkin w swoich publikacjach pisze: „Jej „Requiem” najmniej potrzebuje naukowego komentarza. Jej ludowa geneza i skala poezji ludowej są oczywiste same w sobie. Toną w nich rzeczy osobiście przeżyte, autobiograficzne, utrwalając jedynie ogrom cierpienia. „Już w pierwszym wierszu poematu, zatytułowanym „Poświęcenie”, wielka rzeka ludzkiego żalu, przepełniona bólem, niszczy granice między „ja” a „my”. To jest nasz smutek, to „wszędzie jesteśmy tacy sami”, to my słyszymy „ciężkie kroki żołnierzy”, to my spacerujemy po „dzikiej stolicy”. „Bohaterem tej poezji są ludzie... Każdy z nich uczestniczy, z jednej lub drugiej strony, w tym, co się dzieje. Ten wiersz przemawia w imieniu ludu.”

„Requiem” (łac. Requiem) - msza pogrzebowa. Wielu kompozytorów V.A. napisało muzykę do tradycyjnego łacińskiego tekstu Requiem. Mozarta, T. Berlioza, G. Verdiego. „Requiem” Achmatowej zachowuje pisownię łacińską, nawiązując do podstawy, pierwotnego źródła i tradycji. Nie bez powodu finał utworu, jego „Epilog”, przenosi tragiczną melodię wiecznej pamięci o zmarłym poza granice ziemskiej rzeczywistości:

„I nawet z wieków spokojnych i brązowych,

Roztopiony śnieg płynie jak łzy,

„Requiem” wymagało od niej myślenia muzycznego, muzycznego układania poszczególnych odrębnych części – wierszy lirycznych – w jedną spójną całość. Warto zauważyć, że zarówno motto, jak i „Zamiast przedmowy”, napisane znacznie później niż główny tekst cyklu poetyckiego, są z nim związane organicznie – a mianowicie za pomocą muzyki. W formie „uwertury” - wstępu orkiestrowego, w którym rozgrywane są dwa główne tematy kompozycji: nierozerwalność losów lirycznej bohaterki z losami jej ludu, osobistego od generała, „ja” z „ My".

W swojej strukturze dzieło Achmatowej przypomina sonatę. Rozpoczyna się po krótkich taktach muzycznych z potężnym dźwiękiem chóru:

„Góry uginają się przed tym smutkiem,

Wielka rzeka nie płynie

Ale bramy więzienia są mocne.

A za nimi „prycze skazańców”

I śmiertelna melancholia…”

Obecność tutaj wersu Puszkina z wiersza „W głębinach rud syberyjskich” poszerza przestrzeń i daje dostęp do historii. Bezimienne ofiary przestają być bezimienne. Chronią je wielkie tradycje kochającej wolność literatury rosyjskiej. „A nadzieja wciąż śpiewa w oddali.” Głos nadziei nie opuszcza autora. Poetka stworzyła nie kronikę swojego życia, ale dzieło sztuki, które zawiera uogólnienia, symbolikę i muzykę.

„A kiedy oszalały z udręki,

Maszerowały już potępione pułki,

I krótka piosenka pożegnalna

Zaśpiewały gwizdki lokomotywy.

Gwiazdy śmierci stanęły nad nami…”

Poszczególne słowa w takich kontekstach nabierają przerażającej wartości. Na przykład gwiazdy gloryfikowane w fikcji jako magiczne, urzekające, tajemnicze w swoim pięknie, oto gwiazdy śmierci. „Żółty księżyc”, choć nie ma tak negatywnej oceny, jest świadkiem cudzej żałoby.

