Malarz Maghribu. Rene Magritte’a

Jeden z najwybitniejszych artystów ubiegłego wieku, Rene Magritte (1898-1967) pochodził z Belgii. W 1912 roku w rzece utopiła się jego matka, co najwyraźniej wywarło ogromne wrażenie na nastolatku, przyszłym artyście, jednak wbrew powszechnemu przekonaniu nie należy przeceniać wpływu tego wydarzenia na twórczość autora. Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły one odzwierciedlenie w jego twórczości.

Kształcił się na Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, początkowo pozostawał pod silnym wpływem Dadaizmu i Kubizmu. Rok 1925 był punktem zwrotnym w jego twórczości: obraz „Róże Pikardii” wyznaczył nowy styl i nową postawę - „realizm poetycki”. Artysta przenosi się do „centrum surrealizmu” – Paryża, gdzie bierze udział we wszystkich wystawach surrealizmu. W 1938 roku London Art Gallery zorganizowała pierwszą dużą wystawę belgijskiego mistrza.

Na początku lat pięćdziesiątych Twórczość Magritte'a cieszy się coraz większym międzynarodowym uznaniem, o czym świadczą jego duże wystawy w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku, Paryżu i Brukseli. W 1956 roku Magritte, jako wybitny przedstawiciel kultury Belgii, został uhonorowany prestiżową Nagrodą Guggenheima.

Cechą charakterystyczną Magritte'a jest atmosfera tajemniczości w jego twórczości. Jak wiadomo, poczucie tajemnicy jest nieodłącznym elementem prawdziwej sztuki. „Zawsze uważałem Magritte’a za artystę wyobraźni, mistrza stojącego gdzieś na poziomie Giorgione” – napisał Herbert Read. W tych słowach kryje się klucz do poetyki Magritte’a.

W obrazie „Fałszywe lustro” (1929), wyrażającym ideologiczne credo artysty, całą przestrzeń zajmuje obraz wielkiego oka. Tylko zamiast tęczówki widz widzi letnie błękitne niebo z unoszącymi się po nim przezroczystymi chmurami. Tytuł wyjaśnia ideę obrazu: narządy zmysłów odzwierciedlają jedynie wygląd rzeczy, nie przekazując ukrytych głębi świata, jego tajemnic. Tylko to, co niekompatybilne, pomaga, zdaniem Magritte'a, uchwycić sens bytu. Obraz może narodzić się jedynie ze zbieżności dwóch mniej lub bardziej odległych rzeczywistości.

Magritte będzie podążał tą metodą przez całą swoją karierę, co jest szczególnie widoczne w jego obrazach „filozoficznych”. Jednym z nich są Wakacje Hegla (1958).

„Moje ostatnie zdjęcie” – pisał – „rozpoczęło się od pytania: jak przedstawić na obrazie szklankę wody, aby nie była dla nas obojętna? Ale jednocześnie i w taki sposób, aby nie byłoby to jakoś szczególnie dziwaczne, arbitralne i nieistotne.Jedno słowo, żeby można było powiedzieć: genialne (zostawmy sobie niepotrzebny wstyd).
Zacząłem rysować szklanki jedna po drugiej (trzy szkice), za każdym razem z pociągnięciem w poprzek (szkic). Po setnym lub stu pięćdziesiątym
rysując, obrys stał się nieco szerszy (kontur). Początkowo parasol stał w szybie (szkic), ale potem okazało się, że jest pod nim (szkic).
Znalazłem więc rozwiązanie pierwotnego pytania: jak pomysłowo przedstawić szklankę wody. Szybko zdałem sobie sprawę, że ten temat może bardzo zainteresować Hegla (on też jest geniuszem), ponieważ mój temat łączy w sobie dwa przeciwieństwa
aspiracje: nie chce wody (odpycha ją) i pragnie wody (podnosi ją). Myślę, że podobałoby mu się to lub uznałoby to za zabawne (na przykład podczas wakacji). Dlatego nazwałem obraz „Wakacjami Hegla”.

Wśród surrealistów Magritte wyraźnie wyróżnia się: w odróżnieniu od nich nie używa elementów fantastycznych, ale zwyczajnych, ujętych w przedziwny sposób. Taki jest jego słynny obraz „Skarb osobisty” (1952).

„Kluczem” jest tutaj także nazwa. „Osobiste” przerosty do potwornych rozmiarów. Pokój zamienia się w swego rodzaju „mikrokosmos”, zamknięty, ściśnięty, pomimo nieba, po którym zamiast ścian płyną chmury. Wszystko tu dziwnie się zmieniło, jakby ożyło, nabrało nieutylitarnego wyglądu, chociaż, jak zawsze u Magritte'a, przedmioty nie zmieniły swojego wyglądu, faktury, koloru i są doskonale „rozpoznawalne”. Widz jakby mimochodem zachwyca się niebieskawym połyskiem szkła, fakturą drewnianych mebli, umiejętnością przenoszenia lustrzanych odbić. Ale tak na marginesie, bo przedmioty jakby zyskały niezależność, jakby przemawiały w imieniu swojego właściciela, całkowicie uzurpując sobie jego „wiodącą” rolę. Oni sami stali się „osobowościami” i wydają się ze sobą rozmawiać.

Jedną z cech malarstwa wczesnego Magritte'a jest jego „literactwo” w dobrym tego słowa znaczeniu. Magritte obraca się w kręgu poetów, filozofów, pisarzy, bada dzieła teoretyczne znanych romantyków XIX wieku. Duży wpływ na niego wywarła twórczość angielskiego poety i filozofa romantycznego z początku XIX wieku. Samuela Taylora Coleridge’a, który w sztuce czcił przede wszystkim symbolikę – takie „całkowite podporządkowanie materii duchowi, że materia zamienia się w symbol, poprzez który duch się objawia”.

Ilustracją tej myśli jest zwłaszcza słynny obraz Magritte’a „Wyzwolenie” („Lot w pola”), powstały w 1933 roku.

