Historia de la música: jazz. Nueva Orleans Nueva Orleans principios del siglo XX

Louisiana (mapa geográfico).

Nueva Orleans (Nueva Orleans, Nueva Orleans) es una ciudad y puerto en el sur de los Estados Unidos (facturación de carga superior a 100 millones de toneladas por año), Luisiana, en el río Mississippi (la parte central de la ciudad se encuentra en el este Banco). Población - 466,6 mil personas (2004), con los suburbios alrededor de - 1,36 millones de personas (2004). La ciudad está por debajo del nivel del mar y sufrió graves daños en agosto de 2005 por la destrucción causada por el huracán Katrina y la posterior ruptura de la presa; Posteriormente fue reconstruido rápidamente.

Nueva Orleans es un importante centro financiero y comercial del sur de los Estados Unidos, un centro de transporte, el puerto más grande (segundo en términos de rotación de carga en los Estados Unidos) a 175 km de la confluencia del río Mississippi en Golfo de México(el más grande del país y del mundo en cuanto a exportación de cereales, exportación de productos agrícolas, químicos, textiles, tabaco; anualmente unos 5.000 barcos de alta mar, unos 40 consulados extranjeros en la ciudad). Aeropuerto Internacional. Es un importante cruce de carreteras y ferrocarriles. Numerosas refinerías de petróleo, petroquímicas, alimenticias, textiles, ingeniería mecánica, construcción naval, aeroespacial y empresas de metalurgia no ferrosa operan en la ciudad. Es un importante centro médico y turístico.

La decisión de fundar Nueva Orleans (que lleva el nombre del regente del duque de Orleans) se tomó en París en 1717, cuando Luisiana quedó bajo el control de John Lowe's Western Company. Se asumió que aquí se crearía un punto de transbordo para el comercio a lo largo del Mississippi. El fundador de la ciudad fue Jean-Baptiste Lemoine de Bianville, la limpieza del territorio para la futura ciudad comenzó en marzo de 1718. El ingeniero Adrian de Poje creó el primer plano de la ciudad, incluido el actual Barrio Francés (Vieux Carre). La composición de los primeros colonos fue variada, consistió en inmigrantes del Canadá francés, convictos, esclavos, soldados. En 1721 vivían aquí unas 470 personas. En 1722, Nueva Orleans se convirtió en la capital de Luisiana. Después de fracasos en la Guerra de los Siete Años, Francia cedió Luisiana a España (1763). Los españoles limitaron la capacidad de los colonos para comerciar con las colonias británicas en América del norte mientras trataba de desarrollar lazos con otras colonias de América Latina. En 1800, Napoleón devolvió Luisiana a Francia, pero la cedió a los Estados Unidos en 1803.

La población urbana de Nueva Orleans en 1803 era de unas 8 mil personas. Durante la guerra de 1812, las tropas británicas intentaron tomar la ciudad. El 8 de enero de 1815, el general E. Jackson derrotó el desembarco británico aquí. Los siguientes 40 años fueron la edad de oro de Nueva Orleans y se convirtió en el puerto algodonero más grande. El primer vapor apareció aquí en 1812; en 1840 ya había unos 400 vapores en el Mississippi. A mediados del siglo XIX, una red de canales fluviales y ferrocarriles unía Nueva Orleans con Nueva York. En la primera mitad del siglo XIX, numerosas oleadas de inmigrantes alemanes e irlandeses llegaron a la ciudad, la población aumentó a 116 mil personas (1850). La epidemia de fiebre amarilla de 1853 se cobró la vida de unos 8 mil habitantes. Durante la Guerra Civil, Nueva Orleans fue el punto estratégico más importante de los confederados, en abril de 1862 una flotilla de norteños de 30 vapores y 21 cañoneras liderada por D.G. Ferragata se apoderó de la ciudad. Durante la reconstrucción del sur, la ciudad perdió su importancia; a principios del siglo XX, los barcos de vapor fueron reemplazados por el ferrocarril. La recuperación económica se esbozó después de la Segunda Guerra Mundial con el desarrollo de la industria petroquímica, el turismo y el comercio con los países. América Latina.

Nueva Orleans. Jackson Square.

Los turistas de Nueva Orleans se sienten atraídos por la arquitectura antigua del Barrio Francés, el carnaval de Mardi Gras, la atmósfera de la patria del jazz. El Barrio Francés ("Vieux Carre", "Plaza Vieja") es uno de los principales atractivos de la ciudad, sus calles forman alrededor de un centenar de cuadras perfectamente cuadradas. Los principales monumentos históricos se encuentran aquí: Cabildo (originalmente el edificio de la administración española, aquí se llevó a cabo la ceremonia de la "Compra de Luisiana", ahora Museo del Estado), Catedral de St. Louis (1794) en Jackson Square, Madame John's Legacy, 1727), los edificios de apartamentos de estilo francés más antiguos del país, Pontalba (1849-1850). Aquí tiene lugar el carnaval, que comienza el 6 de enero y dura hasta el Mardi Gras (francés para "Martes Gordo", el último día del hechizo antes de la Cuaresma) Dos semanas antes del Mardi Gras, las procesiones de carnaval tienen lugar por la noche y durante el día, atrayendo a numerosos turistas.La calle principal del barrio, Bourbon Street, que lleva el nombre de la dinastía real francesa, alberga el Museo del Jazz, que se encuentra en el edificio de Old Mint, así como numerosos clubes nocturnos de jazz. Cada primavera se celebra aquí el Festival de Jazz.