Wielu literaturoznawców zastanawiało się: „Requiem” - co to jest: cykl poetycki czy wiersz. Jest napisany w pierwszej osobie, w imieniu „ja” – poety i bohatera lirycznego zarazem. A także złożone sploty autobiograficznej i dokumentalnej pozwalają odpowiedzieć na to pytanie twierdząco i zaklasyfikować to dzieło jako „mały wiersz” wśród wierszy XX wieku, choć z gatunkowego punktu widzenia „Requiem” nie jest prosty „orzech do zgryzienia”. Achmatowa miała wysoki dar poety lirycznego; podstawą jej twórczości, składającej się z pojedynczych wierszy, jest także liryczny. To dało siłę powstałym w latach 1935-40 i niepublikowanym w tych latach fragmentom lirycznym, aby wytrzymać, nie rozpaść się pod najcięższymi uderzeniami czasu i powrócić do nas pół wieku później jako integralne dzieło sztuki. Na pierwszy rzut oka odpowiedź jest prosta. W 1987 roku temat kultu jednostki Stalina i jego tragicznych konsekwencji dla ludzi stał się otwarty z tematów „zamkniętych”. A „Requiem” Achmatowej, opowiadające o tragedii osobiście doświadczonej przez poetę w tamtych latach, uzyskało status najbardziej aktualnego dokumentu, dorównującego takim współczesnym dziełom, jak wiersz Twardowskiego „Z prawa pamięci”, W. Dudincewa powieści „Białe szaty”, V. Grossmana „Życie i los”, poezja i proza V. Shalamova. Ale to wyjaśnienie leży na powierzchni i nie może w pełni zadowolić czytelnika. Przecież aby dzieło zbiegło się z nowoczesnością, aby pół wieku później powrócić do nowych pokoleń czytelników, zachowując swoją wartość artystyczną, oznacza to, że musi ją mieć, tę wartość artystyczną. Przekazują to w wierszu najdrobniejsze kapilary wiersza: jego rytmy, metrum, artystyczne środki językowe. I nawet jej „Zamiast przedmowy” nie jest do końca czystą prozą. To jest wiersz prozatorski. Rozpuszczenie bohaterki we wspólnej tragedii, w której każdy ma tę samą rolę, dało prawo wierszowi:

„Nie, to nie ja, to ktoś inny cierpi.

Nie mogłem tego zrobić.”

Wszystko w „Requiem” jest powiększone, rozszerzone w granicach (Neva, Don, Jenisej) i sprowadza się do ogólnego przedstawienia – wszędzie.

Tak więc, w odpowiedzi na wydarzenia z lat 30., A.A. Achmatowa odpowiedziała tragedią „Requiem”. Poezja rosyjska znała wiele przykładów, kiedy ten gatunek dzieła muzycznego stał się formą myśli poetyckiej. Dla Achmatowej była to idealna forma opanowania tragicznej fabuły rosyjskiej historii, w której losy autora doszły do uniwersalnych uogólnień: poetyckie „ja” często wypowiada się w imieniu „my”. Soczewka autora wdziera się wszędzie: tam, gdzie zadomowił się smutek i śmierć, dostrzegając „tego, którego ledwo przyniesiono do okna”, „i tego, który nie depcze ojczyzny”. „I ta, która kręcąc piękną głową, powiedziała: „Przychodzę tu, jakbym wracała do domu”. Autorka nie traci z oczu „już oddzielonej od wszystkich” i „nieświadomych przyjaciół” przechadzających się po szaleństwie. miasto i „tłum potępionych”.

Za pomocą artystycznych środków wizualnych i ekspresyjnych A.A. Achmatowa ujawnia główną ideę swojej twórczości – ukazanie ogromu i głębi ludzkiego żalu, tragedii życia lat 30.

Zatem twórczy sukces poetki w latach 30. był ogromny. Oprócz wierszy stworzyła dwa znaczące wiersze - „Requiem” i „Wiersz bez bohatera”. Fakt, że ani „Requiem”, ani inne dzieła Achmatowej lat 30. nie były czytelnikowi znane, w niczym nie umniejsza ich znaczenia w historii poezji rosyjskiej, wskazują bowiem, że w tych trudnych latach literatura, zmiażdżona nieszczęściami i skazana na zagładę w ciszy, istniała dalej – na przekór terrorowi i śmierci.

Poezja Achmatowej jest integralną częścią współczesnej kultury rosyjskiej i światowej.

