El tema del poeta y la poesía en las obras de A. Akhmatova.

Akhmatova habló sobre cómo nace la poesía en la serie. "Secretos del oficio". Es notable la combinación de estas dos palabras, la combinación de lo sagrado y lo ordinario: una de ellas es literalmente inseparable de la otra cuando se trata de creatividad. Para Ajmátova, es un fenómeno del mismo orden que la vida, y su proceso se produce según la voluntad de las fuerzas que dictan el curso de la vida. El verso aparece como un “redoble de trueno agonizante”, como un sonido que triunfa “en el abismo de susurros y repiques”. Y la tarea del poeta es captarlo, escuchar las señales de campana que brotan de algún lugar "palabras y rimas ligeras".
El proceso creativo, el nacimiento de la poesía de Ajmátova, se equipara a los procesos que ocurren en la vida, en la naturaleza. Y el deber del poeta, al parecer, no es inventar, sino sólo, después de haber oído, escribir. Pero desde hace tiempo se ha observado que el artista en su obra no se esfuerza por hacer como en la vida, sino que crea como la vida misma. Ajmátova también entra en competencia con la vida (“No he arreglado mis cuentas con el fuego, el viento y el agua...”). La poesía de Ajmátova nos permite llegar al significado más profundo de lo que hace y hace la vida. Anna Ajmátova dijo esto:

« Si supieras qué clase de basura

Los poemas crecen sin vergüenza,

Como un diente de león amarillo junto a la valla,

Como bardanas y quinua”.

Pero la basura de la tierra se convierte en el suelo sobre el que crece la poesía, levantando a la persona con ella (“Para mí, mis sueños de repente abrirán las puertas y me llevarán a la estrella de la mañana”). Es por eso que en las letras de Ajmátova el poeta y el mundo tienen una relación de igualdad: la felicidad de ser regalado por él es inseparable en la poesía de la conciencia de la oportunidad de dar generosa y regiamente:

Probablemente quiera mucho más
Para ser cantado por mi voz:

Lo que no tiene palabras retumba,
O en la oscuridad la piedra subterránea se desgasta,
O atraviesa el humo.

Para Ajmátova, el arte es capaz de absorber el mundo y así enriquecerlo, y esto determina su poder efectivo, el lugar y el papel del artista en la vida de las personas. Con el sentimiento de este poder que se le había otorgado, Ajmátova vivió su vida en poesía. “Estamos condenados, y nosotros mismos lo sabemos: debemos desperdiciar, no salvar”, dijo al comienzo de su camino poético, en el decimoquinto año. Esto es lo que permite que el verso gane la inmortalidad, como precisamente se dice aforísticamente:

El oro se oxida y el acero se pudre,
El mármol se está desmoronando. Todo está listo para la muerte.

Lo más duradero del mundo es la tristeza.
Y más duradera es la palabra real.

Al encontrarse con los poemas de Ajmátova, involuntariamente se recuerda el nombre de Pushkin: la claridad clásica, la expresividad de la entonación de los versos de Ajmátova, una posición claramente expresada de aceptación del mundo opuesto al hombre, todo esto nos permite hablar sobre el principio de Pushkin, que revela claramente en la poesía de Ajmátova. El nombre de Pushkin era el más querido para ella: con él estaba asociada la idea de lo que constituye la esencia de la poesía. Casi no hay ecos directos de los poemas de Pushkin en la poesía de Ajmátova; la influencia de Pushkin se siente aquí en un nivel diferente: la filosofía de la vida, el deseo persistente de ser fiel sólo a la poesía y no al poder del poder o a las exigencias del poder. multitud. Es con la tradición Pushkin que se asocia la escala característica de pensamiento poético y la precisión armónica del verso de Ajmátova, la capacidad de identificar el significado universal de un movimiento emocional único, correlacionar el sentido de la historia con el sentido de la modernidad y, finalmente, la variedad de temas líricos, unidos por la personalidad del poeta, que es siempre contemporáneo del lector.
Ajmátova vinculó para siempre su destino con el destino de su tierra natal, y cuando, después de la revolución, llegó el momento de elegir, no lo dudó: se quedó con su país natal, con el pueblo, declarándolo decisivamente y en voz alta en el poema. “Tenía voz. Llamó reconfortantemente…”
Pero Ajmátova no tenía la intención de convertirse en una cantante de la clase ganadora.
No negó a la revolución la grandeza de sus objetivos, pero Ajmátova estaba convencida de que su afirmación no podría lograrse.

para demostrar una profanación de la humanidad, la crueldad, que en la era posrevolucionaria se presentó como el medio más eficaz para establecer el bien y la justicia. Sus poemas, generados en una época en la que, en nombre de elevados ideales, muchos destinos humanos fueron destruidos sin sentido y vidas pisoteadas, están llenos de una amargura ineludible:

no estarás vivo

No puedes levantarte de la nieve.

Veintiocho bayonetas,

Cinco disparos.

Actualización amarga

Cosí para una amiga.

Ama, ama la sangre.

Tierra rusa.

Los poemas de Ajmátova claramente no correspondían a las ideas sobre el significado de la existencia y el propósito de la poesía, que se afirmaban cada vez más en la era posrevolucionaria: se declara que su poesía es una propiedad del pasado, hostil a la realidad revolucionaria. Y pronto sus poemas dejaron de publicarse por completo, e incluso su nombre aparecía ocasionalmente, sólo en un contexto marcadamente crítico. El tiempo trató a Ajmátova con extrema crueldad.
El dolor que experimentó entonces y que permaneció con ella por el resto de su vida se repetirá en sus poemas una y otra vez:

“En el umbral del paraíso blanco, mirando hacia atrás, gritó: “¡Estoy esperando!” “Llamé a la muerte a mis seres queridos, y murieron uno tras otro”.
Ajmátova se enteró de la ejecución de su marido Gumilyov por los periódicos.

A las obras maestras de las letras de Akhmatova:
Otoño manchado de lágrimas, como una viuda
Vestidos de negro, todos los corazones están nublados...
Repasando las palabras de mi marido,
Ella no deja de llorar.
Y así será hasta la nieve más tranquila.
No se apiadará de los afligidos y cansados...
Olvido del dolor y olvido de la dicha - Dar mucha vida por esto.
Hay muchas descripciones hermosas del otoño en la poesía rusa. Akhmatova no describe: recrea el estado mental interior, que en la vida cotidiana a menudo se caracteriza por la palabra otoño: aquí la amargura y la melancolía se fusionan.

Composición

Anna Akhmatova trabajó en una época muy difícil, una época de desastres y agitaciones sociales, revoluciones y guerras. Los poetas en Rusia en esa época turbulenta, cuando la gente olvidaba lo que era la libertad, a menudo tenían que elegir entre la libre creatividad y la vida. Pero a pesar de todas estas circunstancias, los poetas continuaron obrando milagros: se crearon versos y estrofas maravillosas. La fuente de inspiración para Ajmátova fue su patria, Rusia, que fue profanada, pero esto la hizo aún más cercana y querida. Anna Ajmátova no podía emigrar porque sabía que sólo en Rusia podía crear, que era en Rusia donde se necesitaba su poesía.

* No estoy con los que abandonaron la tierra.
* Ser despedazado por los enemigos.
* No escucho sus groseros halagos,
* No les daré mis canciones.

Pero recordemos el inicio del camino de la poetisa. Sus primeros poemas aparecieron en Rusia en 1911 en la revista “Apollo” y al año siguiente se publicó la colección de poesía “Tarde”. Casi de inmediato, los críticos clasificaron a Ajmátova entre los más grandes poetas rusos. Todo el mundo de la poesía temprana de Ajmátova, y en muchos sentidos posterior, estaba conectado con A. Blok. La musa de Blok resultó estar casada con la musa de Ajmátova. El héroe de la poesía de Blok era el héroe "masculino" más significativo y característico de la época, mientras que la heroína de la poesía de Ajmátova era un representante de la poesía "femenina". De las imágenes de Blok proviene en gran medida el héroe de la letra de Akhmatov. Ajmátova en sus poemas aparece en una infinita variedad de destinos de mujeres: amantes y esposas, viudas y madres, infieles y abandonadas. Ajmátova mostró en el arte la compleja historia del personaje femenino de la era avanzada, sus orígenes y la ruptura de una nueva formación. Por eso, en 1921, en un momento dramático de su vida y de la de todos, Ajmátova pudo escribir estas líneas que fueron asombrosas en su espíritu:

* Todo fue robado, traicionado, vendido,
* El ala de la Peste Negra brilló,
* Todo es devorado por la melancolía hambrienta,
* ¿Por qué nos sentimos ligeros?