Después de la Segunda Guerra Mundial, la ciudad se convirtió en uno de los centros de arte, muchos artistas trabajan aquí, funcionan varias galerías y museos, incluido el Museo de Arte de Nueva Orleans (1912, una colección de antiguos maestros europeos, arte de la América precolombina, un gran colección de obras de Degas, pintura y escultura europea del siglo XX), Centro de Arte Contemporáneo. Otras atracciones incluyen uno de los acuarios más grandes del país, el Museo Voodoo. Cerca de la ciudad hay un balneario en el lago Pontchartrain.

Más alto escuelas: Universidad de Tulane (fundada en 1834 como facultad de medicina, el centro más grande de medicina tropical), Universidad Jesuita de Loyola en Nueva Orleans (1904), Universidad Católica St. Xavier en Louisiana (1925), Universidad de Nueva Orleans, Universidad de Dillard, Universidad del Sur en Nueva Orleans, Delgado Community College, Facultad de Medicina de la Universidad Estatal de Louisiana. Publica el periódico más grande del estado, The New Orlins Times-Picayune, publicaciones semanales y mensuales y docenas de estaciones de radio y televisión.

Nueva Orleans. Una casa antigua en el Barrio Francés.

A pesar de toda la devastación que el huracán Katrina trajo a una de las ciudades más coloridas de Estados Unidos, Nueva Orleans sigue viva. Y aunque algunos escépticos argumentan que este increíble lugar nunca volverá a ser el mismo, simplemente estamos de acuerdo con eso. Pero no tiraremos la idea de ir allí algún día: la capital mundial del jazz sigue siendo de interés para turistas y viajeros de todo el mundo. Y todos los dias todo esta en en mayor medida especialmente para el primero, porque la infraestructura de la ciudad se está restaurando rápidamente.

Nombre y fundación de la ciudad

Es poco probable que sepamos alguna vez por qué llamamos a esta ciudad Nueva Orleans, y no Nueva Orleans, como se podría suponer al hacer una analogía con Nueva York o New Hampshire, en cuyos nombres el prefijo "nuevo" para la palabra " nuevo "Nadie cambia. Pero conocemos muchos otros datos interesantes de la historia del centro cultural del sur de Estados Unidos. Como muchas ciudades del continente, no solo fue fundada por colonos europeos, sino que durante mucho tiempo fue objeto de intereses directos de sus donantes europeos, quienes suministraron a los territorios locales (al sur de Luisiana) la sangre fresca necesaria - nueva colonos. El nombre original de la ciudad no es el inglés New Orleans, sino el francés La Nouvelle-Orl? Ans, más tarde traducido simplemente al idioma de la comunicación internacional. Una situación similar es completamente sorprendente, dado que en el momento de la fundación de este asentamiento los franceses tenían todos los derechos sobre el título de la nacionalidad dominante de los colonialistas en aquellos lugares que ahora se consideran cien por cien anglosajones. Los interesados ​​en este tema probablemente ya hayan notado que la influencia francesa en América del Norte no se limita a Canadá. Para hacer esto, basta con prestar atención al menos a muchos topónimos del estado de Luisiana, desde los nombres de pequeñas ciudades como Baton Rouge hasta el mismo nombre del estado.

Cumpleaños de Nueva Orleans e historia de su desarrollo.

Nueva Orleans tiene su propio cumpleaños claramente definido. Este es el 25 de agosto de 1718. Luego, en el sitio de la ciudad moderna, se fundó una colonia francesa, que recibió su nombre en honor a Felipe II, duque de Orleans, quien en ese momento era el regente de Francia. La época era alarmante, la redistribución de las tierras colonizadas se asemejaba a una redistribución de esferas de influencia entre Solntsevo y Tambov, y como resultado de estas redistribuciones, en 1763, debido al Acuerdo de París, las tierras en las que se ubicaba Nueva Orleans fueron transferidas a el Imperio español. Solo en 1801, la ciudad con los alrededores circundantes fue devuelta a Francia. Pero el poder de Napoleón no duró mucho aquí. En 1803, el emperador vendió Luisiana a los Estados Unidos de América, lo que tuvo un efecto muy beneficioso en el desarrollo económico y demográfico de Nueva Orleans.