Na początku lat 50. odbył się w Moskwie kongres pisarzy. Przewodniczył A. Fadeev, a wokół niego siedzieli najsłynniejsi pisarze. I nagle sala zaczęła się przerzedzać. Wszyscy stanęli wzdłuż ścian przestronnego foyer, a Anna Andreevna Achmatowa powoli przeszła przez środek foyer. Szczupła, z szalem zarzuconym na ramiona, nie patrząca na nikogo, samotna.

I tak jej życie toczyło się dalej – zarówno w świetle reflektorów, jak i sam na sam ze sobą, a jej poezja była całym światem i całym życiem.

Poezja to sam poeta i jego czas, jego duch i walka z niesprawiedliwością w imię szlachetności i piękna.

Wiersze A. Achmatowej oddają cechy czasu z całym jego potwornym okrucieństwem. Nikt nigdy nie powiedział o nim prawdy z taką gorzką bezlitosnością:

„Krzyczałam przez siedemnaście miesięcy,

Wzywam cię do domu.

Rzuciłem się do stóp kata,

Jesteś moim synem i moim horrorem.

Wszystko jest schrzanione na zawsze

I nie mogę tego zrozumieć

Kim jest bestia, kim jest człowiek,

I jak długo trzeba będzie czekać na egzekucję?”

Bezbronna i bezpośrednia, w nieludzkich warunkach wobec zalegalizowanych zbrodni, nie tylko opłakiwała te mroczne dni, ale także zwyciężyła je: „Nie zapomnij” („Requiem”)

Czas Achmatowej przeszedł gwałtowne zmiany i była to droga wielkich strat i strat. Tylko poeta o wielkiej sile, głębokiej istocie i woli mógł się temu przeciwstawić i przeciwstawić się wszystkiemu siłą swojej prawdziwej sztuki. A. Achmatowa, która w młodości zachwycała świat wersami autentycznych, czułych i subtelnych tekstów, w tym strasznym punkcie zwrotnym była zarówno stanowcza, jak i nieugięta, bezpośrednia i majestatyczna.

Czas jest najsprawiedliwszym sędzią. Szkoda tylko, że taka zemsta

czasami jest już późno.

WNIOSEK

Podsumowując, możemy wyciągnąć wnioski.

Achmatowa stworzyła system liryczny, jeden z najwybitniejszych w historii poezji, nigdy jednak nie myślała o liryzmie jako o spontanicznym wylaniu duszy. Potrzebowała poetyckiej dyscypliny, samoograniczenia, powściągliwości twórczej. Dyscyplina i praca. Puszkin lubił nazywać dzieło poety dziełem poety. A dla Achmatowej jest to jedna z jej tradycji Puszkina. Dla niej była to nawet praca fizyczna na swój sposób. Dla Achmatowej teksty nie są surowcem duszy, ale najgłębszą przemianą wewnętrznego doświadczenia. Przekładając to na inny klucz, w krainę innego słowa, gdzie nie ma wstydu, a tajemnice należą do każdego. W wierszu lirycznym czytelnik chce rozpoznać nie tyle poetę, co siebie samego. Stąd paradoks liryzmu: najbardziej subiektywna literatura, która jak żadna inna ciąży ku temu, co uniwersalne.

W tym sensie Anna Andreevna powiedziała: „Wiersze powinny być bezwstydne”. Oznaczało to: zgodnie z prawami poetyckiej transformacji poeta odważa się mówić o tym, co najbardziej osobiste - z osobistego stało się już ogólne. Achmatową charakteryzowała się niezwykle intensywnym doświadczeniem kultury. Teksty i kultura to ważny temat. To nie miejsce na takie dyskusje; Powiem tylko, że kultura nadaje tekstom szerokość i bogactwo skojarzeń, których tak potrzebuje.

Kultura była zawsze obecna w twórczości Achmatowej, choć w inny sposób. W jej późniejszych wierszach pojawia się kultura. We wczesnych jest ukryty, ale daje się odczuć poprzez tradycję literacką, subtelne, ukryte przypomnienia twórczości ich poprzedników.