Entonces, en cierto sentido, Ajmátova también fue una poeta revolucionaria. Pero ella siempre fue una poeta tradicional, que se colocó bajo la bandera de los clásicos rusos, principalmente Pushkin. El desarrollo del mundo de Pushkin continuó a lo largo de su vida.

Hay un centro que, por así decirlo, atrae hacia sí el resto del mundo de la poesía; resulta ser el nervio, la idea y el principio principal; Esto es amor. El elemento del alma femenina inevitablemente tuvo que comenzar con tal declaración de amor. En uno de sus poemas, Ajmátova llamó al amor "la quinta estación del año". El sentimiento, en sí mismo agudo y extraordinario, adquiere una agudeza adicional, manifestándose en la expresión de crisis extrema de un ascenso o una caída, un primer encuentro o una ruptura total, un peligro mortal o una melancolía mortal. Es por eso que Akhmatova se siente tan atraída por el cuento lírico con un final inesperado, a menudo caprichoso y caprichoso, de la trama psicológica y de la inusual balada lírica, inquietante y misteriosa ("La ciudad ha desaparecido", "Balada de Año Nuevo" ).

Por lo general, sus poemas son el comienzo de un drama, o sólo su clímax, o incluso más a menudo el final y el final. Y aquí se basó en la rica experiencia de la poesía rusa, no solo en poesía, sino también en prosa:

* Gloria a ti, dolor desesperado,
* El rey de ojos grises murió ayer.
* Y fuera de la ventana susurran los álamos:
*Tu rey no está en la tierra...
* Los poemas de Ajmátova contienen un elemento especial de amor-lástima:
* Ay no, yo no te amaba,
* Quemado con dulce fuego,
* Así que explica qué poder

* En tu triste nombre.

El mundo de la poesía de Ajmátova es un mundo trágico. Se escuchan motivos de desgracia y tragedia en los poemas "Calumnia", "El último", "Después de 23 años" y otros. En los años de represión, de las pruebas más difíciles, cuando su marido sea fusilado y su hijo acabe en prisión, la creatividad se convertirá en la única salvación, “la última libertad”. La musa no abandonó al poeta y escribió el gran "Réquiem".

En comparación con los simbolistas, las descripciones de Ajmátova destacan precisamente por su ascetismo. Otra diferencia es la tacaña precisión y concisión. “El fino hielo de abril crujió levemente”, “Y el agudo grito de un cuervo en el cielo negro”, “Y los raros acordes del clavicémbalo”, cada uno de estos sonidos, gracias a una característica precisa y específica, se vuelve definido y claro. reconocible. En los poemas de Ajmátova, que “superó el simbolismo”, aparecen “formas precisas y estrictas del mundo exterior” y “bonitos límites entre las cosas”. No impiden la comparación de sonidos de diferentes tipos, pero sí impiden que se mezclen en un único flujo sonoro poco claro, que los simbolistas llaman música.

En la poesía simbolista, la música es una palabra-símbolo clave que abarca muchos significados. La música, los sonidos generados por el arte de los músicos, es la cima de la jerarquía en la que los simbolistas construyeron todas las manifestaciones sonoras del mundo exterior, que los atraía no en sí mismos, sino como representantes de la "armonía mundial". De ahí la deificación del arte musical, que llevó a los simbolistas a despersonalizar fenómenos sonoros cualitativamente diferentes. Desde esta posición, cualquier sonido ya era música. Además, al entender la música como la "esencia del mundo", los simbolistas la escuchaban incluso donde no sonaba nada. Es decir, se atribuían propiedades musicales a fenómenos que no tienen expresión acústica. Las frases se volvieron bastante naturales cuando la palabra “música” no aparecía sola, sino acompañada de un sustantivo en genitivo, como “música de la tierra” de A. Blok o “música de los sueños” de I. Annensky.

Si bien la música de Ajmátova no es “música de algo”, existe en poesía por sí sola. Ajmátova, sin teorizar, distingue sin embargo el sonido como fenómeno artístico de la música, separando también varios tipos de sonidos. La música es uno de los fenómenos del mundo, que no pretende ser su esencia; es un valor entre otros valores, elevado, pero no supremo. Y, sin embargo, conserva la capacidad de hacer que una persona experimente momentos excepcionales, estados de ánimo únicos:

* Algo milagroso arde en ella,
* Y ante nuestros ojos se cortan sus bordes.
* Ella sola me habla,
* Cuando los demás tienen miedo de acercarse.
* Cuando el último amigo miró hacia otro lado,
*Ella estaba conmigo en mi tumba.
* Y cantó como la primera tormenta.
* Es como si todas las flores empezaran a hablar.

En la serie de fenómenos sonoros, la música ocupa aproximadamente la misma posición. Las enumeraciones y comparaciones de Ajmátova se diferencian de las simbolistas por ser particularmente cuidadosas. Carecen de identificación directa. Compárese el tímido "o" de Ajmátova con el confiado "así" de A. Bely y con la carrera aún más decisiva de Balmont. V.M. Zhirmunsky escribió sobre las comparaciones de Akhmatova que carecen de “identificación metafórica característica del simbolismo... Las comparaciones se introducen con las palabras como si, como si, como si, expandiendo aún más la distancia entre los objetos comparados... "Parece enfatizar que el acto mismo de comparación es el resultado de una reflexión artística". Los sonidos no se ordenan según un esquema jerárquico, donde la música tendría preferencia sobre otros sonidos, sino según un esquema horizontal, donde cada uno de ellos revela su individualidad:

* Como grullas cantando en el cielo,
* Cómo parlotean inquietas las cigarras,
* Cómo canta la chica soldado sobre la tristeza -
* Recordé todo con un oído sensible.

En el fragmento anterior del poema "Junto al mar", los gritos de los pájaros, el chisporroteo de las cigarras y el canto parecen ser igualmente importantes para el oído del autor. Así, más adelante, en el poema “Sueño”, la entonación enumerativa no da ventaja a la música de Bach sobre la campana de la iglesia y ambas suenan sobre el silencioso florecer de las rosas y la naturaleza otoñal. Al leer algunos de sus últimos poemas, la idea que Ajmátova tiene de la música a veces se parece a una idea simbolista.

La investigación sobre esta faceta de la creatividad de A. Akhmatova puede continuar en más de una dirección, cada una de las cuales no es menos interesante que la descrita anteriormente. Ésta podría ser la siguiente etapa de mi trabajo de estudio de la obra de los poetas rusos del siglo XX. Además, es posible estudiar este aspecto en las obras de otros representantes del arte poético.

La cuestión de qué debe ser un poeta, cuál es su papel en la sociedad, cuáles son las tareas de la poesía, siempre ha preocupado y sigue preocupando a los partidarios del arte para el pueblo. Por tanto, el tema del propósito del poeta es el tema central no sólo de la poesía del siglo XIX, sino que impregna toda la obra de los poetas modernos, para quienes el destino de la patria y del pueblo es su destino.

A pesar de que Anna Akhmatova predijo un camino de vida corto para ella, se equivocó: su camino fue largo y extremadamente rico y complejo desde el punto de vista creativo. En diferentes momentos tuvo diferentes valoraciones sobre el papel del poeta, como ella misma se llamaba, y la poesía en la sociedad. Las primeras letras se formaron bajo la influencia de la moda de los poemas de amor de esa época, aunque ya entonces Ajmátova se destacó mucho entre sus "compañeros de taller" y, por lo tanto, nunca se llamó a sí misma una poeta.