En las plantaciones suburbanas, los esclavos proporcionaron la viabilidad financiera de la ciudad mediante el cultivo de azúcar y algodón. La población urbana creció incontrolablemente a expensas de los criollos británicos, franceses y francófonos. Especialmente notable a este respecto es la Revolución Haitiana de 1804, cuando más del noventa por ciento de los refugiados de la isla, una parte significativa de los cuales eran los llamados "de color libre", se asentaron en Nueva Orleans.

Diez años después, tuvo lugar el evento más glorioso de la historia de la ciudad. El 8 de enero de 1815, tuvo lugar una grandiosa batalla entre las tropas estadounidenses y las fuerzas militares británicas, que querían restaurar el poder del Reino sobre las tierras locales. Terminó con una victoria completa e incondicional de los representantes del Nuevo Mundo.

Estos años y los años siguientes han definido en gran medida el rostro único de Nueva Orleans. El puerto de la ciudad tenía la importancia más estratégica en el comercio de esclavos: casi todos los barcos, llenos, como si fueran mercancías, con cargamento vivo de África, se detenían en Nueva Orleans. Incluso, aquí, como en ningún otro lugar de América, había muchos libres, dotados de todos los derechos necesarios de los negros, en su mayoría educados y pertenecientes a la clase media. Es por ello que se considera que la ciudad es el lugar de una verdadera fusión de culturas en blanco y negro con predominio de la primera, y tal resultado aún no se ha observado en ningún otro estado. En la relación de las dos razas en Nueva Orleans, no hubo una alienación tan fuerte, que todavía está presente en la misma Nueva York. Como resultado, la ciudad tenía una atmósfera especial de igualdad, la tasa de criminalidad negra era increíblemente baja y el racismo en ambos lados se reducía al mínimo. Aunque no estuvo exento de problemas: después de todo, a pesar de la presencia de muchos inmigrantes ricos y libres de África, el mercado de esclavos más grande del país se encontraba aquí. En cualquier caso, al salir a las calles de Nueva Orleans, se siente claramente una cosa: en estos lugares los negros crearon la apariencia de la ciudad a la par de los blancos, y no eran un estrato amargado y criminalizado, conocido principalmente solo por la cadera. -Subcultura de lúpulo.

El comercio de esclavos es una cosa vergonzosa, pero en 1840 Nueva Orleans ocupaba el honorable tercer lugar en los Estados Unidos en términos de población y, en términos de ingresos, incluso llegó al primer lugar.

A principios del siglo XX, la ciudad era un asentamiento verdaderamente progresista, famoso entre otras cosas por uno de los primeros sistemas de alcantarillado municipal del continente, diseñado por el ingeniero e inventor Baldwin Wood, quien legítimamente se convirtió en uno de los héroes urbanos locales. por sus actividades. Es cierto que, como creen ahora algunos científicos, fue la actividad de Wood, junto con algunos procesos naturales, lo que condujo al hundimiento sistemático del suelo y, como consecuencia, al hecho de que una parte significativa del área urbana estaba a varios pies bajo el mar. nivel, lo que agrava significativamente las consecuencias de posibles inundaciones.

Sin embargo, dado el poder devastador del huracán Katrina que azotó la costa en agosto de 2005, incluso una correlación normal con el nivel del mar difícilmente habría ayudado a evitar una catástrofe.

Huracán Katrina en 2005

Más del ochenta por ciento de Nueva Orleans se inundó, ayudado por la destrucción del sistema de represas municipales, más tarde llamado el mayor desastre de desarrollo urbano federal en toda la historia de Estados Unidos. En comparación con lo que sucedió, incluso el terremoto de 1999 en San Francisco se ha desvanecido. Sin embargo, los amantes de los viajes pueden respirar aliviados: la parte histórica de la ciudad, en la que se encuentran todos los lugares de interés, no se encuentra en las tierras bajas, sino mucho más alta, por lo que permaneció intacta, pero la parte moderna de la ciudad aún. deja mucho que desear.

Recuperándose del huracán Katrina

El turismo oficial se ha reabierto en Nueva Orleans a principios de 2008. El Aeropuerto Internacional Louis Armstrong ha reabierto, al igual que los hoteles y otros servicios para los visitantes de la ciudad. Por supuesto, aproximadamente la mitad de todo lo que podría haber atraído la atención de un viajero hace cuatro años todavía se encuentra en un estado de inactividad y estancamiento, pero cualquiera que lo desee aún descubrirá muchas cosas interesantes en las inmediaciones. Además, las vistas de las ruinas (y no se puede conducir por la parte nueva de la ciudad durante veinte minutos sin ver al menos una casa nivelada) durante el período transcurrido desde que Katrina se ha convertido en una especie de atracción. Para los más interesados ​​en este tema, la agencia "Gray Line Tours" trabaja aquí, realizando excursiones a los lugares de destrucción más impresionantes con una explicación acompañante de los motivos de lo sucedido.

Pero, por supuesto, el encanto de Nueva Orleans tiene menos que ver con las secuelas de un huracán que con el rico patrimonio cultural de la ciudad.