Z rozbitego okna otwiera się dziwny krajobraz. Zielonkawe wieczorne wzgórza, kuliste błękitne drzewa, przejrzyste niebo z masy perłowej, błękitne odległości. Artysta umiejętnie posługując się technikami malarstwa tonalnego tworzy nastrój radosnego uniesienia, oczekiwania na coś niezwykłego, wspaniałego. Ciepły odcień zasłon na pierwszym planie wzmacnia wrażenie lekkości tego zaczarowanego krajobrazu... Obrazy Magritte'a zdają się być wykonane spokojną, nieustraszoną ręką. Mistrz koloru, Magritte, używa go oszczędnie, oszczędnie. W „Wyzwoleniu” symbolika kolorów służy do wyrażania złożonych skojarzeń. Plamy niebieskiego, różowego, żółtego i czarnego nadają obrazowi niesamowitą pełnię kolorów i żywotność.

Oryginalność twórczości Rene Magritte'a ujawni się pełniej, jeśli przejdziemy do tematu „Surrealizm i freudyzm”. Główny teoretyk surrealizmu, Andre Breton, z zawodu psychiatra, przy ocenie twórczości artysty przywiązywał decydującą wagę do psychoanalizy Freuda. Poglądy Freuda nie zostały przyjęte tylko przez wielu surrealistów – stały się one ich sposobem myślenia. Na przykład dla Salvadora Dali, jak sam przyznaje, świat idei Freuda znaczył tyle samo, co świat Pisma Świętego dla artystów średniowiecznych czy świat mitologii starożytnej dla mistrzów renesansu.

„Metoda wolnych skojarzeń” zaproponowana przez Zygmunta Freuda, jego „teoria błędów”, „interpretacja snów” miały na celu przede wszystkim identyfikację chorobliwych zaburzeń psychicznych w celu wyleczenia. Do tego zmierzała także zaproponowana przez Freuda interpretacja dzieł sztuki. Ale przy takim rozumieniu sztuka zostaje zredukowana do szczególnego, że tak powiem, czynnika „uzdrawiającego”. Na tym polegał błąd podejścia teoretyków surrealizmu do dzieł sztuki. Doskonale zdawał sobie z tego sprawę Magritte, który w jednym ze swoich listów z 1937 roku zanotował: „Sztuka, jak ją rozumiem, nie podlega psychoanalizie. Jest zawsze tajemnicą”. Artysta ironicznie odnosił się do prób interpretacji swoich obrazów za pomocą psychoanalizy: "Uznali, że mój" Czerwony Model "jest przykładem kompleksu kastracyjnego. Po wysłuchaniu kilku tego typu wyjaśnień wykonałem rysunek według wszystkich „Zasady” psychoanalizy. Oczywiście przeanalizowali to w ten sam sposób. Straszne jest, jaką kpinę może przeżyć osoba, która stworzyła jeden niewinny rysunek… Być może sama psychoanaliza jest najlepszym tematem dla psychoanalityka.

Dlatego Magritte uparcie odmawiał nazywania siebie „surrealistą”. Chętnie przyjął określenie „realisty magicznego”. Kierunek ten jest typowy dla „okresu belgijskiego” jego twórczości – począwszy od roku 1930, kiedy Magritte powrócił na zawsze z Paryża do Brukseli.

Tradycje dawnej sztuki niderlandzkiej wywarły korzystny wpływ na twórczość Magritte'a. W obrazie „Plagiat” (1960) uwagę zwraca kilka detali-symboli.

Po lewej stronie na stole widzimy wizerunek gniazda i trzech jaj – symbolika Trójcy. Artysta niczym magik zdaje się materializować na naszych oczach obrazy swojej fantazji, a one zamieniają się w piękny, owocujący ogród – symbol żywej twórczej wyobraźni. Magritte tworzy subtelny, uduchowiony obraz poetycki. Kontemplując obraz, można podziwiać jedynie najdelikatniejsze różowe, niebieskawe, perłowe odcienie - naprawdę fantastyczny widok.

W latach 30. XX wieku Magritte wraz ze sztuką Boscha dogłębnie studiuje twórczość swojego rodaka, dramaturga i filozofa Maurice'a Maeterlincka, który w 1889 roku w zbiorze „Szklarnie” napisał: „Symbol jest siłą natury, ale ludzki umysł nie może się jej oprzeć prawa… Jeśli nie ma symbolu, nie ma dzieła sztuki”.

Maeterlinck zawdzięcza Magritte’owi umiejętność rozwinięcia porównań w całą sieć obrazów, które fantazja artysty zamienia w realny świat. W obrazie „Szaleństwo wielkości” (1948) płonąca świeca jest przedstawiona na kamiennym parapecie na tle nieskończonego lazurowego morza - jako symbol kruchości ludzkiego życia. W pobliżu wyrasta kilka kobiecych torsów (symbol zmysłowości). A na niebie z pięknymi zamarzniętymi chmurami (dla Magritte'a - symbolu ponadczasowości) widz widzi niebieskie „bezcielesne” kształty geometryczne, symbolizujące „czyste idee” oraz balon – symbol abstrakcyjnej „czystej myśli”.

Za pomocą przemyślanej kolorystyki artysta „udoskonala” główną ideę. „Zmysłowość” to ciepły, cielisty kolor. „Czyste formy” rozwiązane są w zimnej, niebieskawej tonacji, odpowiadającej symbolice i jednocześnie tworzącej wrażenie bezgranicznej przestrzeni.

„Błąkamy się po dolinie, nie zdając sobie sprawy, że wszystkie nasze ruchy są odtwarzane i nabierają prawdziwego znaczenia na szczycie góry” – napisał Maeterlinck w Treasure of the Humble, „i konieczne jest, aby od czasu do czasu ktoś przyszedł do nas i powiedział: „Spójrz w górę, spójrz, kim jesteś, spójrz, co robisz. Nie mieszkamy tutaj, nasze życie jest tam, na górze. To spojrzenie, które wymieniliśmy w ciemności, te słowa, które nie miały znaczenia u podnóża góry spójrz, czym się stały i co znaczą tam, ponad zaśnieżonymi wzgórzami.

Ta idea Maeterlincka znalazła odzwierciedlenie w obrazie Magritte’a „Posiadanie Arnheim” (1962).

Artysta uważa, że tylko rozbijając szkło, na którym namalowany jest fałszywy obraz, można zobaczyć rzeczywistość w całej jej świetlistej okazałości. To właśnie tutaj, na szczytach gór, o których mówił Maeterlinck, czai się Prawda.

