Obraz przewidywania Rene Magritte'a. Rene Magritte’a

Bella Adzejewa

Belgijski artysta Rene Magritte, mimo niewątpliwej przynależności do surrealizmu, zawsze wyróżniał się w tym nurcie. Po pierwsze, był sceptyczny wobec być może głównej pasji całej grupy Andre Bretona – psychoanalizy Freuda. Po drugie, same obrazy Magritte'a nie przypominają ani szalonych fabuł Salvadora Dali, ani dziwacznych pejzaży Maxa Ernsta. Magritte posługiwał się głównie zwykłymi, codziennymi obrazami – drzewami, oknami, drzwiami, owocami, postaciami ludzi – ale jego obrazy są nie mniej absurdalne i tajemnicze niż prace jego ekscentrycznych kolegów. Nie tworząc fantastycznych przedmiotów i stworzeń z głębi podświadomości, belgijski artysta dokonał tego, co Lautreamont nazwał sztuką – zaaranżował „spotkanie parasola i maszyny do pisania na stole operacyjnym”, łącząc banalne rzeczy w niebanalny sposób. Krytycy i znawcy sztuki wciąż proponują nowe interpretacje jego obrazów i ich poetyckich tytułów, prawie nigdy nie kojarzonych z obrazem, co po raz kolejny potwierdza, że prostota Magritte'a jest zwodnicza.

Sam Rene Magritte nazywał swoją sztukę nawet nie surrealizmem, ale realizmem magicznym i był bardzo nieufny wobec wszelkich prób interpretacji, a tym bardziej poszukiwania symboli, argumentując, że jedyne, co ma wspólnego z obrazami, to ich rozważanie.

Od tego momentu Magritte okresowo powracał do obrazu tajemniczego nieznajomego w meloniku, przedstawiającego go albo na piaszczystym brzegu morza, albo na moście miejskim, albo w zielonym lesie, albo z widokiem na górski krajobraz. Nieznajomych mogło być dwóch lub trzech, stali tyłem do widza lub półbocznie, a czasem – jak na przykład w obrazie Wysokie społeczeństwo (1962) (można przetłumaczyć jako „Wysokie społeczeństwo” – przyp. red.) - artysta wskazał jedynie zarys mężczyzn w meloniku, wypełniając go chmurami i listowiem. Najsłynniejsze obrazy przedstawiające nieznajomego to „Golconda” (1953) i oczywiście „Syn człowieczy” (1964) - najczęściej powielane dzieło Magritte'a, którego parodie i aluzje są tak powszechne, że obraz żyje już oddzielnie od swojego twórca. Początkowo Rene Magritte namalował obraz jako autoportret, gdzie postać mężczyzny symbolizowała współczesnego człowieka, który zatracił swoją indywidualność, ale pozostaje synem Adama, który nie potrafi oprzeć się pokusom – stąd jabłko pokrywające jego twarz.

"Zakochani"

Rene Magritte dość często komentował swoje obrazy, jednak jeden z najbardziej tajemniczych – „Kochankowie” (1928) pozostawił bez wyjaśnienia, pozostawiając pole do interpretacji przez krytyków sztuki i fanów. Ta pierwsza ponownie dostrzegła w obrazie nawiązanie do dzieciństwa artystki i przeżyć związanych z samobójstwem matki (kiedy jej ciało wyłowiono z rzeki, głowę kobiety zakrył brzeg koszuli nocnej – przyp. red.). Najprostsza i najbardziej oczywista z istniejących wersji – „miłość jest ślepa” – nie budzi zaufania specjalistów, którzy często interpretują obraz jako próbę przekazania izolacji między ludźmi, którzy nawet w chwilach namiętności nie są w stanie pokonać wyobcowania. Inni widzą tu niemożność zrozumienia i poznania do końca bliskich, inni rozumieją „Kochanków” jako urzeczywistnioną metaforę „tracenia głowy z miłości”.

W tym samym roku Rene Magritte namalował drugi obraz zatytułowany „Kochankowie” - na nim twarze mężczyzny i kobiety również są zamknięte, ale zmieniły się ich pozy i tło, a ogólny nastrój zmienił się z napiętego na spokojny.

Tak czy inaczej, „Kochankowie” pozostają jednym z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte’a, którego tajemniczą atmosferę przenoszą dzisiejsi artyści – chociażby okładka debiutanckiej płyty brytyjskiego zespołu Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep w Rozmowie (2003) nawiązuje do tego.

„Zdrada obrazów”, czyli to nie…

Nazwy obrazów Rene Magritte’a i ich związek z obrazem to temat na osobne opracowanie. „Szklany klucz”, „Osiągnąć niemożliwe”, „Przeznaczenie człowieka”, „Przeszkoda w próżni”, „Piękny świat”, „Imperium światła” są poetyckie i tajemnicze, prawie nigdy nie opisują tego, co widz widzi na płótnie, ale o tym, jakie znaczenie artysta chciał nadać nazwie, w każdym przypadku można się tylko domyślać. „Tytuły są dobrane w taki sposób, że nie pozwalają mi umiejscowić moich obrazów w obszarze tego, co znane, gdzie automatyzm myślenia z pewnością zadziała, zapobiegając niepokojowi” – wyjaśnił Magritte.