Wspominając Achmatową z pewnością natrafiacie na temat kultury, tradycji, dziedzictwa. Jej twórczość postrzegana jest w tych samych kategoriach. O wpływie klasyki rosyjskiej na poezję Achmatowej powiedziano i napisano już wiele. W tej serii znajdują się Puszkin i poeci czasów Puszkina, rosyjska powieść psychologiczna Niekrasow. Znaczenie tekstów miłosnych Niekrasowa dla Achmatowej pozostaje do zbadania. Bliski jest jej ten liryzm - nerwowy, z jego miejskimi konfliktami, z potoczną mową intelektualistów. Jednak wszystkie te relacje nie są wcale proste. Krytyka czasami rozumie „klasyczność” niektórych poetów XX wieku, aż do poetów naszych czasów, jako powtórzenie, obsadę. Ale poezja rosyjska, która wyłoniła się po symbolistach, w walce z symbolistami, nie mogła jeszcze zapomnieć tego, co odkryli - intensywnej skojarzliwości słowa poetyckiego, jego nowej polisemii, wielowarstwowości. Achmatowa jest poetką XX wieku. Studiowała na klasyce, a w jej wierszach można znaleźć te same słowa, ale związek między słowami jest inny. Poezja Achmatowej to połączenie obiektywności słowa z dramatycznie transformacyjnym kontekstem poetyckim, z dynamiką bezimiennego i intensywnością starć semantycznych. To wielka poezja, nowoczesna i przerobiona na doświadczeniu dwóch stuleci rosyjskiej poezji.

Na przełomie wieków ostatnich i obecnych, choć nie dosłownie chronologicznie, w przededniu rewolucji, w epoce wstrząśniętej dwiema wojnami światowymi, w Rosji powstała być może najbardziej znacząca „kobieca” poezja w całej światowej literaturze czasów nowożytnych - poezja Anny Achmatowej. Najbliższą analogią, która pojawiła się wśród jej pierwszych krytyków, była starożytna grecka piosenkarka miłosna Safona: rosyjską Safonę często nazywano młodą Achmatową. Wiersze Achmatowej z okresu jej pierwszych książek („Wieczór”, „Różaniec”, „Białe Stado”) to niemal wyłącznie teksty miłosne. Jej innowacyjność jako artystki początkowo przejawiała się właśnie w tym tradycyjnie odwiecznym, wielokrotnie i pozornie rozgrywanym do końca temacie.

Nowatorstwo tekstów miłosnych Achmatowej przykuwało uwagę współczesnych jej niemal od pierwszych wierszy publikowanych w „Apollo”, ale niestety ciężki sztandar akmeizmu, pod którym stała młoda poetka, zdawał się na jakiś czas zasłonić jej prawdziwy, oryginalny wizerunek. długi czas w oczach wielu i zmusił ją do ciągłego korelowania swoich wierszy albo z akmeizmem, albo z symboliką, albo z tą czy inną teorią językową lub literacką, która z jakiegoś powodu wysunęła się na pierwszy plan. Achmatowa jest bowiem najbardziej charakterystyczną bohaterką swoich czasów, objawiającą się w nieskończonej różnorodności kobiecych losów: kochanki i żony, wdowy i matki, zdradzającej i porzuconej. Według A. Kollontai Achmatowa dała „całą księgę kobiecej duszy”. Achmatowa „wlała w sztukę” złożoną historię kobiecego charakteru przełomowej epoki, jej początków, rozpadu i nowej formacji. Bohater tekstów Achmatowa (nie bohaterka) jest złożony i wieloaspektowy. Właściwie trudno go nawet zdefiniować w tym sensie, w jakim definiuje się, powiedzmy, bohatera tekstów Lermontowa. To właśnie on – kochanek, brat, przyjaciel, przedstawiany w nieskończonej różnorodności sytuacji: podstępnych i hojnych, zabijających i wskrzeszających, pierwszego i ostatniego.