Obraz „Nieoczekiwana odpowiedź” (1933) ucieleśnia inną myśl Maeterlincka: „W życiu nie ma dni bez znaczenia. Idź, wróć, wyjdź jeszcze raz – w półmroku znajdziesz to, czego potrzebujesz. Ale nigdy nie zapominaj, że jesteś blisko drzwi., być może, jedna z tych wąskich szczelin w drzwiach ciemności, przez które dana nam jest możliwość przewidzenia przez chwilę wszystkiego, co powinno wydarzyć się w grocie skarbów, które nie zostały jeszcze odkryte.

Obraz wygląda jak emblemat ekscytującej tajemnicy - wszystko tutaj jest tak integralne, „naturalne”, jeśli tę definicję można przypisać jednej z najbardziej tajemniczych i mistycznych kompozycji Magritte'a. Otwarte „wybite drzwi” to symbol innego wymiaru, skrywającego wiele tajemnic.

Niektórzy autorzy piszący o Magritte'u nazywają go „artystą absurdu”, w którego obrazach nie ma sensu. Gdyby tak było, gdyby celem artysty było ukazanie jedynie „absurdu naszej codziennej egzystencji”, byłaby to twórczość na poziomie układanki, a nie poważna sztuka, jaką jest. Magritte napisał: „Zadajemy zdjęcie losowo, zamiast go słuchać. I jesteśmy zaskoczeni, gdy otrzymujemy odpowiedź, która nie jest szczera”.

Jego twórczość często nazywana jest „snami na jawie”. Artysta wyjaśnił: „Moje obrazy to nie senne sny, ale sny budzące”. Nic dziwnego, że wybitny surrealista Max Ernst, oglądając swoją wystawę w Nowym Jorku na początku lat pięćdziesiątych XX wieku, powiedział: „Magritte nie śpi i nie czuwa. On oświetla. Podbija świat snów”.

„Bez tajemnicy ani świat, ani idea nie są możliwe” – powtarzał Magritte niezmiennie. I jako epigraf do jednego ze swoich autoportretów przyjął linię francuskiego poety XIX wieku. Lautreamont: „Czasami śnię, ale ani na chwilę nie tracę świadomości swojej tożsamości”.

Stąd nieoczekiwana interpretacja „wewnętrznego i zewnętrznego” w twórczości Magritte’a.

Oto komentarz artysty do jego obrazu „Ramki życia” (1934): „Przed oknem, które widzimy z wnętrza pokoju, umieściłem obraz przedstawiający właśnie tę część krajobrazu, którą ono zamyka. Zatem drzewo na zdjęciu przesłania drzewo stojące za nami na zewnątrz. Dla widza drzewo znajduje się zarówno w pomieszczeniu na obrazie, jak i na zewnątrz w prawdziwym pejzażu. W ten sposób widzimy świat. Widzimy go na zewnątrz nas i na jednocześnie dostrzegamy jego reprezentację w sobie. W ten sposób czasami umieszczamy w przeszłości to, co dzieje się w teraźniejszości. W ten sposób czas i przestrzeń zostają uwolnione od trywialnego znaczenia, jakie nadaje im zwykła świadomość.

Herbert Read zauważył: "Magritte wyróżnia się surowością form i wyraźną jasnością widzenia. Jego symbolika jest czysta i przejrzysta, jak szkło okien, które tak bardzo uwielbia przedstawiać. Rene Magritte ostrzega przed kruchością świata. jak kry lodowe.” To przykład jednej z możliwych interpretacji wieloznacznych metafor Magritte’a. Motyw szklanego okna tego artysty można także postrzegać jako granicę między dwoma światami - realnym i nierealnym, poetyckim i przyziemnym, pomiędzy świadomym i nieświadomym.

Na obrazie „Syn Człowieczy” (1964) współczesny człowiek ukazany jest na tle muru oddzielającego go od rozległych połaci oceanu i nieba, symbolizującego nieskończoność. Jabłko wiszące przed twarzą człowieka nadaje obrazowi tajemniczości. To jabłko może być postrzegane zarówno jako owoc drzewa wiedzy, jak i jako symbol natury, którą człowiek próbuje zrozumieć. Jednocześnie ten szczegół nadaje harmonii prozaicznemu wyglądowi schludnego mieszczanina.

Obraz „Golconda” (1953) można uznać za zmaterializowaną metaforę: ludzie „z wagą” stali się nieważcy. W nazwie kryje się ironia: w końcu Golconda to na wpół legendarne miasto w Indiach, słynące ze złotych placków i diamentów, a tych ludzi zdaje się przyciągać złoto. Artysta wisi na bezgranicznej przestrzeni kilkudziesięciu schludnie ubranych – w meloniki, krawaty i modne płaszcze – rentierów, zachowując przy tym absolutny spokój.

Na jednym z późnych obrazów Magritte'a „Gotowy bukiet” (1956) mężczyzna w tym samym meloniku i fraku, stojąc na tarasie tyłem do widza, kontempluje wieczorny park. A na plecach widnieje „Wiosna” Botticellego, maszerująca w kwiatach i blasku kolorów. Co to jest? Realizacja aforyzmu „Człowiek przemija, sztuka pozostaje”? A może osoba podziwiająca park pamiętała obraz Botticellego? Odpowiedź jest niejasna.

Artysta stara się zniszczyć utarte wyobrażenia o tym, co dobrze znane, niezmienne, aby nadać przedmiotowi nowy wymiar, wprowadzając widza w zamieszanie. W swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z rzeczy realnych, zanurzając widza w atmosferze marzeń i tajemnicy. Artysta znakomicie wiedział, jak „pokierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że świat stworzony przez artystę jest statyczny i solidny, jednak surrealizm zawsze wkracza w codzienność, niszcząc ten znany świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące, wypiera ludzi lub parowóz wyskakuje z kominka na pełnych obrotach) prędkość - „Przebity czas”, 1939).

Najczęściej kopiowanym obrazem jest Stworzenie człowieka (1935). Obraz morza na obrazie na sztalugach stojących przed otwartym oknem w cudowny sposób łączy się z „prawdziwym” widokiem na morze z okna.

Tematem wielu obrazów Magritte'a była tzw. „ukryta rzeczywistość”. Część obrazu, np. twarz głównego bohatera, jest czymś zakryta (jabłko, bukiet kwiatów, ptak). Magritte tak wyjaśnia znaczenie tych dzieł: „Interesującą rzeczą w tych obrazach jest obecność tego, co otwarte i tego, co ukryte, które nagle wdziera się do naszej świadomości, a które w naturze nigdy się od siebie nie oddzielają”.