Ajmátova se preguntó sobre el papel del poeta y la poesía en la sociedad. Esto no fue en absoluto accidental. Las raíces de este fenómeno se encuentran en la psicología del poeta: Ajmátova siempre se sintió parte de algo grande: la historia, el país, la gente. Los primeros experimentos poéticos tuvieron lugar cuando Ajmátova estaba en línea con el movimiento “acmeísmo”. Pero poco a poco la poetisa se alejó de los acmeístas y eligió otro punto de referencia, que consideraba el único auténtico: Pushkin. A él está dedicado uno de los poemas del ciclo “In Tsarskoe Selo”:

"El joven de piel oscura deambulaba por los callejones,

Las orillas del lago estaban tristes

Y apreciamos el siglo.

El apenas audible susurro de pasos..."

Al final del verso hay un detalle expresivo: “el volumen desaliñado de Guys”. Este es un símbolo de la liberación interior y la libertad del poeta.

Pero aún así, a pesar de que Pushkin era la máxima autoridad literaria para Ajmátova, ella también buscaba su propia imagen en el mundo de la poesía contemporánea. El ciclo “Secretos del oficio” se convirtió en un intento de comprender el misterio de la poesía y, en consecuencia, su propio misterio. La naturaleza de la inspiración se convirtió en el tema del poema inicial del ciclo con el título inequívoco “Creatividad”. Ajmátova no olvida sus raíces literarias, heredando las tradiciones de Lérmontov, Pushkin y Zhukovsky. La conciencia del poeta busca, selecciona cuidadosamente en el caos de los sonidos uno, un único motivo verdadero:

"Hay un silencio tan irreparable a su alrededor,

Se puede oír la hierba creciendo en el bosque".

Una vez determinado el motivo, el poeta debe resolver otra tarea necesaria: plasmarlo en papel. Para Ajmátova, este proceso se asemeja a un dictado, y el poeta está dictado por sus impulsos y sonidos internos. No importa si la definición o imagen dictada es "baja" o "alta": tal división no existe para Ajmátova (ella declara: "No necesito ejércitos ódicos"). La poetisa habla del “milagro ordinario” de la poesía. Consiste en el nacimiento de un verso desde un entorno cotidiano:

"Si supieras qué clase de basura

Los poemas crecen sin vergüenza..."

El crecimiento de estos poemas no es solo una escritura mecánica, sino una recreación real de la realidad, dándole la forma de un poema que transmite energía espiritual positiva a las personas.

Para Ajmátova no menos importante era la figura del lector a quien llegaría la carga positiva del poema, porque la poesía es un diálogo entre el artista y el lector. Si no fuera por esto último, no habría nadie para quien escribir, es decir, la idea de poesía perdería todo significado. "No existo sin un lector", señala Marina Tsvetaeva. Para Ajmátova, el lector se convierte en un “amigo desconocido” que es mucho más que un simple consumidor de valores espirituales. En el alma, sus poemas adquieren un sonido nuevo, al refractarse a través de una conciencia única, diferente a la conciencia del poeta:

"Y cada lector es como un secreto,

Como un tesoro enterrado en la tierra."

El ejemplo de este y otros poemas muestra claramente que el ciclo, en total conformidad con su nombre, revela al lector los secretos del oficio poético de Ajmátova. Pero además del aspecto “técnico” de la poesía, como se puede llamar con cierta convención a lo anterior, también existe una relación entre el poeta y el mundo exterior, a menudo completamente apoético. Los años veinte del siglo pasado presentaron a muchos poetas la opción de emigrar al extranjero o quedarse en su país en tiempos difíciles. Sin embargo, Akhmatova, siendo, como Nekrasov, ante todo un poeta-ciudadano, toma una decisión difícil: quedarse en la nueva Rusia: "No estoy con los que abandonaron la tierra". Esta afirmación suena bastante dura, pero la frase: “No les daré mis canciones” enfatiza aún más claramente la posición del autor. El carácter categórico de Ajmátova se expresa también en el hecho de que confía “en que en la evaluación posterior cada hora estará justificada”. En este llamado al futuro, hay un claro eco en el poema "Duma" de Lermontov: el poeta se dirigió a sus descendientes, al igual que Ajmátova. Sin embargo, el tema no termina ahí: en el poema "Cuando en la angustia del suicidio...", impregnado de motivos místicos, el poeta escucha una voz interior, la voz de las fuerzas oscuras que lo llaman:

"Dejad vuestra tierra, sordos y pecadores,

Dejemos a Rusia para siempre".

La heroína actúa de manera muy simple en el final, pero al mismo tiempo se siente cierta patetismo en esta acción:

"Pero con indiferencia y calma

Me tapé el oído con las manos".

Ajmátova finalmente decide hacerse la prueba, pero en su tierra natal. No tuvieron que esperar mucho: la Gran Guerra Patria se convirtió en una verdadera prueba de supervivencia para Rusia. Ajmátova tampoco se hizo a un lado: al principio estaba en la sitiada Leningrado, más tarde en Tashkent. Pero dondequiera que estuviera, la poetisa sentía la necesidad de que todos, especialmente los poetas y escritores, participaran de alguna manera en la guerra y compartieran el dolor universal. Así nace uno de sus poemas más famosos, “Coraje”. Nos recuerda nuestro deber para con la Patria:

"Ha llegado la hora del coraje bajo nuestra guardia,

Y nuestro coraje no nos abandonará."

Aún más importante es el recordatorio de lo más preciado que tiene el pueblo ruso: la palabra rusa, que fue elogiada por muchos poetas y escritores mucho antes que Ajmátova. Perder su casa no da tanto miedo como perder su idioma; cualquier artista de la palabra puede suscribirse a esto. La poetisa también entendió que el idioma determina la singularidad de una nación, lo que la diferencia de cualquier otro pueblo del mundo. El final suena como un hechizo, que refleja con mayor precisión el deseo del autor de preservar el habla nativa:

"Se lo daremos a nuestros nietos y los salvaremos del cautiverio.

El poema "Tierra natal" es el resultado filosófico de la obra de Ajmátova. El movimiento de la trama de este poema comienza desde lo privado, momentáneo y continúa hasta lo eterno, imperecedero. El poema recuerda mucho a "Patria" de Lermontov y a varios poemas posteriores de Pushkin. Todos los que viven en Rusia son parte de su propio país y, por lo tanto, tienen el honorable derecho de considerarlo suyo. Pero la patria es tan grande y vasta que a veces ni siquiera se nota y no se aprecia:

"No los llevamos en el pecho como un amuleto preciado,

No escribimos poemas de sollozos sobre ella..."

Sólo después de la muerte una persona se reúne inevitablemente con la tierra, aunque en realidad esta conexión siempre debería estar ahí. Para un poeta, la vida con sentido de patria es doblemente importante: le da la fuerza para crear.

"Réquiem" de Anna Andreevna Ajmátova

Anna Andreevna es una de las poetas cuya belleza y ambigüedad de sus creaciones sólo pueden revelarse volviendo a ellas repetidamente. Sus versos individuales, estrofas y poemas completos son recordados y participan activamente en nuestra vida espiritual, transformándola.

Entre 1935 y 1940 se creó el "Réquiem", publicado sólo medio siglo después, en 1987, que refleja la tragedia personal de Anna Akhmatova, el destino de ella y su hijo Lev Nikolaevich Gumilyov, reprimidos ilegalmente y condenados a muerte. "Réquiem" se convirtió en un monumento a todas las víctimas de la tiranía de Stalin. "En los terribles años de Yezhovshchina, pasé diecisiete meses en las colas de la prisión" - "He estado gritando durante diecisiete meses, llamándote a casa..."

"Y la palabra de piedra cayó

En mi pecho aún vivo.

Está bien, porque estaba listo.

Me ocuparé de esto de alguna manera.

Tengo mucho que hacer hoy:

Debemos matar completamente nuestra memoria,

Es necesario que el alma se convierta en piedra,

Debemos aprender a vivir de nuevo."