APLIKACJA

Bibliografia

1. A. Naiman „Opowieści o Annie Achmatowej”

2. M., „Fikcja” 1989

3. Anna Achmatowa. Wiersze i wiersze.

4. V., Wydawnictwo książkowe „Central Czarnoziem”, 1990.

5. Anna Achmatowa. Poezja i proza. Wydawnictwo Leningradzkie, 1976

6. Anna Achmatowa. Prace zebrane w 6 tomach (tom I – wiersze) M., 1998.

8. Achmatowa A.A. Ulubione, - M.: Olma-press, 2006. – 376 s.

9. Achmatowa A.A. Ulubione/opracowane, autor. notatka I.K. Sushilina. - M.: Edukacja, 1993. - 320 s.

10. Achmatowa A.A. Eseje. W 2 tomach T1. Wiersze i wiersze/Artykuł wprowadzający M. Dudina - M.: Fikcja, 1986. - 511 s.

11. Achmatowa A.A. Wiersze. Wiersze. – M.: Drop, 2003. – 368 s.

„Ciemnoskóry młodzieniec błąkał się po alejkach,

Brzegi jeziora były smutne,

I cenimy stulecie

Ledwo słyszalny szelest kroków…”

Na końcu wersetu znajduje się wyrazisty szczegół: „rozczochrany tom Facetów”. Jest to symbol wewnętrznego wyzwolenia i wolności poety.

„Wokół niego jest tak nieodwracalnie cicho,

Słychać trawę rosnącą w lesie.”

„Gdybyś tylko wiedział, jakie bzdury

Wiersze rosną bez wstydu…”

Rozwój tych wierszy to nie tylko mechaniczne pisanie, ale prawdziwe odtworzenie rzeczywistości, nadanie jej formy wiersza niosącego ludziom pozytywną energię duchową.

„A każdy czytelnik jest jak tajemnica,

Jak skarb zakopany w ziemi.”

„Opuśćcie swą ziemię, głusi i grzeszni,

Opuść Rosję na zawsze.”

Bohaterka w finale zachowuje się bardzo prosto, ale jednocześnie wyczuwalna jest w tej akcji pewna patos:

„Ale obojętnie i spokojnie

Zakryłem słuch rękami.”

„Na naszym zegarku wybiła godzina odwagi,

A odwaga nas nie opuści.”

„Damy je naszym wnukom i wybawimy je z niewoli.

Na zawsze!"

„Nie nosimy ich na piersiach w cennym amulecie,

Nie piszemy o niej łkających wierszy…”

Kompozycja

W rosyjskiej literaturze klasycznej temat poety i poezji jest jednym z wiodących. Wiersze tego typu zawsze stanowią rodzaj twórczego autoportretu, głębokiego wyznania autora, dlatego przyciągają uwagę czytelnika. Poeta XIX wieku jest prorokiem, jego słowo jest orężem w walce z chorobami społecznymi. W kryzysie XX wieku rozumienie poezji i jej znaczenia skomplikowało się nieporównanie, choć w zasadzie pozostało niezachwiane. Jak ten temat brzmi w twórczości A. Achmatowej?
Jak wiecie, młodzieńcze wiersze Achmatowej są ściśle związane z akmeizmem. Jeśli symboliści uważali poetę za proroka mówiącego o tajemnicach istnienia, prowadzącego „od realnego do najbardziej realnego”, to akmeistyczna idea poety jest znacznie bardziej przyziemna. Poezja to rzemiosło, poeta to mistrz, który zna prawa tego rzemiosła. Nie spieszy się na wyżyny, ale żyje, jak inni ludzie, na ziemi, tak jak oni, kocha, cierpi, czeka. Dlatego obraz poety w tekstach Achmatowa jest tak konkretny i namacalny, odtworzony w codziennych, prozaicznych szczegółach:

A twarz wydaje się bledsza
Ze słodkiego jedwabiu,
Prawie sięga brwi
Moje nieskręcone grzywki.

W tej szarej, swobodnej sukience
W znoszonych szpilkach...