W Kochankowie Rene Magritte pokazuje, że kiedy jesteśmy naprawdę zakochani, nasze oczy są zamknięte.

Próbując zrozumieć nieuchwytne znaczenie obrazów Magritte'a, „wyjaśnić” je, umysł widza gorączkowo chwyta jedno i drugie. Artysta „rzuca” mu nazwę obrazu (zwykle pojawiała się ona już po ukończeniu pracy). Magritte nadał tytułowi decydującą rolę w odbiorze obrazu. Według wspomnień krewnych i przyjaciół, wymyślając imiona, często omawiał je z innymi pisarzami. Oto, co powiedział na ten temat sam artysta: „Tytuł jest wyznacznikiem funkcji obrazu”, „Tytuł powinien zawierać w sobie żywe emocje”, „Najlepszy tytuł obrazu jest poetycki. Nie powinien niczego uczyć, ale zamiast tego zaskakiwać i fascynować.”

Wiele tytułów obrazów ma celowo naukowy charakter i widać w nich ironię: „Lampa filozoficzna” (1937), „Pochwała dialektyki” (1937), „Wiedza przyrodnicza” (1938), „Traktat o wrażeniach” (1944). ). Klimat poetyckiej tajemnicy tworzą także inne tytuły: Dialog przerwany wiatrem (1928), Klucz do snów (1930), Bolesne trwanie (1939), Imperium światła (1950), Salon Boga (1958).

Obraz „Imperium światła” został namalowany przez Magritte’a w ostatniej dekadzie jego życia, ale od razu stał się chyba jego najpopularniejszym dziełem. Tak popularna, że wielu kolekcjonerów było skłonnych zapłacić każdą cenę, aby mieć w swojej kolekcji jedną z jej replik.

Czym więc jest ten obraz, który zawładnął umysłami ludzi na całym świecie? Na pierwszy rzut oka wydaje się to proste i wręcz bezpretensjonalne. Dom nad brzegiem małego jeziora ukryty jest w cieniu rozłożystych drzew. Okna na drugim piętrze płoną przytulnym światłem, samotna latarnia daje przyjazne światło podróżnikowi, który mógłby tu być w ciemną noc. Wydawać by się mogło, że to zwyczajny, całkiem realistyczny nokturn. Taki obraz może napisać każdy „tradycyjny” artysta.

Ale czy to prawda? Dlaczego więc pojawia się niejasny niepokój, zmuszający widza do coraz głębszego wpatrywania się w obraz? Ten niepokój nie minie, dopóki nagle nie stanie się jasne – niebo to jest to! Błękitne niebo z białymi puszystymi chmurami biegnącymi wesoło. I to późno w nocy! Tylko nie pytaj, jak to jest możliwe, bo w świecie Magritte'a nie ma rzeczy niemożliwych. Jak nikt inny ten artysta uwielbia łączyć niekompatybilne, wprowadzać do swoich obrazów detale, które kontrastują ze sobą tak ostro, że widz najpierw doznaje lekkiego szoku, ale potem jego umysł zaczyna pracować ze zdwojoną intensywnością, próbując znaleźć rozwiązanie do proponowanej szarady.

Sam Magritte tak o niej powiedział: „Połączyłem w Imperium Światła różne koncepcje, a mianowicie nocny krajobraz i niebo w całej okazałości światła dziennego. Krajobraz skłania do myślenia o nocy, o niebie - o dniu. Moim zdaniem to jednoczesne zjawisko dnia i nocy ma moc zaskakiwania i czarowania. I tę moc nazywam poezją.

Rene Magritte osobiście

„Autoportret” („Czujne spojrzenie”)

Wspominając swoje dzieciństwo, pisał: „Pamiętam moje zdumienie, kiedy po raz pierwszy zobaczyłem szachownicę i znajdujące się na niej figury. Przerażające wrażenie! Nuty, na których tajemnicze znaki oznaczały dźwięk, a nie słowa! Oto jedno małe wczesne dzieło artysty - „Lost Jockey”, które stało się jego manifestem twórczym.

Jeździec, pędząc na pełnych obrotach na namydlonym koniu, zagubił się w nierealnym gaju ogromnych figur szachowych pomalowanych zapisem muzycznym.

Malarstwo „Carte blanche” czyli „Przeszkoda pustki”.

Magritte napisał o niej: „Rzeczy widzialne mogą być niewidzialne. Jeśli na przykład jacyś ludzie jadą przez las, to najpierw ich widzisz, potem ich nie widzisz, ale wiesz, że tam są. Na obrazie „Carte Blanche” jeździec zasłania drzewa, a one zasłaniają ją. Jednak nasza siła myślenia obejmuje zarówno to, co widzialne, jak i to, co niewidzialne, a za pomocą malarstwa uwidaczniam myśli.

Malarstwo „Zakazane rozwidlenie”

Warto zauważyć, że u Magritte'a jedynie obrazy ptaka są wolne od zawiłości skojarzeniowych. Ptaki niosą ze sobą pozytywną energię lotu i nic więcej. Nie ma ptaków martwych, upadłych, z połamanymi skrzydłami. Ptaki żyją, a ich skrzydła są pełne jasnoniebieskich i białych chmur cirrus Magritte'a (Duża rodzina, 1963).

15 sierpnia 1967 roku Rene Magritte zmarł na raka. Zmarł jeden z artystów-magów XX wieku, który za życia przypominał szanowanego farmaceutę.
Prowadził ciche i spokojne życie ulicy, z dala od bohemy, Belga – człowieka, którego trudno odróżnić od tłumu. Marzenia, paradoksy, lęki, tajemnicze niebezpieczeństwa przytłaczały tylko jego obrazy, a nie życie. Artysta zmagał się z nudą jedynie w twórczości. Idealnie mu odpowiadała regularność dnia codziennego, większość swoich obrazów namalował nawet w jadalni i do końca życia wolał tramwaj od innych środków transportu.
W jakiś sposób na krótko przed śmiercią Magritte, ten wyrafinowany mistrz, powiedział: „Nadal nie rozumiem powodu, dla którego żyjemy i umieramy”. Może artysta po prostu zaszyfrował w swoich obrazach-puzzlach wskazówki dotyczące przyczyn i tajemnic bycia? Wszystko może być. W takim razie powinieneś się z nimi zapoznać!