Como suele ser el caso en los Estados Unidos, la mayor parte de la población de Nueva Orleans no vive en la ciudad en sí, sino que representa un área metropolitana suburbana. Según datos de 2007, ahora se trata de un millón doscientas mil personas, mientras que solo trescientas mil viven en la propia ciudad. Cada mes hay más y más personas aquí: los refugiados del mal tiempo regresan a casa, aunque muchos sociólogos argumentan que Nueva Orleans no se elevará al nivel demográfico anterior.

Pero lo más importante es que aquí se ha conservado el espíritu de la ciudad vieja. Los chefs de Nueva Orleans todavía son considerados uno de los mejores del país, el jazz de la clase más alta todavía se toca regularmente en las calles y los famosos festivales que se celebran en la capital cultural del sur vuelven a deleitar a visitantes y lugareños por igual.

La ciudad es conocida principalmente como un lugar donde los turistas adultos se sienten realmente cómodos: muchas bebidas alcohólicas exquisitas, cocina criolla picante, música jazz, arquitectura de los siglos XVIII y XIX, abundancia de taxis anticuados en las calles, la realización que una de las comunidades homosexuales más grandes de Estados Unidos, todo esto será mucho más interesante para una personalidad adulta y formada, y no para un adolescente.

Nueva Orleans está dividida en varios barrios, no, naturalmente, según el plan de nadie, sino históricamente. La zona residencial más famosa de la ciudad es el Barrio Francés, un destino favorito de todos los turistas. Edificios antiguos, incalculables tiendas de antigüedades, restaurantes y establecimientos de bebidas con una rica selección de bebidas han hecho famosa la zona. Es simplemente imposible visitar Nueva Orleans y perderse el Barrio Francés, a menos que se proponga deliberadamente un objetivo tan perverso. Este es un lugar de descanso no solo para los turistas, sino también para la gente del pueblo. Solo hay quienes trabajan aquí y se ganan la vida en aquellos lugares donde otros prefieren gastar su dinero.

El Distrito Central de Negocios es otro asunto. A pesar de la presencia de varios museos en él (incluido el Museo de los Niños de Louisiana, que sin duda necesitará si lleva a un niño con usted, el Centro de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte del Sur), Nueva Orleans asocia este lugar más con los prisioneros acá acuerdos comerciales. Los restaurantes locales son mucho más adecuados no para divertirse con amigos, sino para disfrutar de un almuerzo relajado y respetable con un socio de negocios. Y si en el otoño de 2005, por razones obvias, era difícil imaginar que alguien en la ciudad estuviera pensando en negocios, ahora vuelve a ser una ocupación común para los empresarios locales. Los turistas también estarán interesados ​​en echar un vistazo a Julia Street, apodada la calle de las galerías por su aspecto ejemplar de Nueva Orleans.

Frente al Barrio Francés se encuentra Fabourg Marigny, una zona de vacaciones bohemia. Además de los elegantes clubes nocturnos que le ofrecen no solo comida y bebidas gourmet, sino también algo del jazz más auténtico del mundo, este barrio tiene una fama muy específica como el principal lugar de reunión para gays y lesbianas, de los cuales hay muchísimos. en Occidente en los círculos artísticos. En cualquier otra ciudad estadounidense, las minorías sexuales no se sienten tan cómodas; después de todo, Estados Unidos es un país muy conservador. Pero en Nueva Orleans, donde, en mucha mayor medida que el protestantismo anglosajón clásico, la mentalidad local fue influenciada por el catolicismo europeo continental, estas cosas se tratan con bastante calma. Por cierto, Nueva Orleans es quizás la ciudad de los Estados Unidos que ha conservado el espíritu del Viejo Mundo en mayor medida, probablemente por la razón religiosa mencionada anteriormente.

Jazz sin esnobismo

Sin embargo, es imposible experimentar la esencia misma de Nueva Orleans únicamente comiendo delicias criollas y admirando la arquitectura. Los turistas más fanáticos deben prestar atención a dos cosas que han dado forma a la Nueva Orleans moderna desde una perspectiva espiritual. El primero de ellos ya ha sido mencionado varias veces. Esto es jazz - música, que no es solo una reproducción del texto musical asumido por la tradición musical europea, sino una improvisación espontánea nacida de la cultura de la danza africana, en la que el sonido y el movimiento corporal son inseparables entre sí. No es de extrañar que la escuela europea de jazz se alejara gradualmente de las raíces bailables del estilo, convirtiéndolo en un jazz académico. Aquí, en el escenario de los cafés de Nueva Orleans, en los clubes y solo en las calles, sigue siendo la forma en que nació y se esperaba que se desarrollara: alegre, sabroso, a menudo francamente bailable y muy entretenido, completamente desprovisto del esnobismo característico de Europa. . Aquí todavía honran a su compatriota, el gran Louis Armstrong y aprecian las tradiciones de Dixieland, la base de la tendencia del jazz local es el deseo de emocionar emocionalmente a una persona sencilla que está cansada después de muchas horas de trabajo, y no cargar la mente. de un intelectual aburrido con complejas estructuras sonoras. Entonces, al estar en esta ciudad, definitivamente deberías escuchar a sus jazzistas; en primer lugar, expresando respeto por Nueva Orleans, y en segundo lugar, es realmente agradable e interesante.