W 1948 roku stworzył obraz „Zdrada obrazów”, który stał się jednym z najsłynniejszych dzieł Magritte’a dzięki znajdującemu się na nim napisowi: artysta przeszedł od niekonsekwencji do zaprzeczenia, pisząc pod wizerunkiem fajki „To nie jest fajka”. . "Ta słynna fajka. Jak mi ją zarzucano! A przecież można ją napełnić tytoniem? Nie, to tylko obrazek, prawda? Więc gdybym pod obrazkiem napisał "To jest fajka", to bym kłam!" – powiedział artysta.

Niebo Magritte’a

Niebo z unoszącymi się po nim chmurami jest obrazem tak codziennym i używanym, że nie sposób uczynić z niego „wizytówki” konkretnego artysty. Nieba Magritte'a nie można jednak pomylić z cudzym - częściej ze względu na to, że w jego obrazach odbija się w fantazyjnych lustrach i wielkich oczach, wypełnia kontury ptaków i wraz z linią horyzontu z pejzażu niepostrzeżenie przechodzi w sztaluga (seria „Ludzkie przeznaczenie”). Pogodne niebo stanowi tło dla nieznajomego w meloniku („Kalkomania”, 1966), zastępuje szare ściany pokoju („Wartości osobiste”, 1952) i odbija się w trójwymiarowych lustrach („Elementarna kosmogonia” , 1949).

Wydawać by się mogło, że słynne „Imperium Światła” (1954) wcale nie przypomina twórczości Magritte’a – w wieczornym krajobrazie na pierwszy rzut oka nie było miejsca na niezwykłe przedmioty i tajemnicze kombinacje. A jednak istnieje takie połączenie, które tworzy obraz „Magritte” – czyste, dzienne niebo nad jeziorem i dom pogrążony w ciemności.

Bella Adzejewa

"Zakochani"

„Zdrada obrazów”, czyli to nie…

Niebo Magritte’a

Jeden z najwybitniejszych artystów ubiegłego wieku, Rene Magritte (1898-1967) pochodził z Belgii. W 1912 roku w rzece utopiła się jego matka, co najwyraźniej wywarło ogromne wrażenie na nastolatku, przyszłym artyście, jednak wbrew powszechnemu przekonaniu nie należy przeceniać wpływu tego wydarzenia na twórczość autora. Magritte przywiózł z dzieciństwa szereg innych, nie tak tragicznych, ale nie mniej tajemniczych wspomnień, o których sam powiedział, że znalazły one odzwierciedlenie w jego twórczości.

Kształcił się na Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, początkowo pozostawał pod silnym wpływem Dadaizmu i Kubizmu. Rok 1925 był punktem zwrotnym w jego twórczości: obraz „Róże Pikardii” wyznaczył nowy styl i nową postawę - „realizm poetycki”. Artysta przenosi się do „centrum surrealizmu” – Paryża, gdzie bierze udział we wszystkich wystawach surrealizmu. W 1938 roku London Art Gallery zorganizowała pierwszą dużą wystawę belgijskiego mistrza.

Na początku lat pięćdziesiątych Twórczość Magritte'a cieszy się coraz większym międzynarodowym uznaniem, o czym świadczą jego duże wystawy w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku, Paryżu i Brukseli. W 1956 roku Magritte, jako wybitny przedstawiciel kultury Belgii, został uhonorowany prestiżową Nagrodą Guggenheima.

W obrazie „Fałszywe lustro” (1929), wyrażającym ideologiczne credo artysty, całą przestrzeń zajmuje obraz wielkiego oka. Tylko zamiast tęczówki widz widzi letnie błękitne niebo z unoszącymi się po nim przezroczystymi chmurami. Tytuł wyjaśnia ideę obrazu: narządy zmysłów odzwierciedlają jedynie wygląd rzeczy, nie przekazując ukrytych głębi świata, jego tajemnic. Tylko to, co niekompatybilne, pomaga, zdaniem Magritte’a, uchwycić sens bytu. Obraz może narodzić się jedynie ze zbieżności dwóch mniej lub bardziej odległych rzeczywistości.

Magritte będzie podążał tą metodą przez całą swoją karierę, co jest szczególnie widoczne w jego obrazach „filozoficznych”. Jednym z nich są Wakacje Hegla (1958).

„Moje ostatnie zdjęcie” – pisał – „rozpoczęło się od pytania: jak przedstawić na obrazie szklankę wody, aby nie była dla nas obojętna? Ale jednocześnie i w taki sposób, aby nie byłoby to jakoś szczególnie dziwaczne, arbitralne i nieistotne.Jedno słowo, żeby można było powiedzieć: genialne (zostawmy sobie niepotrzebny wstyd).
Zacząłem rysować szklanki jedna po drugiej (trzy szkice), za każdym razem z pociągnięciem w poprzek (szkic). Po setnym lub stu pięćdziesiątym
rysując, obrys stał się nieco szerszy (kontur). Początkowo parasol stał w szybie (szkic), ale potem okazało się, że jest pod nim (szkic).
Znalazłem więc rozwiązanie pierwotnego pytania: jak pomysłowo przedstawić szklankę wody. Szybko zdałem sobie sprawę, że ten temat może bardzo zainteresować Hegla (on też jest geniuszem), ponieważ mój temat łączy w sobie dwa przeciwieństwa
aspiracje: nie chce wody (odpycha ją) i pragnie wody (podnosi ją). Myślę, że podobałoby mu się to lub uznałoby to za zabawne (na przykład podczas wakacji). Dlatego nazwałem obraz „Wakacjami Hegla”.