2 czerwca 2009 roku w Brukseli otwarto nowe muzeum poświęcone twórczości słynnego surrealistycznego artysty Rene Magritte'a. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych przeznaczyło na niego salę o powierzchni 2,5 tys. mkw. Ekspozycja Muzeum Rene Magritte'a obejmuje ponad 200 dzieł autora - to największa kolekcja na świecie.

(o. Rene Francois Ghislain Magritte; ur. – 21 listopada 1898 w Lessin, zm. – 15 sierpnia 1967 w Brukseli) – belgijski artysta surrealista. Znany jako autor dowcipnych i zarazem poetycko tajemniczych obrazów.

René Magritte'a traktowano z podejrzliwością. Szczególnie lekarze. Szczególnie psychoanalitycy. Ci, którzy nie zauważyli u tego artysty żadnych nieprawidłowości psychicznych, szybko zmienili zdanie na przeciwne. Jak poznałeś jego twórczość?

Jednak w odpowiedzi na ich wtargnięcie sam artysta nie bez sarkazmu przekonywał, że najlepszym pacjentem dla psychoanalityka jest inny psychoanalityk. A najpopularniejszego wówczas Zygmunta Freuda w ogóle nie traktowano poważnie. Ale nadal rysował jabłka i twarze, lustra z fantastycznymi odbiciami, trumny dla siedzących zmarłych oraz inne dziwactwa i niezrozumiałości.

Rene spędził dzieciństwo i młodość w małym przemysłowym mieście Charleroi. Życie było trudne.

Rene Magritte „Syn Człowieczy”, 1964.

W 1912 roku jego matka utopiła się w rzece Sambre, co najwyraźniej miało ogromny wpływ na przyszłego wówczas nastoletniego artystę. Kiedy znaleziono zwłoki, ich głowę starannie owinięto lekką gazą.

Pewnie dlatego szczególne miejsce w twórczości Magritte’a zajmują twarze, a raczej ich brak. Najczęściej twarz na portrecie jest albo zakryta obcym przedmiotem, albo owinięta tkaniną, albo zamiast twarzy przedstawiany jest po prostu tył głowy lub inna część ciała.

Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły one odzwierciedlenie w jego twórczości.

Od 1916 roku Magritte studiował w Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, którą opuścił w 1918 roku. W tym samym czasie poznał Georgette Berger, z którą ożenił się w 1922 roku i mieszkał z nią aż do śmierci w 1967 roku.

Zagrożony zabójca – 1927

Obrazy Magritte'a charakteryzują się oderwanym, niejako niewzruszonym stylem. Przedstawiają zwykłe przedmioty, które Magritte, w przeciwieństwie do innych wielkich surrealistów (Dali, Ernst), prawie nigdy nie traci swojej „obiektywności”: nie rozprzestrzeniają się, nie zamieniają się we własne cienie. Jednak bardzo dziwne połączenie tych obiektów robi wrażenie i skłania do refleksji. Spokój stylu tylko pogłębia to zdziwienie i pogrąża widza w swego rodzaju poetyckim odrętwieniu wywołanym samą tajemnicą rzeczy.

W wieku 14 lat Rene poznaje dziewczynę o imieniu Georgette. Kilka lat później zostaje jego żoną, kochanką, muzą, koleżanką i przyjaciółką – jedyną modelką artysty. W jego życiu nie było innych kobiet. Piękna twarz Georgette jest nieuchwytna na obrazach Magritte'a. Jest mgliste i zaszyfrowane, jak nieuchwytne piękno.

Znaczenie nocy 1927

Celem Magritte'a, jak sam przyznaje, jest skłonienie widza do myślenia. Z tego powodu obrazy artysty często przypominają zagadki, których nie da się do końca rozwiązać, rodzą bowiem pytania o samą istotę bytu: Magritte zawsze mówi o zakłamaniu tego, co widzialne, o jego ukrytej tajemnicy, której zwykle nie zauważamy. Istnieje cykl prac artysty, w których pisze pod zwykłymi przedmiotami: to nie on. Szczególnie popularny jest obraz „Zdrada obrazów”, który przedstawia fajkę z podpisem „To nie jest fajka”. W ten sposób Magritte ponownie przypomina widzowi, że obraz przedmiotu nie jest samym przedmiotem.

On, podobnie jak Dali i inni surrealiści, przeniósł sny i myśli na płótno. ale nienawidził, gdy krytycy nazywali go surrealistą. „Jestem magicznym realistą” – powiedział sobie Magritte.

W wieku 18 lat Rene rozpoczął studia w brukselskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie szybko zdał sobie sprawę, że przeniesienie szczegółów prawdziwego życia na płótno jest dla niego śmiertelną tęsknotą. Tutaj „zachoruje” na kubizm i futuryzm w duchu Fernanda Légera, lecz zostaje wyleczony poprzez zapoznanie się z twórczością Maxa Ernsta i Giorgio de Chirico.

Zatrzymany czas 1938

Ogólnie rzecz biorąc, nazwy obrazów odgrywają u Magritte'a szczególną rolę. Prawie zawsze są poetyckie i na pierwszy rzut oka nie mają nic wspólnego z samym obrazem. I właśnie w tym sam artysta dostrzegł ich znaczenie: wierzył, że ukryty poetycki związek nazwy z obrazem przyczynia się do tej magicznej niespodzianki, którą Magritte widział jako cel sztuki.

W 1921 roku Magritte został powołany do wojska, a rok później, po powrocie do życia cywilnego, dostał pracę jako kreślarz w fabryce tapet, gdzie godzinami szczegółowo zapisywał na papierze róże (róże stały się później jednymi z motywów przewodnich jego obrazów – symbol fatalnego i niebezpiecznego piękna – „Grób wojownika”, 1961). Następnie wraz z bratem otwiera agencję reklamową, co pozwoliło im szybko zapomnieć o palących problemach.

W 1930 roku doszło do zerwania z Bretonem. Magritte wraca do Brukseli i wraz z Paulem Delvaux zostaje jednym z przywódców tutejszego ruchu surrealistycznego. W tym owocnym okresie działalności Magritte stworzył szereg obrazów o tematyce tajemniczej i poetyckiej, w tym najczęściej kopiowany obraz Stan człowieka (1935). Obraz morza na obrazie na sztalugach stojących przed otwartym oknem w cudowny sposób łączy się z „prawdziwym” widokiem na morze z okna.