Líneas de tan trágica intensidad, que exponían y denunciaban el despotismo del estalinismo, eran peligrosas y simplemente imposibles de escribir en el momento en que fueron escritas. Tanto el propio autor como varios amigos cercanos memorizaron el texto, poniendo a prueba de vez en cuando la fortaleza de su memoria. Entonces la memoria humana dura mucho tiempo.

se convirtió en “papel” en el que se imprimió “Réquiem”. Sin Réquiem es imposible entender la vida, la obra o la personalidad de Anna Andreevna Akhmatova. Además, sin Réquiem es imposible entender la literatura del mundo moderno y los procesos que han tenido y están teniendo lugar en la sociedad. Hablando del "Réquiem" de Akhmatova, A. Urban expresa la opinión de que "vivió antes", en esos fragmentos que se publicaron como poemas separados en los años 30. ¡Vivía en trozos de papel copiados a mano o mecanografiados a máquina! El crítico considera que “la publicación de “Réquiem” puso fin para siempre a la leyenda de Ajmátova “como poeta exclusivamente de cámara”.

“Representante de la “Edad de Plata” de la cultura rusa, atravesó valientemente el siglo XX hasta llegar a nosotros, testigos de sus últimas décadas. El camino es difícil, trágico, al borde de la desesperación. "Pero el autor del artículo llama la atención sobre el hecho de que incluso en "su obra más amarga, "Réquiem", Anna Ajmátova (esto también es propiedad de la gran literatura rusa) conserva la fe en la justicia histórica".

En esencia, “nadie sabe en qué época vive. Nuestro pueblo no sabía a principios de la década de 1990 que vivía en vísperas de la primera guerra europea y de la Revolución de Octubre”, escribió Ajmátova. Esta profunda observación reveló en el autor un artista y un historiador al mismo tiempo. En su vida y obra sentimos el indomable “correr del tiempo”; no encontramos los procesos históricos externos de la época que vivimos, sino sentimientos vivos, la previsión de una artista perspicaz.

Actualmente, la revista literaria y artística “Octubre” publicó en 1987 en sus páginas “Réquiem” íntegramente. Así, el destacado trabajo de Ajmátova se hizo “público”. Este es un documento sorprendente de la época, basado en los hechos de la propia biografía, evidencia de las pruebas por las que pasaron nuestros compatriotas.

“...La hora del funeral se ha acercado nuevamente.

Te veo, te oigo, te siento...

. . . . . . . . . . . . . . . . . .

Me gustaría llamar a todos por su nombre.

Sí, quitaron la lista y no hay lugar para averiguarlo...

. . . . . . . . . . . . . . . . .

Los recuerdo siempre y en todas partes,

No me olvidaré de ellos ni siquiera en un nuevo problema…”

Anna Andreevna goza merecidamente del agradecido reconocimiento de los lectores y es bien conocida la gran importancia de su poesía. En estricta proporción con la profundidad y amplitud de sus ideas, su “voz” nunca se convierte en un susurro ni se convierte en un grito, ni en horas de dolor nacional ni en horas de triunfo nacional.

Con moderación, sin gritos ni tensiones, de manera épicamente desapasionada, se dice sobre el dolor experimentado: “Las montañas se inclinan ante este dolor”. Anna Akhmatova define el significado biográfico de este dolor de la siguiente manera: "Mi marido está en la tumba, mi hijo está en prisión, oren por mí". Esto se expresa con franqueza y sencillez, que sólo se encuentran en el alto folclore. Pero no se trata sólo de sufrimiento personal, aunque eso por sí solo es suficiente para provocar una tragedia. Este sufrimiento se amplía en el marco: “No, no soy yo, es otro el que sufre”, “Y no oro solo por mí, sino por todos los que estuvieron conmigo. » Con la publicación de “Réquiem” y los poemas adyacentes, la obra de Anna Akhmatova adquiere un nuevo significado histórico, literario y social.

Es en "Requiem" donde el laconismo del poeta es especialmente notable. Aparte del prosaico "En lugar de un prefacio", sólo hay unas doscientas líneas. Y Réquiem suena a epopeya.

Los años 30 fueron a veces las pruebas más difíciles de su vida para Ajmátova. Ella fue testigo no sólo de la Segunda Guerra Mundial desatada por el fascismo, que pronto se extendió al suelo de su Patria, sino también de otra guerra no menos terrible librada por Stalin y sus secuaces contra su propio pueblo. Las monstruosas represiones de los años 30, que cayeron sobre sus amigos y personas de ideas afines, también destruyeron su hogar familiar: primero, su hijo, un estudiante universitario, y luego su marido, N.N Punin, fueron arrestados y exiliados. La propia Ajmátova vivió todos estos años en constante anticipación de ser arrestada. Pasó muchos meses haciendo largas y tristes colas en prisión para entregar el paquete a su hijo y conocer su destino. A los ojos de las autoridades, era una persona extremadamente poco confiable: su primer marido, N. Gumilev, fue fusilado en 1921 por actividades "contrarrevolucionarias". Era muy consciente de que su vida estaba en juego y escuchaba alarmada cualquier golpe a la puerta. Parecería que en tales condiciones era impensable escribir, y ella realmente no escribió, es decir, no escribió sus poemas, abandonando lápiz y papel. L.K. Chukovskaya escribe en sus memorias sobre la atención con la que la poetisa leyó sus poemas en un susurro, ya que la mazmorra estaba muy cerca. Sin embargo, al verse privada de la oportunidad de escribir, Anna Ajmátova experimentó al mismo tiempo su mayor ascenso creativo durante estos años. Gran dolor, pero al mismo tiempo gran coraje y orgullo por el pueblo forman la base de los poemas de Ajmátova de este período.

El principal logro creativo y cívico de Ajmátova en los años 30 fue el "Réquiem" que creó, dedicado a los años del "Gran Terror", el sufrimiento del pueblo reprimido.

“No, y no bajo un cielo extraño,

Y no bajo la protección de alas alienígenas,

Yo estaba entonces con mi gente,

Donde estaba mi gente, lamentablemente. »

"Réquiem" consta de diez poemas. Un prefacio en prosa, llamado por Ajmátova "en lugar de prefacio", "dedicación", "introducción" y un "epílogo" de dos partes. La Crucifixión incluida en el Réquiem también consta de dos partes. El poema “No en vano sufrimos juntos...”, escrito posteriormente, también está relacionado con el “Réquiem”. De allí Anna Andreevna tomó las palabras: "No, y no bajo un firmamento extraño..." como epígrafe de "Réquiem", ya que, según la poetisa, marcaron el tono de todo el poema, siendo su musical y semántico. llave. Los “simpatizantes” aconsejaron abandonar estas palabras, con la intención de pasar la obra por la censura.

"Requiem" tiene una base vital, que se expresa muy claramente en una pequeña parte en prosa: "En lugar de un prefacio". Ya aquí se siente claramente el objetivo interno de toda la obra: mostrar los terribles años de la Yezhovshchina. Y esta es la historia. Junto con otros enfermos, Ajmátova hizo fila en la prisión. “Un día alguien me “identificó”. Entonces una mujer parada detrás de mí con labios azules, que, por supuesto, nunca había escuchado mi nombre en su vida, despertó del estupor que nos caracteriza a todos y me preguntó al oído (todos allí hablaban en un susurro) :

¿Puedes describir esto?

Y yo dije:

Entonces algo parecido a una sonrisa se deslizó por lo que una vez fue

su cara."

En este pequeño pasaje emerge visiblemente una era: terrible, desesperada. La idea de la obra es coherente con el vocabulario: Ajmátova no fue reconocida, pero, como solían decir entonces, fue “identificada”; los labios de la mujer estaban “azules” por el hambre y el agotamiento nervioso; todos hablan sólo en un susurro y sólo “al oído”.

Esto es necesario; de lo contrario, descubrirán, "identificarán", "lo considerarán poco confiable" - un enemigo. Ajmátova, eligiendo el vocabulario adecuado, escribe no sólo sobre ella misma, sino sobre todos a la vez, habla del "adormecimiento" "característico" de todos. El prefacio del poema es la segunda clave de la obra. Nos ayuda a comprender que el poema fue escrito “por encargo”. La mujer “de labios azules” le pide esto, como última esperanza de algún tipo de triunfo de la justicia y la verdad. Y Ajmátova asume esta orden, esta dura tarea, sin dudarlo en absoluto. Y esto es comprensible: después de todo, ella escribirá sobre todos y sobre ella misma, esperando que llegue el momento en que el pueblo ruso "lo aguante todo". Y amplio, claro...