Wśród surrealistów Magritte wyraźnie wyróżnia się: w odróżnieniu od nich nie używa elementów fantastycznych, ale zwyczajnych, ujętych w przedziwny sposób. Taki jest jego słynny obraz „Skarb osobisty” (1952).

„Kluczem” jest tutaj także nazwa. „Osobiste” przerosty do potwornych rozmiarów. Pokój zamienia się w swego rodzaju „mikrokosmos”, zamknięty, ściśnięty, pomimo nieba, po którym zamiast ścian płyną chmury. Wszystko tu dziwnie się zmieniło, jakby ożyło, nabrało nieutylitarnego wyglądu, chociaż, jak zawsze u Magritte'a, przedmioty nie zmieniły swojego wyglądu, faktury, koloru i są doskonale „rozpoznawalne”. Widz jakby mimochodem zachwyca się niebieskawym połyskiem szkła, fakturą drewnianych mebli, umiejętnością przenoszenia lustrzanych odbić. Ale tak na marginesie, bo przedmioty jakby zyskały niezależność, jakby przemawiały w imieniu swojego właściciela, całkowicie uzurpując sobie jego „wiodącą” rolę. Oni sami stali się „osobowościami” i wydają się ze sobą rozmawiać.

Jedną z cech malarstwa wczesnego Magritte'a jest jego „literactwo” w dobrym tego słowa znaczeniu. Magritte obraca się w kręgu poetów, filozofów, pisarzy, bada dzieła teoretyczne znanych romantyków XIX wieku. Duży wpływ na niego wywarła twórczość angielskiego poety i filozofa romantycznego z początku XIX wieku. Samuela Taylora Coleridge’a, który w sztuce czcił przede wszystkim symbolikę – takie „całkowite podporządkowanie materii duchowi, że materia zamienia się w symbol, poprzez który duch się objawia”.

Ilustracją tej myśli jest zwłaszcza słynny obraz Magritte’a „Wyzwolenie” („Lot w pola”), powstały w 1933 roku.

Z rozbitego okna otwiera się dziwny krajobraz. Zielonkawe wieczorne wzgórza, kuliste błękitne drzewa, przejrzyste niebo z masy perłowej, błękitne odległości. Artysta umiejętnie posługując się technikami malarstwa tonalnego tworzy nastrój radosnego uniesienia, oczekiwania na coś niezwykłego, wspaniałego. Ciepły odcień zasłon na pierwszym planie wzmacnia wrażenie lekkości tego zaczarowanego krajobrazu... Obrazy Magritte'a zdają się być wykonane spokojną, nieustraszoną ręką. Mistrz koloru, Magritte, używa go oszczędnie, oszczędnie. W „Wyzwoleniu” symbolika kolorów służy do wyrażania złożonych skojarzeń. Plamy niebieskiego, różowego, żółtego i czarnego nadają obrazowi niesamowitą pełnię kolorów i żywotność.

Oryginalność twórczości Rene Magritte'a ujawni się pełniej, jeśli przejdziemy do tematu „Surrealizm i freudyzm”. Główny teoretyk surrealizmu, Andre Breton, z zawodu psychiatra, przy ocenie twórczości artysty przywiązywał decydującą wagę do psychoanalizy Freuda. Poglądy Freuda nie zostały przyjęte tylko przez wielu surrealistów – stały się one ich sposobem myślenia. Na przykład dla Salvadora Dali, jak sam przyznaje, świat idei Freuda znaczył tyle samo, co świat Pisma Świętego dla artystów średniowiecznych czy świat mitologii starożytnej dla mistrzów renesansu.

„Metoda wolnych skojarzeń” zaproponowana przez Zygmunta Freuda, jego „teoria błędów”, „interpretacja snów” miały na celu przede wszystkim identyfikację chorobliwych zaburzeń psychicznych w celu wyleczenia. Do tego zmierzała także zaproponowana przez Freuda interpretacja dzieł sztuki. Ale przy takim rozumieniu sztuka zostaje zredukowana do szczególnego, że tak powiem, czynnika „uzdrawiającego”. Na tym polegał błąd podejścia teoretyków surrealizmu do dzieł sztuki. Magritte doskonale o tym wiedział, pisząc w jednym ze swoich listów z 1937 roku: „Sztuka, jak ją rozumiem, nie podlega psychoanalizie. Jest zawsze tajemnicą”. Artysta ironicznie odnosił się do prób interpretacji swoich obrazów za pomocą psychoanalizy: "Uznali, że mój" Czerwony Model "jest przykładem kompleksu kastracyjnego. Po wysłuchaniu kilku tego typu wyjaśnień wykonałem rysunek według wszystkich „Zasady” psychoanalizy. Oczywiście przeanalizowali to w ten sam sposób. Straszne jest, jaką kpinę może przeżyć osoba, która stworzyła jeden niewinny rysunek… Być może sama psychoanaliza jest najlepszym tematem dla psychoanalityka.