Kiedy Niemcy zajęli Belgię w 1940 r., Magritte spędził najpierw trzy miesiące na emigracji w Carcassonne (Francja), a następnie wrócił do Brukseli, gdzie przeżył wojnę. Zaraz po wojnie Magritte zdecydował się malować zamaszystymi pociągnięciami pędzla, w stylu Renoira i Matisse'a, tłumacząc to potrzebą odnalezienia radości w przeciwieństwie do ogólnego pesymizmu tamtych lat. Okres ten w twórczości Magritte’a nazywany jest najczęściej okresem „jasnego słońca” („plein soleil”). Jednak motywy impresjonizmu i fowizmu w twórczości mistrza obrazów misteryjnych nie przekonały opinii publicznej i krytyki, a do 1948 roku artysta powrócił do własnego stylu.

„Za pytanie biorę dowolny przedmiot lub temat” – napisał – „a następnie zaczynam szukać innego przedmiotu, który mógłby służyć jako odpowiedź. Aby stać się kandydatem do odpowiedzi, poszukiwany obiekt musi być połączony z przedmiotem pytania za pomocą zestawu tajemnych połączeń. Jeśli odpowiedź nasuwa się sama z całą jasnością, wówczas ustanawia się połączenie między obydwoma przedmiotami.” I znowu: „Dla mnie myśl początkowo składa się tylko z rzeczy widzialnych, a sama może stać się widoczna dzięki malarstwu”. Rene Magritte’a

W latach 50. artysta tworzy kilka swoich najsłynniejszych dzieł. Wśród nich jest obraz „Golconda” (1953). Artysta przedstawił kilkudziesięciu schludnie ubranych rentierów (w melonikach, krawatach i modnych płaszczach) unoszących się w bezkresnej przestrzeni, zachowujących absolutny spokój. Golconda to starożytne miasto w Indiach, które stało się synonimem niezliczonych skarbów i bogactw, ponieważ to właśnie tutaj odkryto wiele słynnych diamentów i innych kamieni szlachetnych. Osoby na zdjęciu wydają się być przyciągane przez skarby Golcondy.

W latach 1950-1960 obrazy Rene Magritte'a wstrząsnęły amerykańskim rynkiem sztuki, gdzie przez cały sezon odbywały się wyłącznie jego wystawy. Pieniądze napływały ze wszystkich stron, ale ten człowiek o twarzy życzliwego farmaceuty, jak twierdzili jego najbliżsi, pozostał wierny sobie: żadnej bohemy, skromne mieszkanie, cichy warsztat i jazda ulubionym środkiem transportu – tramwajem.

Magritte zmarł 15 sierpnia 1967 roku w wieku 69 lat na raka, pozostawiając niedokończoną nową wersję swojego być może najsłynniejszego obrazu „Imperium światła”. Na zawsze pozostała w ich pokoju na sztalugach. Georgette powiedziała, zwracając się do męża: „Myliłeś się w jednym - w skończoności własnego życia, w zwycięstwie śmierci nad wszystkim. Pozostałeś żywy nie tylko dla mnie, ale dla wszystkich, którzy oglądają Twoje obrazy: w końcu wszyscy w nich jesteście. Patrzę na nich, rozmawiam z tobą i kłócę się, jak zawsze. Nadal zrobiłeś to, o czym marzyłeś. Przeniknąłeś przez lustro, ale zostałeś. Pokonałeś śmierć.”

Starał się zniszczyć utarte wyobrażenie o tym, co znane, niezmienne, aby przedmiot ujrzał nowy wymiar, wprowadzając widza w zamieszanie. W swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z rzeczy realnych, zanurzając widza w atmosferze marzeń i tajemnicy. Artysta znakomicie wiedział, jak „pokierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że świat stworzony przez artystę jest statyczny i solidny, jednak surrealizm zawsze wkracza w codzienność, niszcząc ten znany świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące, wypiera ludzi lub parowóz wyskakuje z kominka na pełnych obrotach) prędkość - „Przebity czas”, 1938).

Belgijski artysta surrealista Rene Magritte – życie i twórczość aktualizacja: 21 października 2018 r. przez: strona internetowa

Bella Adzejewa

Belgijski artysta René Magritte, pomimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównego hobby całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami – drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzi – ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Nie tworząc fantastycznych przedmiotów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta dokonał tego, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasola i maszyny do pisania na stole operacyjnym”, łącząc banalne rzeczy w niebanalny sposób. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nazywał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że jedyne, co ma wspólnego z obrazami, to ich rozważanie.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiając go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie, albo z widokiem na górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbocznie, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „Wysokie społeczeństwo” – przyp. red.) - artysta wskazał jedynie zarys mężczyzn w meloniku, wypełniając go chmurami i liśćmi. Najsłynniejsze obrazy przedstawiające nieznajomego to „Golconda” (1953) i oczywiście „Syn człowieczy” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje są tak powszechne, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórca. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego człowieka, który zatracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, jednak jeden z najbardziej tajemniczych – „Kochankowie” (1928) pozostawił bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji przez krytyków sztuki i fanów. Ta pierwsza ponownie dostrzegła w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wyłowiono z rzeki, głowę kobiety zakrył brzeg koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsza i najbardziej oczywista z istniejących wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich, inni rozumieją „Kochanków” jako urzeczywistnioną metaforę „tracenia głowy z miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczą atmosferę przenoszą dzisiejsi artyści – chociażby okładka debiutanckiej płyty brytyjskiego zespołu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep w Rozmowie (2003) nawiązuje do tego.

„Zdrada obrazów”, czyli to nie…

Nazwy obrazów Rene Magritte’a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnąć niemożliwe”, „Przeznaczenie człowieka”, „Przeszkoda w próżni”, „Piękny świat”, „Imperium światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, ale o tym, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie, w każdym przypadku można się tylko domyślać. „Tytuły są dobrane w taki sposób, że nie pozwalają mi umiejscowić moich obrazów w obszarze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, zapobiegając niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najsłynniejszych dzieł Magritte’a dzięki znajdującemu się na nim napisowi: artysta przeszedł od niekonsekwencji do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka”. . "Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można ją napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym pod obrazkiem napisał "To jest fajka", to bym kłam!" – powiedział artysta.