"Requiem" fue creado a lo largo de diferentes años. Por ejemplo, "Dedicación" está marcado en marzo de 1940. Revela "direcciones" específicas. Estamos hablando de mujeres separadas de los detenidos. Les habla directamente a aquellos a quienes lloran. Estos son sus seres queridos que van a ser sometidos a trabajos forzados o ejecutados. Así describe Ajmátova la profundidad de este dolor: “Ante este dolor, las montañas se doblan, el gran río no fluye. “Los seres queridos lo sienten todo: “las fuertes puertas de la prisión”, los “agujeros de los presos” y la melancolía mortal de los presos.

“Sólo oímos el odioso chirriar de las llaves...

Sí, los pasos de los soldados son pesados…”

Y nuevamente se enfatiza la desgracia común, el dolor común:

“Caminamos por la capital salvaje...

Y la Rusia inocente se retorció"

Las palabras "Rus se retorcía" y "capital salvaje" transmiten con la mayor precisión el sufrimiento del pueblo y conllevan una gran carga ideológica. La introducción también contiene imágenes específicas. Aquí está uno de los condenados, a quien los “marusi negros” se llevan por la noche. También se refiere a su hijo.

“Hay íconos fríos en tus labios

Sudor de muerte en la frente."

Se lo llevaron al amanecer, pero el amanecer es el comienzo del Día, y aquí el amanecer es el comienzo de la incertidumbre y del profundo sufrimiento. El sufrimiento no sólo de quien se va, sino también de quienes lo siguieron “como una comida para llevar”. E incluso el comienzo folclórico no suaviza, sino que enfatiza la agudeza de las experiencias de los inocentes condenados:

“El Quiet Don fluye silenciosamente

La luna amarilla está entrando en la casa."

El mes no está claro, como se suele hablar y escribir sobre él, pero amarillo, “¡el mes amarillo ve su sombra!” Esta escena es un llanto por un hijo, pero le da a esta escena un significado más amplio.

Hay otra imagen específica. Imagen de la ciudad. E incluso un lugar concreto: “Él estará debajo de las Cruces” (el nombre de la prisión). Pero en la imagen de la ciudad en el Neva no sólo está el "esplendor de Pushkin" y la belleza con su hermosa arquitectura, sino que es incluso más oscura que San Petersburgo, conocida por todos por las obras de N.A. Nekrasov y F.M. Dostoievski. Esta es una ciudad, un apéndice de una prisión gigantesca, que extiende sus feroces edificios sobre el Neva muerto e inmóvil.

“Y colgaba como un colgante innecesario

Cerca de sus prisiones Leningrado"

En estas palabras se siente simpatía y lástima, donde la ciudad aparece como un rostro vivo.

El lector queda impactado por las escenas individuales descritas por el autor en el poema. El autor les da un significado general amplio para enfatizar la idea principal del trabajo: mostrar no un caso aislado, sino un dolor a nivel nacional. Aquí está el lugar del arresto, donde estamos hablando de muchos hijos, padres y hermanos. Ajmátova también escribe sobre niños en una habitación oscura, aunque su hijo no tuvo hijos. En consecuencia, al despedirse de su hijo, al mismo tiempo se refiere no sólo a ella misma, sino también a aquellos con quienes pronto la unirá su línea carcelaria.

En “Réquiem”, hablando de las “esposas de los Streltsy” que aúllan bajo las torres del Kremlin, muestra un camino sangriento que se extiende desde la oscuridad de los tiempos hasta la modernidad. Desafortunadamente, este camino sangriento nunca fue interrumpido, y durante los años de represión bajo Stalin, que pisoteó los “Derechos del Pueblo”, se hizo aún más ancho, formando mares enteros de sangre inocente. Según Ajmátova, ningún objetivo justifica jamás la sangre, ni siquiera durante 1937. Su convicción se basa en el mandamiento cristiano "no matarás". En "Requiem", aparece de forma inesperada y triste una melodía que recuerda vagamente a una canción de cuna:

“El Quiet Don fluye silenciosamente,

La luna amarilla entra en la casa,

Entra con el sombrero a un lado,

Ve la sombra de la luna amarilla.

Esta mujer está enferma.

Esta mujer está sola.

Marido en la tumba, hijo en prisión,

Reza por mí."

El motivo de la canción de cuna con la imagen inesperada y semi-delirante del tranquilo Don prepara otro motivo, aún más terrible, el motivo de la locura, el delirio y la total disposición a la muerte o al suicidio:

“Ya la locura está volando

La mitad de mi alma estaba cubierta,

Y bebe vino de fuego,

Y te invita al valle negro."

La antítesis que surge gigantesca y trágicamente en el "Réquiem" (Madre e hijo ejecutado) inevitablemente se correlacionaba en la mente de Ajmátova con la trama del evangelio, y dado que esta antítesis no era sólo un signo de su vida personal y afectaba a millones de madres e hijos, Ajmátova Se consideraba con derecho a apoyarse artísticamente en él, lo que amplió el alcance del "Réquiem" a una escala enorme y totalmente humana. Desde este punto de vista, estos versos pueden considerarse el centro poético y filosófico de toda la obra, aunque se sitúan inmediatamente antes del “Epílogo”.

El “Epílogo”, que consta de 2 partes, primero devuelve al lector a la melodía y el significado general del “Prefacio” y la “Dedicación” aquí nuevamente vemos la imagen de una cola en la prisión, pero esta vez es algo generalizada, simbólica; , no tan específico como al principio poemas.

“Aprendí cómo caen las caras,

Cómo el miedo se asoma por debajo de tus párpados.

Como páginas duras cuneiformes

El sufrimiento aparece en las mejillas…”

“Me gustaría nombrar a todos,

Sí, quitaron la lista y no hay lugar para averiguarlo.

Para ellos tejí una amplia funda.

De los pobres han oído palabras"

Palabras tan elevadas, tan amargas y solemnemente orgullosas: se mantienen densas y pesadas, como fundidas en metal, en reproche a la violencia y en memoria de las personas futuras.

La segunda parte del epílogo desarrolla el tema del Monumento, muy conocido en la literatura rusa según Derzhavin y Pushkin, pero bajo la pluma de Ajmátova adquiere una apariencia y un significado completamente inusuales: profundamente trágicos. Se puede decir que nunca, ni en la literatura rusa ni en la mundial, ha aparecido un Monumento al Poeta tan inusual, que se encuentra, según su voluntad y testamento, en el Muro de la Prisión. Este es verdaderamente un monumento a todas las víctimas de la represión, torturadas en los años 30 y otros años terribles.

A primera vista, un extraño deseo suena sublime y trágico.

poetisas:

"Y si alguna vez en este país

Están planeando erigir un monumento en mi honor,

Doy mi consentimiento a este triunfo,

Pero sólo con una condición: no la pongas.

No cerca del mar, donde nací...

No en el jardín real, cerca del preciado muñón.

Y aquí, donde estuve trescientas horas

Y donde no me abrieron el cerrojo”.

Y luego el típico A.A. La sensibilidad y vitalidad de Ajmátova.

“Y que la paloma de la prisión zumbe a lo lejos,

Y los barcos navegan tranquilamente por el Neva”.

El Réquiem de Ajmátova es una obra verdaderamente popular, no sólo en el sentido de que refleja y expresa una gran tragedia popular, sino también en su forma poética, cercana a una parábola popular. “Tejido a partir de palabras simples, “escuchadas”, como escribe Ajmátova”, expresó su tiempo y el alma sufrida del pueblo con gran poder poético y cívico. "Réquiem" no se conoció ni en los años 30 ni en los años siguientes, pero capturó para siempre su época y demostró que la poesía seguía existiendo incluso cuando, según Ajmátova, "el poeta vivía con la boca cerrada".

Se escuchó el grito ahogado de cien millones de personas: este es el gran mérito de Ajmátova.