Dlatego Magritte uparcie odmawiał nazywania siebie „surrealistą”. Chętnie przyjął określenie „realisty magicznego”. Kierunek ten jest typowy dla „okresu belgijskiego” jego twórczości – począwszy od roku 1930, kiedy Magritte powrócił na zawsze z Paryża do Brukseli.

Tradycje dawnej sztuki niderlandzkiej wywarły korzystny wpływ na twórczość Magritte'a. W obrazie „Plagiat” (1960) uwagę zwraca kilka detali-symboli.

Po lewej stronie na stole widzimy wizerunek gniazda i trzech jaj – symbolika Trójcy. Artysta niczym magik zdaje się materializować na naszych oczach obrazy swojej fantazji, a one zamieniają się w piękny, owocujący ogród – symbol żywej twórczej wyobraźni. Magritte tworzy subtelny, uduchowiony obraz poetycki. Kontemplując obraz, można podziwiać jedynie najdelikatniejsze różowe, niebieskawe, perłowe odcienie - naprawdę fantastyczny widok.

W latach 30. XX wieku Magritte wraz ze sztuką Boscha dogłębnie studiuje twórczość swojego rodaka, dramaturga i filozofa Maurice'a Maeterlincka, który w 1889 roku w zbiorze „Szklarnie” napisał: „Symbol jest siłą natury, ale ludzki umysł nie może się jej oprzeć prawa… Jeśli nie ma symbolu, nie ma dzieła sztuki”.

Maeterlinck zawdzięcza Magritte’owi umiejętność rozwinięcia porównań w całą sieć obrazów, które fantazja artysty zamienia w realny świat. W obrazie „Szaleństwo wielkości” (1948) płonąca świeca jest przedstawiona na kamiennym parapecie na tle nieskończonego lazurowego morza - jako symbol kruchości ludzkiego życia. W pobliżu wyrasta kilka kobiecych torsów (symbol zmysłowości). A na niebie z pięknymi zamarzniętymi chmurami (dla Magritte'a - symbolu ponadczasowości) widz widzi niebieskie „bezcielesne” kształty geometryczne, symbolizujące „czyste idee” oraz balon – symbol abstrakcyjnej „czystej myśli”.

Za pomocą przemyślanej kolorystyki artysta „udoskonala” główną ideę. „Zmysłowość” to ciepły, cielisty kolor. „Czyste formy” rozwiązane są w zimnej, niebieskawej tonacji, odpowiadającej symbolice i jednocześnie tworzącej wrażenie bezgranicznej przestrzeni.

„Błąkamy się po dolinie, nie zdając sobie sprawy, że wszystkie nasze ruchy są odtwarzane i nabierają prawdziwego znaczenia na szczycie góry” – napisał Maeterlinck w Treasure of the Humble, „i konieczne jest, aby od czasu do czasu ktoś przyszedł do nas i powiedział: „Spójrz w górę, spójrz, kim jesteś, spójrz, co robisz. Nie mieszkamy tutaj, nasze życie jest tam, na górze. To spojrzenie, które wymieniliśmy w ciemności, te słowa, które nie miały znaczenia u podnóża góry spójrz, czym się stały i co znaczą tam, ponad zaśnieżonymi wzgórzami.

Ta idea Maeterlincka znalazła odzwierciedlenie w obrazie Magritte’a „Posiadanie Arnheim” (1962).

Artysta uważa, że tylko rozbijając szkło, na którym namalowany jest fałszywy obraz, można zobaczyć rzeczywistość w całej jej świetlistej okazałości. To właśnie tutaj, na szczytach gór, o których mówił Maeterlinck, czai się Prawda.

Obraz „Nieoczekiwana odpowiedź” (1933) ucieleśnia inną myśl Maeterlincka: „W życiu nie ma dni bez znaczenia. Idź, wróć, wyjdź jeszcze raz – w półmroku znajdziesz to, czego potrzebujesz. Ale nigdy nie zapominaj, że jesteś blisko drzwi.To być może jedna z tych wąskich szczelin w drzwiach ciemności, przez którą dana nam jest możliwość przewidzenia przez chwilę wszystkiego, co powinno wydarzyć się w grocie skarbów, które nie zostały jeszcze odkryte.

Obraz wygląda jak emblemat ekscytującej tajemnicy - wszystko tutaj jest tak integralne, „naturalne”, jeśli tę definicję można przypisać jednej z najbardziej tajemniczych i mistycznych kompozycji Magritte'a. Otwarte „wybite drzwi” to symbol innego wymiaru, skrywającego wiele tajemnic.