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami jest obrazem tak codziennym i używanym, że nie sposób uczynić z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nieba Magritte'a nie można jednak pomylić z cudzym - częściej ze względu na to, że w jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu niepostrzeżenie przechodzi w sztaluga (seria „Ludzkie przeznaczenie”). Pogodne niebo stanowi tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementarna kosmogonia” , 1949).

Wydawać by się mogło, że słynne „Imperium Światła” (1954) wcale nie przypomina twórczości Magritte’a – w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” – czyste, dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

Tutaj zamieściłam obrazy Rene Magritte'a z tytułami. Oraz kilka faktów na temat charakteru i filozofii tego człowieka. Pragnącym poznać biografię tego artysty polecam obejrzeć film Monsignor Magritte.

Długo odkładałam ten post nie dlatego, że nie lubię Rene Magritte'a, ale wręcz przeciwnie, ze względu na wagę tego zjawiska. Właściwie, w moim rozumieniu, filarami surrealizmu w malarstwie są dwie osoby: Salvador Dali i Rene Magritte. Są jak Tolkien i Lewis w fantasy. Magritte i Dali wywierali i nadal wywierają wpływ na wszystkich surrealistów.

Były to jednak dwie zupełnie różne osoby, tak różne, jak różne są ich zdjęcia. Rene Magritte w przeciwieństwie do Dalego i wszystkich innych surrealistów nie lubił szokować opinii publicznej, nie wszczynał bójek, nie czerpał inspiracji z muchomorów, a całe życie spędził z jedną kobietą – swoją żoną Georgette, główna muza, pokrewna dusza i wzór.

Filozofia Rene Magritte'a

Co ciekawe, człowiek, który wraz z Dali uważany jest za klasyka surrealizmu, nie rozpoznał nawet filozofii tego ruchu, w którym jedno z głównych miejsc zajmowała psychoanaliza. Belg uważał, że twórczości nie można analizować, że jest ona zagadką, zagadką filozoficzną, ale nie przedmiotem analizy freudowskiej.

Biorąc pod uwagę tę filozofię, nie jest zaskakujące, że wiele jego dzieł często powoduje dezorientację i poczucie, że artysta się z ciebie naśmiewa. Oczywiście taka dwuznaczność i symbolika przyczyniły się do tego, że na jego obrazach powstało wiele parodii i instalacji. Szczególnie popularny pod tym względem jest obraz „Syn Człowieczy”.

Całkiem przyzwoity mieszczanin :) To nie jest dla Ciebie Dali w swoim skafandrze kosmicznym :)

Ogólnie Magritte był osobą cichą, spokojną, a najciekawsze rzeczy działy się w jego głowie. Być może dlatego tak niewiele filmów nakręcono o Rene Magritte’u, w przeciwieństwie do Dali.

Nie będę tutaj sucho wymieniał faktów z jego biografii, zrobiło to już za mnie 100 500 innych osób. Nie sądzę, że po to ludzie wchodzą na blog, w końcu po to jest pediwiki. Jeśli chcesz bliżej przyjrzeć się biografii tego artysty, radzę obejrzeć film Monsieur Rene Magritte (Monsieur Rene Magritte) 1978. To ciekawsze niż czytanie suchego tekstu z Wikipedii (z całym szacunkiem dla pediviki).

Obrazy Rene Magritte'a z tytułami

Wszystko, co ten człowiek chciał nam powiedzieć – mówił swoimi obrazami. Obrazy Rene Magritte'a, w przeciwieństwie do burzliwego napięcia kapryśnych wizji Dalego, są bardziej spokojne i filozoficzne. Ponadto płótna Magritte'a przepojone są bardzo specyficznym poczuciem humoru. Warte jedynie jego zdjęcie fajki, z podpisem na dole – to nie jest fajka.

La Philosophie dans le boudoir (Filozofia w buduarze)

La Magie noire (Czarna magia) Mówi się, że wszystkie wizerunki kobiet na jego obrazach to wizerunki jego żony. Patrząc na to zdjęcie, zaczynasz rozumieć, dlaczego całe życie spędził z jedną kobietą. Moim zdaniem dużo ładniejsza niż Gala.

La Memoire (pamięć).

Cosmogonie Elementaire (kosmogonia elementarna).

La Naissance de l'idole (Narodziny idola).

Więzień La Belle (Piękny jeniec).

Kolektyw L'Invention (wynalazek zbiorowy), obraz Rene Magritte'a.

Les Amants (Kochankowie), Rene Magritte, malarstwo, surrealizm.

Le Therapeute II (Terapeuta II), Rene Magritte, artyści, surrealizm.

Le Fils de l'homme (Syn Człowieczy), Rene Magritte. Jeden z najsłynniejszych obrazów artysty.

Le Faux miroir (fałszywe lustro),

Le Coup au coeur (uderzenie w serce)

Alogizm, absurd, połączenie absurdalnej, paradoksalnej wizualnej zmienności obrazów i postaci - to podstawa surrealizmu. Za twórcę tego nurtu uważa się tego, który w sercu surrealizmu widział ucieleśnienie teorii podświadomości Zygmunta Freuda. Na tej podstawie wielu przedstawicieli kierunku stworzyło arcydzieła, które nie odzwierciedlały obiektywnej rzeczywistości, ale były jedynie ucieleśnieniem indywidualnych obrazów inspirowanych podświadomością. Płótna malowane przez surrealistów nie mogły być wytworem ani dobra, ani zła. Wszystkie wywoływały odmienne emocje u różnych osób. Dlatego możemy śmiało powiedzieć, że ten kierunek modernizmu jest dość kontrowersyjny, co przyczyniło się do jego szybkiego rozpowszechnienia się w malarstwie i literaturze.

Surrealizm jako iluzja i literatura XX wieku

Salvador Dali, Paul Delvaux, Rene Magritte, Jean Arp, Max Ernst, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy, Michael Parkes i Dorothy Tanning to filary surrealizmu, który pojawił się we Francji w latach dwudziestych XX wieku. Kierunek ten nie ograniczał się terytorialnie do Francji, rozprzestrzeniając się na inne kraje i kontynenty. Surrealizm znacznie ułatwił postrzeganie kubizmu i sztuki abstrakcyjnej.

Jednym z głównych postulatów surrealistów było utożsamienie energii twórców z podświadomością człowieka, która objawia się we śnie, w stanie hipnozy, w majaczeniu w czasie choroby, czy przypadkowych twórczych spostrzeżeniach.