Culto vudú

El otro lado espiritual de la ciudad seguramente cautivará a todos los amantes del exotismo, el romance y el misticismo. Fue en Nueva Orleans donde el culto vudú echó raíces como en ningún otro lugar. Más precisamente, su rama de Luisiana, que, a diferencia del haitiano, está estrechamente asociada con la tradición católica y, como resultado, con la superstición cristiana. Además de las razones puramente étnicas, esto se puede explicar mirando los cementerios locales. El hecho es que el suelo aquí es pantanoso, los muertos fueron enviados a los lugares más pantanosos propensos al hundimiento. En este sentido, no se enterraron en el suelo mismo, sino que se colocaron en criptas, que, por cierto, son de considerable interés para los amantes del arte. Por lo tanto, el hechicero vudú durante la realización del ritual principal, es decir, convocar zombis a este mundo, trabajó en condiciones livianas, no tuvo que empuñar una pala durante mucho tiempo, rompiendo la tumba.

En las tiendas siempre se pueden comprar amuletos asociados con un culto siniestro y felices conocedores. de lengua inglesa seguramente disfrutará de las misteriosas historias místicas que circulan entre la población local. Es poco probable que una persona con una mentalidad más prosaica comparta las emociones de los fanáticos del misticismo. Él y en el restaurante con una copa de "Hard Grenada" estarán muy bien.

Población local

Por supuesto, vale la pena tocar por separado el tema de la comunicación y el entendimiento mutuo con la población local. Contrariamente a un estereotipo bastante común, la mayoría de los habitantes de Nueva Orleans no son cajunes. Kajun, son simplemente residentes francófonos de Luisiana, que dan nombre al dialecto "americano". francés viven principalmente en zonas rurales. Por lo tanto, el conocimiento del idioma de Balzac y Baudelaire hasta cierto punto aún puede acercarlo a las fuentes de la cultura de la ciudad, le permitirá leer libremente las inscripciones en las casas, las famosas criptas de Nueva Orleans y otros monumentos arquitectónicos, pero entre los no se incluyen las destrezas y habilidades que se necesitan con urgencia para sobrevivir y permanecer cómodo aquí. Aunque, sin visitar ninguno de los cafés o tiendas cajún que están presentes en la parte suroeste, todavía no puedes sumergirte por completo en la atmósfera del exotismo local.

Cuando un viajero interesado en un pasatiempo aburrido pisa la tierra de Nueva Orleans (generalmente esto sucede en el aeropuerto Louis Armstrong), generalmente ya conoce una serie de características del estilo de vida local, sin ser consciente de las cuales puede que no sienta las comodidad de estar aquí.

Tarjetas de crédito: rompiendo los estereotipos estadounidenses

La actitud de los residentes locales hacia las tarjetas de crédito es extremadamente importante. El turista promedio a menudo es rehén del mismo estereotipo sobre Estados Unidos y los estadounidenses. El nombre de este estereotipo es la creencia en el poder ilimitado de las tarjetas de crédito en los Estados Unidos. Es por él que muchos visitantes de Nueva Orleans llenan sus billeteras con ellos, de lo que luego se arrepienten. Por supuesto, los supermercados siempre darán la bienvenida a estos clientes, pero no vienen aquí por el bien de los supermercados. Y si un restaurante de un hotel en Nueva York o, digamos, Boston hace arreglos con sus visitantes exactamente de acuerdo con el sistema de tarjetas, entonces los establecimientos más coloridos y atractivos de esta ciudad todavía prefieren que se les pague a la antigua. Por lo tanto, debe recordarse que el papel aquí se valora mucho más que el plástico, y se debe prestar especial atención en el camino hacia aquí.

Como moverse por la ciudad

Los gastos durante su estadía en Nueva Orleans (generalmente la mayoría de estos gastos son en el Barrio Francés) se pueden realizar de diferentes maneras e incluso quedarse sin un centavo la primera noche aquí; el atractivo de la ciudad contribuye a esto. Pero hay un elemento de costo en el que, a diferencia de Las Vegas, Los Ángeles o San Diego, siempre es fácil ahorrar dinero en Nueva Orleans. Estos son los costos de taxi. En otras grandes áreas metropolitanas es simplemente imposible prescindir de ellos, mientras que la capital del jazz es una ciudad de peatones. Sus calles, generalmente bañadas en oro luz de sol, como si hubieran sido creados para pasear lentamente por ellos, examinando los viejos carteles sobre las entradas de las tiendas y admirando el juego de los "conejitos" en los escaparates. Hay, por supuesto, algunas calles muy ruidosas llenas de coches, pero la gloria ciudad automovilística nunca ha sido inherente a la "perla de Luisiana". Aquí, como en Londres, a la hora de elegir el transporte urbano para recorrer distancias que no son aptas para caminar, se acostumbra a parar en los autobuses. Pero también existe su propia forma "patentada" de moverse de un extremo a otro de la ciudad: este es el tren, el único tren intraurbano municipal en las zonas urbanas de Estados Unidos.