Niektórzy autorzy piszący o Magritte'u nazywają go „artystą absurdu”, w którego obrazach nie ma sensu. Gdyby tak było, gdyby celem artysty było ukazanie jedynie „absurdu naszej codziennej egzystencji”, byłaby to twórczość na poziomie układanki, a nie poważna sztuka, jaką jest. Magritte napisał: „Zadajemy zdjęcie losowo, zamiast go słuchać. I jesteśmy zaskoczeni, gdy otrzymujemy odpowiedź, która nie jest szczera”.

Jego twórczość często nazywana jest „snami na jawie”. Artysta wyjaśnił: „Moje obrazy to nie senne sny, ale sny budzące”. Nic dziwnego, że wybitny surrealista Max Ernst, oglądając swoją wystawę w Nowym Jorku na początku lat pięćdziesiątych XX wieku, powiedział: „Magritte nie śpi i nie czuwa. On oświetla. Podbija świat snów”.

„Bez tajemnicy ani świat, ani idea nie są możliwe” – powtarzał Magritte niezmiennie. I jako epigraf do jednego ze swoich autoportretów przyjął linię francuskiego poety XIX wieku. Lautreamont: „Czasami śnię, ale ani na chwilę nie tracę świadomości swojej tożsamości”.

Stąd nieoczekiwana interpretacja „wewnętrznego i zewnętrznego” w twórczości Magritte’a.

Oto komentarz artysty do jego obrazu „Ramki życia” (1934): „Przed oknem, które widzimy z wnętrza pokoju, umieściłem obraz przedstawiający właśnie tę część krajobrazu, którą ono zamyka. Zatem drzewo na zdjęciu przesłania drzewo stojące za nami na zewnątrz. Dla widza drzewo znajduje się zarówno w pomieszczeniu na obrazie, jak i na zewnątrz w prawdziwym pejzażu. W ten sposób widzimy świat. Widzimy go na zewnątrz nas i na jednocześnie dostrzegamy jego reprezentację w sobie. W ten sposób czasami umieszczamy w przeszłości to, co dzieje się w teraźniejszości. W ten sposób czas i przestrzeń zostają uwolnione od trywialnego znaczenia, jakie nadaje im zwykła świadomość.

Herbert Read zauważył: "Magritte wyróżnia się surowością form i wyraźną jasnością widzenia. Jego symbolika jest czysta i przejrzysta, jak szkło okien, które tak bardzo uwielbia przedstawiać. Rene Magritte ostrzega przed kruchością świata. jak kry lodowe.” To przykład jednej z możliwych interpretacji wieloznacznych metafor Magritte’a. Motyw szklanego okna tego artysty można także postrzegać jako granicę między dwoma światami - realnym i nierealnym, poetyckim i przyziemnym, pomiędzy świadomym i nieświadomym.

Na obrazie „Syn Człowieczy” (1964) współczesny człowiek ukazany jest na tle muru oddzielającego go od rozległych połaci oceanu i nieba, symbolizującego nieskończoność. Jabłko wiszące przed twarzą człowieka nadaje obrazowi tajemniczości. To jabłko może być postrzegane zarówno jako owoc drzewa wiedzy, jak i jako symbol natury, którą człowiek próbuje zrozumieć. Jednocześnie ten szczegół nadaje harmonii prozaicznemu wyglądowi schludnego mieszczanina.

Obraz „Golconda” (1953) można uznać za zmaterializowaną metaforę: ludzie „z wagą” stali się nieważcy. W nazwie kryje się ironia: w końcu Golconda to na wpół legendarne miasto w Indiach, słynące ze złotych placków i diamentów, a tych ludzi zdaje się przyciągać złoto. Artysta wisi na bezkresnej przestrzeni kilkudziesięciu schludnie ubranych – w meloniki, krawaty i modne płaszcze – rentierów, zachowując przy tym absolutny spokój.

Na jednym z późnych obrazów Magritte'a „Gotowy bukiet” (1956) mężczyzna w tym samym meloniku i fraku, stojąc na tarasie tyłem do widza, kontempluje wieczorny park. A na plecach widnieje „Wiosna” Botticellego, maszerująca w kwiatach i blasku kolorów. Co to jest? Realizacja aforyzmu „Człowiek przemija, sztuka pozostaje”? A może osoba podziwiająca park pamiętała obraz Botticellego? Odpowiedź jest niejasna.

Artysta stara się zniszczyć utarte wyobrażenia o tym, co dobrze znane, niezmienne, aby nadać przedmiotowi nowy wymiar, wprowadzając widza w zamieszanie. W swoich płótnach stworzył świat fantazji i snów z rzeczy realnych, zanurzając widza w atmosferze marzeń i tajemnicy. Artysta znakomicie wiedział, jak „pokierować” swoimi uczuciami. Wydawać by się mogło, że świat stworzony przez artystę jest statyczny i solidny, jednak surrealizm zawsze wkracza w codzienność, niszcząc ten znany świat (zwykłe jabłko w pokoju, rosnące, wypiera ludzi lub parowóz wyskakuje z kominka na pełnych obrotach) prędkość - „Przebity czas”, 1939).

Najczęściej kopiowanym obrazem jest Stworzenie człowieka (1935). Obraz morza na obrazie na sztalugach stojących przed otwartym oknem w cudowny sposób łączy się z „prawdziwym” widokiem na morze z okna.