Una de las características del trabajo de Akhmatova es que escribió como si no se preocupara por el lector externo, ni por ella misma ni por una persona cercana que la conocía bien. Y este tipo de reticencias amplía la dirección. Su “Réquiem” está completamente destrozado. Está escrito como en diferentes hojas de papel, y todos los poemas de este lúgubre poema conmemorativo son fragmentos. Pero dan la impresión de bloques grandes y pesados que se mueven y forman una enorme escultura de piedra de duelo. "Requiem" es un dolor petrificado, ingeniosamente creado a partir de las palabras más simples.

La idea profunda de "Requiem" se revela gracias a la peculiaridad del talento del autor con la ayuda de las voces sonoras de una época específica: entonación, gestos, sintaxis, vocabulario. Todo nos habla de determinadas personas de un determinado día. Esta precisión artística al transmitir el aire mismo del tiempo sorprende a todo aquel que lee la obra.

En los años 30 se produjeron cambios en la obra del poeta A. Akhmatova. Hubo una especie de despegue, el alcance del verso se expandió enormemente, incorporando ambas grandes tragedias: la inminente Segunda Guerra Mundial y la guerra que comenzó y libró las autoridades criminales contra su propio pueblo. Y el dolor de la madre ("los ojos terribles de su hijo son una criatura petrificada"), y la tragedia de la Patria, y el sufrimiento de la guerra que se acerca inexorablemente, todo entró en su verso, lo carbonizó y lo endureció. Ella no llevó un diario en ese momento. En lugar de un diario, que era imposible de llevar, escribió sus poemas en hojas de papel separadas. Pero en conjunto crearon una imagen de un hogar destrozado y arruinado, de los destinos rotos de las personas.

Así se crea la imagen del condenado a partir de partes individuales del Réquiem:

"Oración. Y enseguida brotarán las lágrimas.

Ya separados de todos”.

("Dedicación")

Y un resumen:

“Y cuando, loco de tormento,

Los regimientos ya condenados estaban llegando."

("Introducción")

"Como páginas duras cuneiformes

El sufrimiento aparece en las mejillas,

Como rizos cenicientos y negros

De repente se vuelven plateados”.

("Epílogo")

He aquí las palabras elegidas con extraordinaria precisión: “loco de tormento”, “el sufrimiento aparece en las mejillas”, “ya separado de todos”.

Lo personal y personal se intensifica. El alcance de lo representado se está ampliando:

“¿Dónde están ahora los amigos involuntarios?

¿Mis dos años locos?

¿Qué ven en la tormenta de nieve siberiana?

¿Qué ven en el círculo lunar?

A ellos les envío mis saludos de despedida”.

En el flujo de la literatura de memorias actual, "Réquiem" ocupa un lugar especial. También es difícil escribir sobre él porque, según el joven amigo de A. Akhmatova, el poeta L. Brodsky, la vida en esos años "coronó a su musa con una corona de dolor".

V. Vilenkin escribe en sus publicaciones: “Su “Réquiem” es el que menos necesita comentario científico. Sus orígenes populares y su escala poética popular son claros en sí mismos. En ellos se ahogan cosas autobiográficas vividas personalmente, conservando sólo la inmensidad del sufrimiento. “Ya en el primer poema del poema, llamado “Dedicación”, el gran río del dolor humano, desbordado de dolor, destruye los límites entre “yo” y “nosotros”. Este es nuestro dolor, este es "somos iguales en todas partes", somos nosotros los que escuchamos los "pasos pesados de los soldados", somos nosotros caminando por la "capital salvaje". “El héroe de esta poesía es el pueblo... Cada uno de ellos participa de un lado o del otro en lo que sucede. Este poema habla en nombre del pueblo."

“Requiem” (lat. Requiem) - misa fúnebre. Muchos compositores V.A. escribieron música según el texto latino tradicional del Réquiem. Mozart, T. Berlioz, G. Verdi. El “Réquiem” de Ajmátova conserva la ortografía latina, haciendo un guiño a la base, la fuente original y la tradición. No en vano el final de la obra, su “Epílogo”, lleva la trágica melodía del recuerdo eterno del difunto más allá de los límites de la realidad terrenal:

“E incluso desde la edad del silencio y del bronce,

La nieve derretida fluye como lágrimas

"Requiem" le exigía pensar musicalmente y organizar musicalmente partes individuales dispares (poemas líricos) en un todo coherente. Es de destacar que tanto el epígrafe como “En lugar de un prefacio”, escrito mucho más tarde que el texto principal del ciclo poético, están unidos a él de forma orgánica, es decir, a través de la música. En forma de "obertura", una introducción orquestal en la que se tocan dos temas principales de la composición: la inseparabilidad del destino de la heroína lírica del destino de su pueblo, lo personal de lo general, "yo" de " nosotros".

En su estructura, la obra de Ajmátova se parece a una sonata. Comienza después de breves compases musicales con el potente sonido de un coro:

“Las montañas se inclinan ante este dolor,

El gran río no fluye

Pero las puertas de la prisión son fuertes.

Y detrás de ellos hay "literas de presos".

Y una melancolía mortal..."

La presencia aquí del verso de Pushkin del poema "En las profundidades de los minerales siberianos" amplía el espacio y da acceso a la historia. Las víctimas sin nombre dejan de serlo. Están protegidos por las grandes tradiciones de la literatura rusa amante de la libertad. “Y la esperanza todavía canta en la distancia”. La voz de la esperanza no abandona al autor. La poetisa no creó una crónica de su vida, sino una obra de arte que contiene generalización, simbolismo y música.

“Y cuando, loco de tormento,

Los regimientos ya condenados marchaban,

Y una breve canción de despedida.

Sonaron los silbatos de las locomotoras.

Las estrellas de la muerte estaban sobre nosotros..."

Las palabras individuales en tales contextos adquieren un valor aterrador. Por ejemplo, las estrellas glorificadas en la ficción como mágicas, cautivadoras y misteriosas en su belleza, aquí están las estrellas de la muerte. "Yellow Moon", aunque no conlleva una valoración tan negativa, es testigo del dolor de otra persona.

Muchos estudiosos de la literatura se han preguntado: "Réquiem": ¿qué es: un ciclo poético o un poema? Está escrito en primera persona, en nombre de "yo", el poeta y el héroe lírico al mismo tiempo. Y además el complejo entrelazamiento de lo autobiográfico y lo documental nos permite responder afirmativamente a esta pregunta y clasificar esta obra como un “pequeño poema” entre los poemas del siglo XX, aunque desde el punto de vista de los géneros, “Réquiem” no es una simple “ nuez a romper”. Ajmátova tenía el gran don de poeta lírica; la base de su obra, que consta de poemas individuales, también es lírica. Esto dio la fuerza a los fragmentos líricos creados en 1935 - 40 y no publicados en estos años, para resistir, no desmoronarse de los golpes más duros del tiempo y regresar a nosotros, medio siglo después, como una obra de arte integral. A primera vista, hay una respuesta sencilla. En 1987, el tema del culto a la personalidad de Stalin y sus trágicas consecuencias para el pueblo pasó de ser temas “cerrados” a ser abiertos. Y el "Réquiem" de Ajmátova, que cuenta la tragedia vivida personalmente por el poeta en esos años, recibió el estatus de documento de mayor actualidad, a la par de obras tan modernas como el poema "Por el derecho de la memoria" de Tvardovsky, el poema de V. Dudintsev. novelas "Ropa blanca", V. Grossman "Vida y destino", poesía y prosa de V. Shalamov. Pero esta explicación es superficial y no puede satisfacer plenamente al lector. Al fin y al cabo, para que una obra coincida con la modernidad, para volver medio siglo después a las nuevas generaciones de lectores, conservando su valor artístico, es necesario que tenga ese valor artístico. Se transmite en el poema a través de los mejores capilares del verso: sus ritmos, metros, medios artísticos del lenguaje. E incluso su “En lugar de un prefacio” no es prosa del todo pura. Este es un poema en prosa. La disolución de la heroína en una tragedia común, donde todos tienen el mismo papel, dio derecho al poema:

“No, no soy yo, es otra persona la que está sufriendo.

No podría hacer eso".