Una característica verdaderamente original de la conciencia local es la ausencia del concepto de direcciones cardinales, que son familiares para la mayoría de la gente. El caso es que el punto de referencia de movimiento en el terreno para los residentes de Nueva Orleans es el sol, como se acepta tradicionalmente en casi todas partes, y el curso del legendario río Mississippi, sobre el que se construyó la ciudad. Así que aquí a menudo se pueden escuchar frases como "bajando por el río", "deberías ir hacia el río" o "nuestra compañía se mantiene en nuestro camino desde el río". Y esto es cierto a su manera, porque fue en las desembocaduras de los ríos desde tiempos inmemoriales donde se construyeron las ciudades y fue el agua dulce, no la luz del sol, lo que fue y es de importancia decisiva para el asentamiento humano en cualquier parte del mundo.

El Mississippi es muy largo, todos los que hayan leído Las aventuras de Huckleberry Finn lo recordarán, y hay muchas ciudades en sus costas, cuya historia se remonta a la era de los vaqueros. Puede visitarlos por muchas razones, y no tiene mucho sentido enumerarlos aquí. Se mezclan con numerosos asentamientos criollos y cajún, cada uno de los cuales de una forma u otra ha conservado una asombrosa fusión de culturas africanas, europeas y americanas propiamente dichas. Pero en ningún lugar es más pronunciado y claramente expresado que aquí en Nueva Orleans.

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De hecho, hay cientos, si no miles, de fotografías de otras ciudades estadounidenses al mismo tiempo. Sin embargo, fue Nueva Orleans la que se convirtió en uno de los centros de cultura e industria del sureste de los Estados Unidos de América.

En ese momento, la mayoría Gran ciudad Luisiana absorbió varias culturas a la vez y consistió en mitad europea y mitad africana. Nueva Orleans se convirtió en el puerto más grande del sur del país, lo que supuso otro impulso para el desarrollo. Allá por el siglo XIX, apareció aquí un tranvía, se construyeron edificios de teatros y óperas.

Las inundaciones fueron y siguen siendo el principal problema, ya que una parte importante se encuentra por debajo del nivel del mar. El desarrollo de la ciudad tuvo lugar hasta mediados del siglo XX. Después de eso, comenzó un notable declive en la economía y el desarrollo de un asentamiento industrial. Aquí hay una selección de fotografías históricas que representan la era del desarrollo de Nueva Orleans.

Ragtime se originó entre los pianistas aficionados negros. El pico de popularidad del ragtime cae en la primera década del siglo XX, pero aparecieron veinte años antes. La popularidad del ragtime a principios del siglo XX se debió en gran parte a la demanda masiva de música dance. El fonógrafo aún no estaba muy extendido y masas de estadounidenses corrientes bailaban al ritmo del piano. El carácter bailable del ragtime, en contraste con la música popular "melódica", que tiene raíces vocales, determinó la innovación rítmica de este género.

Scott Joplin - "Maple Leaf Rag"

Daniel Kramer

Las danzas clásicas europeas fueron principalmente la suerte de los aristócratas. Para bailarlos, era necesario aprender varios pasos y sus combinaciones, a veces bastante complejas, y las personas que tenían un rango inferior en su posición simplemente no querían molestarse con esto. A pesar de la ligereza y simplicidad del ritmo, el ragtime se tocaba en exóticos modos pentatónicos africanos y utilizando algunas técnicas que no eran familiares para los músicos blancos. Esta combinación de lo simple y lo nuevo dio a luz a un increíble tipo de creación musical anterior al jazz llamado ragtime.

Ragtime no es la rapsodia de Liszt, ni el concierto de Chopin, ni el quinto concierto de Beethoven, ni Mozart o Bach. Este no es el tipo de complejidad, no es complejidad tecnológica o compositiva, es complejidad estilística. Para los músicos académicos de principios del siglo XX, este estilo era bastante difícil: estas síncopas no eran familiares para los oídos de los europeos. Entonces, cuando el jazz temprano llegó a las costas europeas por primera vez en 1918, fue apodado Síncopes locos- "síncopas locas".

Síncope: en la música europea, un sonido que comienza con un ritmo débil y continúa con un ritmo fuerte, lo que provoca un cambio en los acentos rítmicos, una separación de la melodía del acompañamiento.

Ragtime no es jazz, se toca suavemente, es pura polka, que podría ser escrita por cualquier compositor que quiera escribir música que no sea del todo clásica. El "padre del ragtime" Scott Joplin introdujo algunos elementos previos al jazz, por ejemplo, la técnica "3 contra 4", y algunos exóticos para los intervalos de tiempo, como sextos. En este caso, es característico un tipo diferente de ritmo. En ragtime, el ritmo se cuenta desde el segundo y cuarto tiempo de un compás, más cada dos compases un fuerte énfasis separado en el último, cuarto tiempo. La síncopa separada de la melodía se superpone a estos acentos fuera de ritmo.