Poeta jest zwykłym człowiekiem wśród ludzi, ale jego spojrzenie na świat jest niezwykłe. Dla Achmatowej poetycki pogląd na świat to pogląd, który łączy rzeczy, które w codziennej świadomości nie są ze sobą powiązane:

Moja pierś była tak bezradnie zimna,
Ale moje kroki były łatwe,
Położyłem go na prawej ręce
Rękawiczka na lewą rękę.

Wierzba rozpościerała się jak krzak na niebie
Wentylator się skończył.
Może lepiej, że tego nie zrobiłem
Twoja żona.

Przykłady takiego „koniugacji odległych pojęć” (A.S. Puszkin) można mnożyć w nieskończoność. Najważniejsze jest tutaj stworzenie nowego świata, wypełnionego żywymi, intensywnymi, dziwacznymi powiązaniami, które nie istnieją nigdzie poza słowem poetyckim.
W ten sposób poetyckie słowo Achmatowej staje się odrębną rzeczywistością, rządzącą się własnymi prawami. Być może dlatego Achmatowa, jak żaden inny poeta Srebrnego Wieku, łączy z Muzą rozległą i głęboką relację:

I Muza w dziurawym szaliku
Śpiewa smutno i smutno.
W okrutnej i młodzieńczej melancholii
Jej cudowna moc;

Siostra muza spojrzała w twarz,
Jej spojrzenie jest jasne i jasne.

I strona, którą pozostawiłem niedokończoną,
Boski spokój i światło,
Muzę dokończy ciemna ręka.

„Siostra Muza” jest bliska, ludzka, współczująca. Jej współczucie objawia się przede wszystkim w tym, że uwalnia ją od męki miłości:

W ten sposób nieodwzajemniona miłość staje się źródłem twórczości poetyckiej. Twórczość poetycka Achmatowej to przede wszystkim ucieleśnienie pamięci: miłości, historii, kultury.
Przecież tylko poezja okazuje się dla Achmatowej schronieniem miłości, na którą nie ma miejsca w prawdziwym życiu:

Dlatego pamięć o miłości jest ogniem, w którym poeta skazany jest na „śpiewanie i palenie”, przeżywając agonię śmierci i odradzając się na nowo, „aby później niczym Feniks z popiołów powstał błękitny” w eterze.”
Umierając i zmartwychwstając, poeta pozostaje mocno zakorzeniony w kulturze i historii. Ciągle czuje się jak pojemnik z przeszłością, w którym ta przeszłość zaczyna swoje nowe życie. Jest rzeczą bardzo charakterystyczną, że Muza Achmatowej, przy całej swojej oryginalności, o której mowa powyżej, okazuje się tą, która „podyktowała Dantemu karty piekła”, czyli nie tylko swoją, ale i cudzą. Achmatowa mówiła o tym paradoksie twórczości poetyckiej w następującym czterowierszu:
Nie powtarzaj - twoja dusza jest bogata -
Co kiedyś zostało powiedziane.
Ale może sama poezja -
Jeden świetny cytat.

Rzeczywiście w twórczości Achmatowej znajduje się wiele cytatów z dzieł innych poetów (Puszkina, Lermontowa, Tyutczewa i in.). Jednak poezja dla Achmatowej nie jest kombinacją cytatów, a nie „grą szklanych paciorków”. Przecież za każdym cytatem kryje się przeżycie, często bolesne, poezja dla Achmatowej to powrót przeszłości w jej najbardziej bolesnych momentach. Los poety jest losem żony Lota z wiersza o tym samym tytule. Wracając do przeszłości, próbując „spojrzeć na czerwone wieże rodzinnej Sodomy”, które w tej chwili są już zniszczone przez gniew Boży, poeta poświęca swoje życie. Zamienia się w słup soli i cierpi agonię tej przemiany. To właśnie ten sens poezji sprawił, że pojawienie się takiego dzieła jak „Requiem” stało się konieczne.
Zatem poetyckie samostanowienie Achmatowej jest ściśle związane z samostanowieniem moralnym. Moralne fundamenty poezji Achmatowej to empatia dla bólu innych ludzi, poczucie przynależności do świata i odpowiedzialność za wszystkie jego problemy.