Tematem wielu obrazów Magritte'a była tzw. „ukryta rzeczywistość”. Część obrazu, np. twarz głównego bohatera, jest czymś zakryta (jabłko, bukiet kwiatów, ptak). Magritte tak wyjaśnia znaczenie tych dzieł: „Interesującą rzeczą w tych obrazach jest obecność tego, co otwarte i tego, co ukryte, które nagle wdziera się do naszej świadomości, a które w naturze nigdy się od siebie nie oddzielają”.

W Kochankowie Rene Magritte pokazuje, że kiedy jesteśmy naprawdę zakochani, nasze oczy są zamknięte.

Próbując zrozumieć nieuchwytne znaczenie obrazów Magritte'a, „wyjaśnić” je, umysł widza gorączkowo chwyta jedno i drugie. Artysta „rzuca” mu nazwę obrazu (zwykle pojawiała się ona już po ukończeniu pracy). Magritte nadał tytułowi decydującą rolę w odbiorze obrazu. Według wspomnień krewnych i przyjaciół, wymyślając imiona, często omawiał je z innymi pisarzami. Oto, co powiedział na ten temat sam artysta: „Tytuł jest wyznacznikiem funkcji obrazu”, „Tytuł powinien zawierać w sobie żywe emocje”, „Najlepszy tytuł obrazu jest poetycki. Nie powinien niczego uczyć, ale zamiast tego zaskakiwać i fascynować.”

Wiele tytułów obrazów ma celowo naukowy charakter i widać w nich ironię: „Lampa filozoficzna” (1937), „Pochwała dialektyki” (1937), „Wiedza przyrodnicza” (1938), „Traktat o wrażeniach” (1944). ). Klimat poetyckiej tajemnicy tworzą także inne tytuły: Dialog przerwany wiatrem (1928), Klucz do snów (1930), Bolesne trwanie (1939), Imperium światła (1950), Salon Boga (1958).

Obraz „Imperium światła” został namalowany przez Magritte’a w ostatniej dekadzie jego życia, ale od razu stał się chyba jego najpopularniejszym dziełem. Tak popularna, że wielu kolekcjonerów było skłonnych zapłacić każdą cenę, aby mieć w swojej kolekcji jedną z jej replik.

Czym więc jest ten obraz, który zawładnął umysłami ludzi na całym świecie? Na pierwszy rzut oka wydaje się to proste i wręcz bezpretensjonalne. Dom nad brzegiem małego jeziora ukryty jest w cieniu rozłożystych drzew. Okna na drugim piętrze płoną przytulnym światłem, samotna latarnia daje przyjazne światło podróżnikowi, który mógłby tu być w ciemną noc. Wydawać by się mogło, że to zwyczajny, całkiem realistyczny nokturn. Taki obraz może napisać każdy „tradycyjny” artysta.

Ale czy to prawda? Dlaczego więc pojawia się niejasny niepokój, zmuszający widza do coraz głębszego wpatrywania się w obraz? Ten niepokój nie minie, dopóki nagle nie stanie się jasne – niebo to jest to! Błękitne niebo z białymi puszystymi chmurami biegnącymi wesoło. I to późno w nocy! Tylko nie pytaj, jak to jest możliwe, bo w świecie Magritte'a nie ma rzeczy niemożliwych. Jak nikt inny ten artysta uwielbia łączyć niekompatybilne, wprowadzać do swoich obrazów detale, które kontrastują ze sobą tak ostro, że widz najpierw doznaje lekkiego szoku, ale potem jego umysł zaczyna pracować ze zdwojoną intensywnością, próbując znaleźć rozwiązanie do proponowanej szarady.

Sam Magritte tak o niej powiedział: „Połączyłem w Imperium Światła różne koncepcje, a mianowicie nocny krajobraz i niebo w całej okazałości światła dziennego. Krajobraz skłania do myślenia o nocy, o niebie - o dniu. Moim zdaniem to jednoczesne zjawisko dnia i nocy ma moc zaskakiwania i czarowania. I tę moc nazywam poezją.

Rene Magritte osobiście

„Autoportret” („Czujne spojrzenie”)

Wspominając swoje dzieciństwo, pisał: „Pamiętam moje zdumienie, kiedy po raz pierwszy zobaczyłem szachownicę i znajdujące się na niej figury. Przerażające wrażenie! Nuty, na których tajemnicze znaki oznaczały dźwięk, a nie słowa! Oto jedno małe wczesne dzieło artysty - „Lost Jockey”, które stało się jego manifestem twórczym.

Jeździec, pędząc na pełnych obrotach na namydlonym koniu, zagubił się w nierealnym gaju ogromnych figur szachowych pomalowanych zapisem muzycznym.

Malarstwo „Carte blanche” czyli „Przeszkoda pustki”.

Magritte napisał o niej: „Rzeczy widzialne mogą być niewidzialne. Jeśli na przykład jacyś ludzie jadą przez las, to najpierw ich widzisz, potem ich nie widzisz, ale wiesz, że tam są. Na obrazie „Carte Blanche” jeździec zasłania drzewa, a one zasłaniają ją. Jednak nasza siła myślenia obejmuje zarówno to, co widzialne, jak i to, co niewidzialne, a za pomocą malarstwa uwidaczniam myśli.