Todo en "Requiem" se amplía, se expande dentro de los límites (Neva, Don, Yenisei) y se reduce a una presentación general, en todas partes.

Entonces, en respuesta a los acontecimientos de los años 30, A.A. Ajmátova respondió con la tragedia "Réquiem". La poesía rusa conoció muchos ejemplos en los que este género de obra musical se convirtió en una forma de pensamiento poético. Para Ajmátova, era una forma ideal de dominar la trama trágica de la historia rusa, en la que el destino del autor ascendía a generalizaciones universales: el “yo” poético a menudo habla en nombre del “nosotros”. La lente del autor irrumpe en todas partes: donde se han asentado el dolor y la muerte, notando “la que apenas fue llevada a la ventana”, “y la que no pisotea su tierra natal”. “Y la que, moviendo su hermosa cabeza, decía: “Vengo aquí como si volviera a casa”. La autora no pierde de vista a quien “ya está separada de todos”, y a los “amigos involuntarios” que caminan entre los enloquecidos. ciudad y la “multitud de los condenados”.

Con la ayuda de los medios artísticos visuales y expresivos de A.A. Akhmatova revela la idea principal de su trabajo: mostrar la amplitud y profundidad del dolor de las personas, la tragedia de la vida en los años 30.

Así, el éxito creativo de la poetisa en los años 30 fue enorme. Además de los poemas, creó dos poemas importantes: "Réquiem" y "Poema sin héroe". El hecho de que el lector no conociera ni el "Réquiem" ni otras obras de Ajmátova de los años 30 no disminuye en lo más mínimo su importancia en la historia de la poesía rusa, ya que indican que en estos años difíciles la literatura, aplastada por la desgracia y condenada al fracaso. en silencio, siguió existiendo, desafiando el terror y la muerte.

La poesía de Ajmátova es una parte integral de la cultura rusa y mundial moderna.

A principios de los años 50 se celebró en Moscú un congreso de escritores. A. Fadeev presidía la reunión y los escritores más famosos se sentaban a su alrededor. Y de repente el salón empezó a vaciarse. Todos estaban de pie junto a las paredes del espacioso vestíbulo, y Anna Andreevna Ajmátova caminaba lentamente por el centro del vestíbulo. Esbelta, con un chal echado sobre los hombros, sin mirar a nadie, sola.

Así continuó su vida, tanto en el centro de atención como a solas consigo misma, y su poesía era el mundo entero y la vida entera.

La poesía es el poeta mismo y su tiempo, su espíritu y su lucha contra la injusticia en aras de la nobleza y la belleza.

Los poemas de A. Akhmatova capturan las características del tiempo con toda su monstruosa crueldad. Nadie había dicho jamás la verdad sobre él con tanta amargura y crueldad:

“He estado gritando durante diecisiete meses,

Te llamo a casa.

Me arrojé a los pies del verdugo,

Eres mi hijo y mi horror.

Todo está arruinado para siempre

Y no puedo entenderlo

Ahora, ¿quién es la bestia, quién es el hombre?

¿Y cuánto tiempo habrá que esperar hasta la ejecución?

Indefensa y directa, en condiciones inhumanas frente a crímenes legalizados, no sólo lamentó estos días oscuros, sino que los superó: “No olvides” (“Réquiem”)

La época de Ajmátova pasó por cambios bruscos y fue un camino de grandes pérdidas y pérdidas. Sólo un poeta de gran fuerza, esencia profunda y voluntad podría resistir esto y resistir todo con el poder de su arte veraz. A. Akhmatova, que en su juventud deleitó al mundo con líneas de letras genuinas, tiernas y sutiles, se mostró firme e inflexible, directa y majestuosa en este formidable punto de inflexión.

El tiempo es el juez más justo. Es una pena que la retribución

a veces es tarde.

CONCLUSIÓN

En conclusión, podemos sacar conclusiones.

Ajmátova creó un sistema lírico, uno de los más notables en la historia de la poesía, pero nunca pensó en el lirismo como una efusión espontánea del alma. Necesitaba disciplina poética, autocontrol, autocontrol de lo creativo. Disciplina y trabajo. A Pushkin le gustaba llamar a la obra de un poeta: la obra de un poeta. Y para Ajmátova, esta es una de sus tradiciones Pushkin. Para ella era incluso un trabajo físico a su manera. Para Akhmatova, las letras no son materia prima del alma, sino la transformación más profunda de la experiencia interior. Traduciéndolo a otra clave, al ámbito de otra palabra, donde no hay vergüenza y los secretos son de todos. En un poema lírico, el lector quiere reconocer no tanto al poeta como a sí mismo. De ahí la paradoja del lirismo: el tipo de literatura más subjetivo que, como ningún otro, gravita hacia lo universal.

En este sentido Anna Andreevna dijo: "Los poemas deben ser descarados". Esto significaba: según las leyes de la transformación poética, el poeta se atreve a hablar de lo más personal; de lo personal ya se ha vuelto general. Ajmátova se caracterizó por una experiencia cultural inusualmente intensa. Las letras y la cultura son un tema importante. Éste no es el lugar para entrar en ello; Sólo diré que la cultura da a las letras la amplitud y riqueza de asociaciones que tanto necesitan.

La cultura siempre ha estado presente en la obra de Ajmátova, pero de diferentes maneras. En sus últimos poemas, la cultura sale a la luz. En los primeros está oculto, pero se hace sentir a través de la tradición literaria, recordatorios sutiles y ocultos de la obra de sus predecesores.

Al recordar a Ajmátova, seguramente se encontrará con el tema de la cultura, la tradición y el patrimonio. Su trabajo se percibe en las mismas categorías. Ya se ha dicho y escrito mucho sobre el impacto de los clásicos rusos en la poesía de Ajmátova. En esta serie están Pushkin y los poetas de la época de Pushkin, la novela psicológica rusa Nekrasov. El significado de las letras de amor de Nekrasov hacia Ajmátova aún está por explorar. Este lirismo es cercano a ella: nervioso, con sus conflictos urbanos, con el discurso coloquial de los intelectuales, pero todas estas relaciones no son nada sencillas. La crítica a veces entiende el “clasicismo” de algunos poetas del siglo XX, hasta los poetas de nuestros días, como una repetición, un elenco. Pero la poesía rusa, que surgió después de los simbolistas, en la lucha con los simbolistas, aún no podía olvidar lo que descubrieron: la intensa asociatividad de la palabra poética, su nueva polisemia, sus múltiples capas. Ajmátova es una poeta del siglo XX. Estudió con los clásicos y en sus poemas se pueden encontrar las mismas palabras, pero la relación entre las palabras es diferente. La poesía de Ajmátova es una combinación de la objetividad de la palabra con un contexto poético dramáticamente transformador, con la dinámica de lo sin nombre y la intensidad de los choques semánticos. Se trata de una gran poesía, moderna y reelaborada la experiencia de dos siglos de verso ruso.

A principios del siglo pasado y del presente, aunque no literalmente cronológicamente, en vísperas de la revolución, en una era sacudida por dos guerras mundiales, surgió en Rusia quizás la poesía "femenina" más significativa de toda la literatura mundial de los tiempos modernos: la poesía de Anna Ajmátova. La analogía más cercana que surgió entre sus primeros críticos fue la de la antigua cantante de amor griega Safo: a la rusa Safo a menudo la llamaban la joven Ajmátova. Los poemas de Ajmátova de la época de sus primeros libros (“Tarde”, “Rosario”, “Rebaño blanco”) son casi exclusivamente letras de amor. Su innovación como artista se manifestó inicialmente precisamente en este tema tradicionalmente eterno, repetido y aparentemente interpretado hasta el final.