Off-beat es un principio en el que los acentos rítmicos se cambian de tiempos "fuertes" de un compás - 1º y 3º - a “débiles” - 2º y 4º.

"3 contra 4" es el tipo principal de ritmo cruzado característico de la música de África Occidental. Dentro de una unidad métrica (medida), dos esquemas rítmicos suenan en paralelo, contrastando entre sí. Uno de ellos, el principal, consta de cuatro unidades rítmicas iguales, el segundo, sonando sobre él, consta de tres unidades iguales.

2. Jazz tradicional: estilo de Nueva Orleans y Dixieland. 1910-1920

A principios del siglo XX, había varias docenas de bandas de música y conjuntos de música de baile en Nueva Orleans, en su mayoría negros y criollos. La música que tocaban estaba influenciada por ragtime, blues, marchas, canciones de trabajo de negros. Fueron muy influenciados por la cultura musical de los criollos, que inicialmente estuvo cerca de la producción de música casera europea. Posteriormente, cuando los criollos de los estados del sur se igualaron en derechos con los negros, las culturas negra y criolla se acercaron, lo que contribuyó al surgimiento de nuevas formas sintéticas. Tras el fin de la Guerra Hispanoamericana, aparecieron en la ciudad una gran cantidad de instrumentos de bandas militares, lo que contribuyó a la creación de agrupaciones musicales amateurs cuyos músicos no estaban familiarizados con la notación musical. Exactamente cómo sonaba la música en Nueva Orleans en ese momento, solo se puede adivinar: por la interpretación de imitadores del estilo de Nueva Orleans en las primeras grabaciones, que aparecieron solo en 1917. El concepto de "Dixieland" fue originalmente un análogo del concepto de "jazz", acuñado entre los músicos blancos con el nombre convencional de los estados del sur de los Estados Unidos. Más tarde, el estilo Dixieland se asoció con los conjuntos "blancos" del jazz temprano, aunque el estilo de Nueva Orleans y Dixieland a menudo se entienden como sinónimos. Tras el lanzamiento del primer disco de jazz de un grupo de músicos blancos Banda original de dixieland jass En 1917, el jazz como nueva forma de hacer música folclórica en la era moderna comenzó a extenderse por todo el país.

Banda original de Dixieland Jass - "Tiger Rag"

Vladimir Tarasov

baterista, miembro del trío GTCH (Ganelin-Tarasov-Chekasin)

Es increíble escuchar a los músicos que el swing vino después de Dixieland. Resulta que Dixieland no es jazz. Hay mucho swing en Dixieland. Solo escuche el banjo sincopado y los tambores de caja. Más tarde, en las décadas de 1930 y 1940, cuando nuevas ramas, incluidas las blancas, brotaron de este árbol, cambió mucho el lenguaje y, con él, la sensación de swing.

Swing es el carácter de la interpretación de un solista o conjunto, basado en desviaciones constantes del ritmo de referencia y creando el efecto de "mecer" toda la masa sonora. El swing es característico de diferentes estilos y períodos en la historia del jazz. En la década de 1930, este término se utilizó para referirse al estilo popular de jazz en la era de la expansión de las big bands.

Banda de jazz criolla de King Oliver - "Dippermouth Blues"

Valery Kiselev

clarinetista, saxofonista, líder del Ensamble de Jazz Clásico

Nueva Orleans es una ciudad específica, se la llamó la "París del Nuevo Mundo". Una ciudad portuaria en la desembocadura del Mississippi, que tenía muchos negocios, muchos visitantes. Había picnics, desfiles, procesiones, por lo que los músicos de Nueva Orleans constantemente tenían mucho trabajo. Si una persona respetable moría, se le ordenaba un funeral con una orquesta; esto también era un trabajo para los músicos. Allí, casi todos eran autodidactas, no conocían las notas, tocadas de oído, y King Oliver (la leyenda del estilo de Nueva Orleans, en cuya orquesta comenzó a tocar el joven Louis Armstrong - Ed.) fue autodidacta. Algunas personas confunden el estilo Dixieland y New Orleans. New Orleans es un estilo de blues, no tocaban dominantes, un séptimo acorde disminuido, como lo fue más tarde en Dixieland.