Malarstwo „Zakazane rozwidlenie”

Warto zauważyć, że u Magritte'a jedynie obrazy ptaka są wolne od zawiłości skojarzeniowych. Ptaki niosą ze sobą pozytywną energię lotu i nic więcej. Nie ma ptaków martwych, upadłych, z połamanymi skrzydłami. Ptaki żyją, a ich skrzydła są pełne jasnoniebieskich i białych chmur cirrus Magritte'a (Duża rodzina, 1963).

15 sierpnia 1967 roku Rene Magritte zmarł na raka. Zmarł jeden z artystów-magów XX wieku, który za życia przypominał szanowanego farmaceutę.
Prowadził ciche i spokojne życie ulicy, z dala od bohemy, Belga – człowieka, którego trudno odróżnić od tłumu. Marzenia, paradoksy, lęki, tajemnicze niebezpieczeństwa przytłaczały tylko jego obrazy, a nie życie. Artysta zmagał się z nudą jedynie w twórczości. Idealnie mu odpowiadała regularność dnia codziennego, większość swoich obrazów namalował nawet w jadalni i do końca życia wolał tramwaj od innych środków transportu.
W jakiś sposób na krótko przed śmiercią Magritte, ten wyrafinowany mistrz, powiedział: „Nadal nie rozumiem powodu, dla którego żyjemy i umieramy”. Może artysta po prostu zaszyfrował w swoich obrazach-puzzlach wskazówki dotyczące przyczyn i tajemnic bycia? Wszystko może być. W takim razie powinieneś się z nimi zapoznać!

2 czerwca 2009 roku w Brukseli otwarto nowe muzeum poświęcone twórczości słynnego surrealistycznego artysty Rene Magritte'a. Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych przeznaczyło na niego salę o powierzchni 2,5 tys. mkw. Ekspozycja Muzeum Rene Magritte'a obejmuje ponad 200 dzieł autora - to największa kolekcja na świecie.

W 1978 roku Adrian Maben nakręcił film o wielkim Rene Magritte'u. Wtedy o artyście dowiedział się cały świat, a przecież jego obrazy od początku zasługiwały na nieśmiertelność. Magritte malował w stylu surrealizmu i śmiało stawiano go na równi z Salvadorem Dali. Magritte był bardzo dowcipny w swojej pracy. Przekonaj się: zasługują na podziw.

Syn człowieczy, 1964

Szeherezada, 1948

Najbardziej zabawne w stylu artysty było to, że nie rysował niezrozumiałych obrazów, ale wykorzystywał jako elementy obrazu dość prymitywne rzeczy. Wydaje się, że wszystkie obiekty są rozpoznawalne, ale efektem jest niewyobrażalna niespodzianka (niespodzianka!).

Perpetuum mobile, 1935

Co więcej, sam Magritte powiedział, że „wszyje” myśl w każdy obraz, a obrazy nie są głupim stosem elementów, ale niezależną historią.

Zasada przyjemności , 1937

Towarzysze strachu, 1942

Naukowcy twierdzą, że jeśli ocenisz wszystkie obrazy artysty, możesz stworzyć dość jasny obraz jego wewnętrznego świata.

To nie jest jabłko, 1964

Duża rodzina, 1967

Wielka Wojna, 1964

Spokojny śpiący, 1927

Artysta urodził się 21 listopada 1898 roku w mieście Lessin. Kiedy miał 14 lat, matka Rene utopiła się w rzece Sambre, co było dla dziecka ogromnym szokiem. Z jakiegoś powodu powszechnie przyjmuje się, że fakt ten nie miał wpływu na twórczość Magritte'a, ale z pewnością istnieje związek.

Kochankowie, 1928

Kochankowie II, 1928

Golkonda, 1953

Dwie tajemnice, 1966

Podobno w ramach rekompensaty za trudne dzieciństwo, w wieku 15 lat chłopiec zakochuje się w Georgette Berger, a ona staje się jego jedyną kobietą na całe życie. Poświęca jej wszystkie swoje obrazy, ona jest jego jedyną modelką, pozostaje jej wierny. Szanowana historia miłosna! Kiedy kończy 22 lata, pobierają się, w tym czasie Magritte jest już absolwentem akademii artystycznej.

Georgette Magritte, 1934

Magritte z Georgettą

Na fali miłości przyszły talent podziwia dzieła innych mistrzów (wówczas w modzie był kubizm) i zaczyna dorabiać jako malarz pokojowy i plakacista.

Terapeuta, 1937

Lampa filozoficzna, 1936

Pierwsza wystawa Magritte'a odbyła się w 1927 roku. Potem dużo czytał, poruszał się w kręgu filozofów i szanowanych pisarzy, studiował psychoanalizę, więc wszystkie jego obrazy były pełne głębokiej treści i znaczenia. Ale nie lubił psychoanalizy i nie uważał się za surrealistę, ponieważ krytycy jego obrazów próbowali „przeanalizować” jego postać na podstawie jego dzieł. Dotarliśmy do kompleksu Edypa, przypomnieliśmy sobie zmarłą matkę i wtedy Magritte się rozzłościł.