Charakterystyczne cechy surrealizmu

Surrealizm to złożony kierunek w malarstwie, który wielu artystów rozumiało i rozumie na swój sposób. Nic więc dziwnego, że surrealizm rozwijał się w dwóch koncepcyjnie różnych kierunkach. Do pierwszego nurtu można śmiało przypisać Miro, Maxa Ernsta, Jeana Arpa i André Massona, w którego twórczości główne miejsce zajmowały obrazy płynnie przechodzące w abstrakcję. Druga gałąź opiera się na ucieleśnieniu nierealnego obrazu generowanego przez podświadomość osoby, z iluzoryczną dokładnością. W tym kierunku działał Salvador Dali, będący idealnym przedstawicielem malarstwa akademickiego. To właśnie jego prace charakteryzują się dokładnym oddaniem światłocienia i starannym sposobem pisania - gęste obiekty mają namacalną przezroczystość, z kolei bryły rozłożone, masywne i obszerne postacie nabierają lekkości i nieważkości, a niekompatybilne można połączyć w jedną.

Biografia Rene Magritte’a

Na równi z dziełami Salvadora Dali znajduje się dzieło Rene Magritte’a, słynnego belgijskiego artysty, który urodził się w mieście Lesin w 1898 roku. W rodzinie, z wyjątkiem Rene. urodziła się jeszcze dwójka dzieci, a w 1912 roku wydarzyło się nieszczęście, które wpłynęło na życie i twórczość przyszłego artysty – zmarła jego matka. Znalazło to odzwierciedlenie w obrazie Rene Magritte’a „Pamięci Macka Sennetta”, namalowanym w 1936 roku. Sam artysta twierdził, że okoliczności nie miały wpływu na jego życie i twórczość.

W 1916 roku Rene Magritte wstąpił do brukselskiej Akademii Sztuk, gdzie poznał swoją przyszłą muzę i żonę, Georgette Berger. Po ukończeniu Akademii Rene zajmowała się tworzeniem materiałów promocyjnych i traktowała to raczej lekceważąco. Futuryzm, kubizm i Dadaizm wywarły ogromny wpływ na artystę, ale w 1923 roku Rene Magritte po raz pierwszy zobaczył dzieło Giorgio de Chirico „Pieśń o miłości”. To właśnie ten moment stał się punktem wyjścia dla rozwoju surrealisty Rene Magritte’a. W tym samym czasie rozpoczęło się formowanie nurtu w Brukseli, którego przedstawicielem został Rene Magritte wraz z Marcelem Lekamte, André Suri, Paulem Nougetem i Camille Gemansem.

Twórczość Rene Magritte’a.

Prace tego artysty zawsze budziły kontrowersje i przyciągały wiele uwagi.

Na pierwszy rzut oka obraz Rene Magritte'a wypełniony jest dziwnymi obrazami, które są nie tylko tajemnicze, ale i niejednoznaczne. Rene Magritte nie poruszył kwestii formy w surrealizmie, swoją wizję włożył w znaczenie i znaczenie obrazu.

Wielu artystów szczególną uwagę przywiązuje do tytułów. Zwłaszcza Rene’a Magritte’a. Obrazy o nazwach „To nie jest fajka” lub „Syn człowieczy” budzą w widzu myśliciela i filozofa. Jego zdaniem nie tylko obraz powinien zachęcać widza do okazania emocji, ale także tytuł powinien zaskakiwać i skłaniać do refleksji.
Jeśli chodzi o opisy, wielu surrealistów umieściło na swoich płótnach krótką adnotację. Rene Magritte nie jest wyjątkiem. Obrazy z opisami były zawsze obecne w działaniach reklamowych artysty.

Sam artysta nazywał siebie „realistą magicznym”. Jego celem było stworzenie paradoksu, a opinia publiczna powinna wyciągnąć własne wnioski. Rene Magritte w swoich pracach zawsze wyraźnie rysował granicę pomiędzy subiektywnym obrazem a rzeczywistą rzeczywistością.

Malowanie „Kochankowie”

Rene Magritte namalował cykl obrazów „Kochankowie” w latach 1927-1928 w Paryżu.

Pierwsze zdjęcie przedstawia mężczyznę i kobietę złączonych w pocałunku. Ich głowy są owinięte białym materiałem. Drugie płótno przedstawia tego samego mężczyznę i tę samą kobietę w białym obrusie, którzy patrzą z obrazu na publiczność.

Biała tkanina w pracach artystki wywołuje i wywołuje gorące dyskusje. Istnieją dwie wersje. Według niej pierwsza biała tkanina w twórczości Rene Magritte’a pojawiła się w związku ze śmiercią jego matki we wczesnym dzieciństwie. Jego matka skoczyła z mostu do rzeki. Kiedy wyjęto jej ciało z wody, znaleziono biały materiał owinięty wokół jej głowy. Jeśli chodzi o drugą wersję, wielu wiedziało, że artysta był fanem Fantômasa, bohatera popularnego filmu. Może więc być tak, że biała tkanina jest hołdem złożonym pasji do kina.

O czym jest ten obrazek? Wiele osób uważa, że obraz „Kochankowie” uosabia ślepą miłość: zakochując się, ludzie przestają zauważać kogoś lub coś innego niż swoją bratnią duszę. Ale ludzie pozostają dla siebie tajemnicami. Z drugiej strony patrząc na pocałunek kochanków można powiedzieć, że z miłości i namiętności stracili głowy. Malarstwo Rene Magritte’a przepełnione jest wzajemnymi uczuciami i przeżyciami.

"Syn mężczyzny"

Obraz Rene Magritte'a „Syn Człowieczy” stał się znakiem rozpoznawczym „realizmu magicznego” i autoportretem Rene Magritte'a. To właśnie to dzieło uważane jest za jedno z najbardziej kontrowersyjnych dzieł mistrza.

Artysta ukrył twarz za jabłkiem, jakby chciał powiedzieć, że nie wszystko jest takie, jakim się wydaje, a ludzie nieustannie chcą dostać się do duszy człowieka i zrozumieć prawdziwą istotę rzeczy. Malarstwo Rene Magritte’a jednocześnie skrywa i odkrywa istotę samego mistrza.

Rene Magritte odegrał ważną rolę w rozwoju surrealizmu, a jego twórczość nadal ekscytuje umysły coraz większej liczby nowych pokoleń.