La novedad de las letras de amor de Ajmátova llamó la atención de sus contemporáneos casi desde sus primeros poemas, publicados en Apolo, pero, desafortunadamente, la pesada bandera del acmeísmo, bajo la cual se encontraba la joven poetisa, parecía haber envuelto su imagen verdadera y original durante un tiempo. largo tiempo a los ojos de muchos apariencia y la obligó a correlacionar constantemente sus poemas ya sea con el acmeísmo, o con el simbolismo, o con una u otra teoría lingüística o literaria que por alguna razón pasó a primer plano. Ajmátova es, de hecho, la heroína más característica de su tiempo, revelada en la infinita variedad de destinos de las mujeres: amante y esposa, viuda y madre, infiel y abandonada. Según A. Kollontai, Ajmátova dio "un libro completo sobre el alma femenina". Ajmátova “vertió en el arte” la compleja historia del personaje femenino de una era crucial, sus orígenes, su ruptura y su nueva formación. El héroe de las letras de Akhmatov (no la heroína) es complejo y multifacético. De hecho, es incluso difícil definirlo en el mismo sentido en que, digamos, se define al héroe de las letras de Lermontov. Este es él: un amante, un hermano, un amigo, presentado en una variedad infinita de situaciones: insidiosa y generosa, matando y resucitando, el primero y el último.

SOLICITUD

Bibliografía

1. A. Naiman "Historias sobre Anna Ajmátova"

2. M., “Ficción” 1989

3. Anna Ajmátova. Poemas y poemas.

4. V., Editorial de libros “Central Chernozem”, 1990.

5. Anna Ajmátova. Poesía y prosa. Editorial de Leningrado, 1976

6. Anna Ajmátova. Obras completas en 6 volúmenes (Volumen I – poemas) M., 1998.

8. Ajmátova A.A. Favoritos, - M.: Olma-press, 2006. – 376 p.

9. Ajmátova A.A. Favoritos/Compilados, autor. nota I.K. Sushilina. - M.: Educación, 1993. - 320 p.

10. Ajmátova A.A. Ensayos. En 2 volúmenes. Poemas y poemas/Artículo introductorio de M. Dudin - M.: Ficción, 1986. - 511 p.

11. Ajmátova A.A. Poemas. Poemas. – M.: Avutarda, 2003. – 368 p.

"El joven de piel oscura deambulaba por los callejones,

Las orillas del lago estaban tristes

Y apreciamos el siglo.

El apenas audible susurro de pasos..."

Al final del verso hay un detalle expresivo: “el volumen desaliñado de Guys”. Este es un símbolo de la liberación interior y la libertad del poeta.

"Hay un silencio tan irreparable a su alrededor,

Se puede oír la hierba creciendo en el bosque".

"Si supieras qué clase de basura

Los poemas crecen sin vergüenza..."

El crecimiento de estos poemas no es solo una escritura mecánica, sino una recreación real de la realidad, dándole la forma de un poema que transmite energía espiritual positiva a las personas.

"Y cada lector es como un secreto,

Como un tesoro enterrado en la tierra."

"Dejad vuestra tierra, sordos y pecadores,

Dejemos a Rusia para siempre".

La heroína actúa de manera muy simple en el final, pero al mismo tiempo se siente cierta patetismo en esta acción:

"Pero con indiferencia y calma

Me tapé el oído con las manos".

"Ha llegado la hora del coraje bajo nuestra guardia,

Y nuestro coraje no nos abandonará."

"Se lo daremos a nuestros nietos y los salvaremos del cautiverio.

¡Para siempre!"

"No los llevamos en el pecho como un amuleto preciado,

No escribimos poemas de sollozos sobre ella..."

Composición

En la literatura clásica rusa, el tema del poeta y la poesía es uno de los principales. Poemas de este tipo representan siempre una especie de autoinforme creativo, una intensa confesión del autor, por lo que atraen la atención del lector. Un poeta en el siglo XIX es un profeta, su palabra es un arma en la lucha contra los males sociales. En la crisis del siglo XX, la comprensión de la poesía y su significado se volvió enormemente complicada, aunque en general permaneció inquebrantable. ¿Cómo suena este tema en las obras de A. Akhmatova?
Como saben, los poemas juveniles de Ajmátova están estrechamente relacionados con el acmeísmo. Si los simbolistas consideraban al poeta un profeta que hablaba de los misterios de la existencia y que conducía "de lo real a lo más real", entonces la idea acmeísta del poeta es mucho más realista. La poesía es un oficio, un poeta es un maestro que conoce las leyes de este oficio. No corre hacia las alturas, sino que vive, como otras personas, en la tierra, como ellos, ama, sufre, espera. Por eso la imagen del poeta en las letras de Ajmátov es tan concreta y tangible, recreada en detalles cotidianos y prosaicos:

Y la cara parece más pálida
De la dulce seda,
Casi llega a las cejas.
Mi flequillo desenrollado.

Con este vestido gris informal
Con tacones gastados...

El poeta es una persona corriente entre la gente, pero su visión del mundo es inusual. Para Ajmátova, una visión poética del mundo es una visión que conecta cosas que no están conectadas en la conciencia cotidiana:

Mi pecho estaba tan irremediablemente frío,
Pero mis pasos fueron ligeros,
lo puse en mi mano derecha
Guante de la mano izquierda.

El sauce se extendió como un arbusto en el cielo.
El ventilador ha terminado.
Tal vez sea mejor que no lo haya hecho
Su esposa.

Los ejemplos de tal “conjugación de conceptos distantes” (A.S. Pushkin) se pueden multiplicar indefinidamente. Lo principal aquí es la creación de un mundo nuevo, lleno de conexiones vivas, intensas y extrañas que no existen en ningún otro lugar excepto en la palabra poética.
Así, la palabra poética de Ajmátova se convierte en una realidad separada con sus propias leyes. Quizás por eso Ajmátova, como ningún otro poeta de la Edad de Plata, tiene una relación extensa y profunda con la Musa:

Y la musa con una bufanda agujereada
Canta con tristeza y tristeza.
En melancolía cruel y juvenil
Su poder milagroso;

La hermana musa miró a la cara,
Su mirada es clara y brillante.

Y la página que dejé sin terminar,
Divinamente tranquila y ligera,
La Musa será rematada por una mano oscura.

“Muse-sister” es cercana, humana, compasiva. Su compasión se manifiesta principalmente en que os libera de los tormentos del amor:

Así, el amor no correspondido se convierte en fuente de creatividad poética. La creatividad poética de Ajmátova es, ante todo, la encarnación de la memoria: amorosa, histórica, cultural.
Después de todo, sólo la poesía resulta ser un refugio de amor para Ajmátova, que no tiene lugar en la vida real:

Por eso la memoria del amor es un fuego en el que el poeta está condenado a “cantar y arder”, mientras vive la agonía de la muerte y vuelve a la vida, “para luego, como el Ave Fénix de las cenizas, resucitar azul”. en el éter”.
Al morir y resucitar, el poeta permanece firmemente arraigado en la cultura y la historia. Se siente constantemente como un contenedor del pasado, en el que este pasado comienza su nueva vida. Es muy característico que la musa de Ajmátova, con toda su originalidad, mencionada anteriormente, resulte ser la que "dictó las páginas del infierno a Dante", es decir, no sólo la suya, sino también la de otra persona. Ajmátova habló de esta paradoja de la creatividad poética en la siguiente cuarteta:
No repitas - tu alma es rica -
Lo que alguna vez se dijo.
Pero tal vez la poesía misma
Una gran cita.

De hecho, en las obras de Ajmátova hay muchas citas de obras de otros poetas (Pushkin, Lermontov, Tyutchev, etc.). Pero aún así, la poesía para Ajmátova no es una combinación de citas, ni un "juego de cuentas de cristal". Después de todo, detrás de cualquier cita hay una experiencia, a menudo dolorosa, la poesía para Ajmátova es el regreso del pasado en sus momentos más dolorosos. El destino del poeta es el destino de la esposa de Lot en el poema del mismo nombre. Volviendo al pasado, tratando de “mirar las torres rojas de su Sodoma natal”, que en este momento ya están destruidas por la ira de Dios, el poeta sacrifica su vida. Se convierte en una estatua de sal y sufre la agonía de esta transformación. Fue precisamente este sentido de la poesía lo que hizo necesaria la aparición de una obra como "Réquiem".
Así pues, la autodeterminación poética de Ajmátova está estrechamente relacionada con la autodeterminación moral. Los fundamentos morales de la poesía de Ajmátova son la empatía por el dolor ajeno, el sentido de pertenencia al mundo y la responsabilidad por todos sus problemas.