„To straszne, na jaką kpinę może narazić się osoba, która stworzyła jeden niewinny rysunek… Być może sama psychoanaliza jest najlepszym tematem dla psychoanalityka”.

Gwałt, 1934

Medytacja, 1936

W latach pięćdziesiątych zyskało światowe uznanie, jego obrazy były wystawiane w Rzymie, Londynie, Nowym Jorku i ogólnie w najlepszych galeriach na świecie. Jego twórczość często nazywana jest „snami na jawie”.

Sala przesłuchań, 1952

Model czerwony, 1935

Krzywe lustro, 1928

Wynalazek zbiorowy, 1942

Artysta rozwinął:

„Moje obrazy to nie senne sny, ale sny budzące”.

Oczywiście jego obrazy rysowane są w różnych stylach i technikach: art deco, postimpresjonizm, kubizm, surrealizm, w jego pracach wykorzystywano wszelkiego rodzaju materiały (od gwaszu po aplikacje), ale sławę zyskał właśnie dzięki nietypowemu surrealizmowi w jego dziełach.

Północ w małżeństwie, 1926

W 1967 roku René zmarł na raka trzustki. Minęło prawie 50 lat, a jego twórczość wciąż ekscytuje i cieszy ludzi. A to oznacza, że artystę można śmiało uznać za klasyka.

Niedokończony obraz, 1954

17.03.2011 V 22:08

Surrealizm Rene Magritte’a

Przemoc(wszystkie prace można powiększyć)

Jeden z najwybitniejszych artystów ubiegłego stulecia, Rene Magritte’a(1898–1967) pochodził z Belgii. Kształcił się na Akademii Sztuk Pięknych w Brukseli, początkowo pozostawał pod silnym wpływem Dadaizmu i Kubizmu. Rok 1925 był punktem zwrotnym w jego twórczości: obraz „Róże Pikardii” wyznaczył nowy styl i nową postawę - „realizm poetycki”. Artysta przenosi się do „centrum surrealizmu” – Paryża, gdzie bierze udział we wszystkich wystawach surrealizmu.

Dadaizm, czyli Dada- ruch modernistyczny w literaturze, sztukach plastycznych, teatrze i kinie. Powstał podczas pierwszej wojny światowej w neutralnej Szwajcarii, w Zurychu. Istniał od 1916 do 1922 roku. Główną ideą Dadaizmu było konsekwentne niszczenie wszelkiego rodzaju estetyki. Dadaiści głosili: „Dadaiści są niczym, niczym, niczym, z pewnością niczego, niczego, niczego nie osiągną”.
Głównymi zasadami Dada była irracjonalność, zaprzeczanie uznanym kanonom i standardom w sztuce, cynizm, rozczarowanie i brak systemu. Uważa się, że Dadaizm był prekursorem surrealizmu, co w dużej mierze zdeterminowało jego ideologię i metody.

zakochani

czerwony model

Cechą charakterystyczną Magritte'a jest atmosfera tajemniczości w jego twórczości. Jak wiadomo, poczucie tajemnicy jest nieodłącznym elementem prawdziwej sztuki. „Zawsze uważałem Magritte’a za artystę wyobraźni, mistrza stojącego gdzieś na poziomie Giorgione” – napisał Herbert Read. W tych słowach kryje się klucz do poetyki Magritte'a. Magritte wyróżnia się ostro na tle surrealistów: w przeciwieństwie do nich nie używa elementów fantastycznych, ale zwyczajnych, ujętych w przedziwne relacje.

Wgląd("Jasnowidzenie(autoportret)")

Nostalgia

Powrót płomienia („Le retour de flamme”)

Filozofia buduaru

Perspektywa II: Balkon Maneta („Perspektywa II^ le balcon de Manet”)

Golkonda

Tajemnica horyzontu

Magritte nadał tytułowi decydującą rolę w odbiorze obrazu. Według wspomnień krewnych i przyjaciół, wymyślając imiona, często omawiał je z innymi pisarzami. Oto, co powiedział na ten temat sam artysta: „Tytuł jest wyznacznikiem funkcji obrazu”, „Tytuł powinien zawierać w sobie żywe emocje”, „Najlepszy tytuł obrazu jest poetycki. Nie powinien niczego uczyć, ale zamiast tego zaskakiwać i fascynować.”

Miesiąc zbiorów winogron

Duża rodzina

Karta blanszowa

fałszywe lustro

syn mężczyzny

Magritte namalował ten obraz jako autoportret. Przedstawia mężczyznę we fraku, w meloniku, stojącego przy ścianie, za którą widać morze i zachmurzone niebo. Twarz osoby jest prawie całkowicie zakryta przez wiszące przed nią zielone jabłko. Uważa się, że obraz zawdzięcza swoją nazwę wizerunkowi współczesnego biznesmena, który pozostał synem Adama, oraz jabłku, symbolizującemu pokusy, które nadal nawiedzają człowieka we współczesnym świecie.

Muzeum Rene Magritte’a w Brukseli