The New Orleans Rhythm Kings - "Ella está llorando por mí"

Yuri Chugunov

compositor, arreglista, profesor

El comienzo de la improvisación en el jazz nunca ha perdido su protagonismo. El principal principio de textura del estilo de Nueva Orleans fue la polifonía espontánea. Este inicio polifónico se basó en la improvisación simultánea de varios solistas de metales (trompeta, trombón y clarinete). Además, los acordes simples suenan de una manera completamente nueva gracias al traste de blues. Sobre el ritmo continuo de la sección rítmica, los solistas podrían permitir la libertad rítmica en la improvisación. Todas estas características llevaron a que el público comenzara a percibir el jazz como algo nuevo y sin precedentes, lo que propició su rápida difusión en el mundo. El jazz fue originalmente programado para un desarrollo rápido. La perspectiva de este desarrollo estuvo determinada por la combinación de dos elementos: el comienzo del folklore (blues) y el uso de instrumentos de una orquesta sinfónica, incluido un piano de cola.

La polifonía es el principio de construcción de una pieza musical (almacén), en la que voces melódicas separadas, iguales en función, suenan en paralelo. Se opone a la estructura homofónica, en la que la voz superior realiza la función de la melodía y las otras voces la apoyan armoniosamente.

3. Estilo Chicago. 1920

En la década de 1920, importantes cambio social... Esta era pasó a la historia como los locos años veinte. El escritor Francis Scott Fitzgerald lo expresó de otra manera en sus famosas historias: “la era del jazz”. A principios de la década de 1930, escribió: “La palabra 'jazz', que ahora nadie considera indecente, significaba primero sexo, luego estilo de baile y, finalmente, música. Cuando hablan de jazz, se refieren a un estado de tensión nerviosa, algo así como el que reina en las grandes ciudades cuando se les acerca el frente ”. En la década de 1920, el jazz comenzó a trasladarse a restaurantes y salones de baile, convirtiéndose en una parte importante de la cultura popular. La esencia del jazz se expresa en la forma misma de interpretación, que no se puede escribir en papel, y gracias al desarrollo de la industria discográfica, el jazz comienza a replicarse a escala masiva, ilustrando bien la tesis de Walter Benjamin sobre "una obra del arte en la era de su reproducibilidad técnica ". En la década de 1920, se intensificó la migración de músicos de jazz a las ciudades industriales del norte, de las cuales Chicago se convierte en el centro. En este momento, también se propagan sesiones improvisadas- Actuaciones gratuitas en pubs después de la medianoche para un reducido público de entendidos, basadas en la improvisación espontánea de varios solistas. Comienza la complicación de los arreglos y comienza la oposición de un solista individual a todo el conjunto.

Louis Armstrong - "West End Blues"

Daniel Kramer

El conjunto de jazz se basa en un principio completamente diferente al de Dixieland. Dixieland se basa en el principio de dos líneas, con una sección rítmica de fondo: bajo, banjo e instrumentos de percusión. Y al frente hay líneas polifónicas de, digamos, trompeta, trombón y clarinete. Y estas líneas polifónicas se entrelazan continuamente, una de ellas es la principal y el resto la enmarca. Al mismo tiempo, la base rítmica está fuera de ritmo, el principio armónico es mucho más simple. En un conjunto de jazz, la base rítmica ya es de cuatro tiempos, no fuera de tiempo. Si hay varios solistas, entonces no enmarcan la línea principal, sino que improvisan cada uno de forma independiente. Y, finalmente, arreglos de piezas de jazz de estructura mucho más compleja. La sensación de jazz es la sensación de un arco tensado. Este componente rítmico, llamado pulsión, un flujo rítmico imparable, sigue presente en Bach, en menor medida en Mozart, y comienza a perderse entre los románticos. Los músicos de jazz han llevado este impulso a un nuevo nivel. Comprendí de dónde viene cuando estaba en África y vi cómo tocan los músicos africanos de las aldeas: está en su sangre.

Un cuatro tiempos es un tipo de ritmo en el que los cuatro tiempos de un compás, fuerte y débil, se acentúan uniformemente.

De los Dixielands y los primeros conjuntos de jazz, destacaría los conjuntos de Louis Armstrong: Cinco calientes y Siete calientes... Personalmente, el impulso de Armstrong se acerca más al de King Oliver o Bix Beiderbeck. Tal impulso, muy duro y al mismo tiempo hermoso, tal vez no sea nadie en este momento.

Bix Beiderback - "Cantando" el blues "

Oleg Grymov

clarinetista, saxofonista, orquesta de Oleg Lundstrem

En el jazz temprano, el swing era diferente, más grotesco, tanto para los músicos blancos como para los negros. Y luego, con Hawkins, Lester Young, se volvió más suave. Bix Beiderback es un gran jugador de cornetas, pero si escuchas su swing, puedes ver que las esquinas están un poco más afiladas. Este swing inicial se parecía más al ragtime.

Llego a la conclusión de que los grandes artistas cuanto mayores se hacen, más se esfuerzan por la simplicidad. Es solo que muchos no sobrevivieron, como Young o Parker, que se fueron al despegar. Armstrong vivió durante mucho tiempo, pero cuando comenzó con esta simplicidad, la terminó. Además, esta simplicidad también contenía la profundidad que necesitaban los intelectuales. Me parece que lo principal es la naturalidad. Si esta complejidad no es torturada, entonces debe existir, si la simplicidad no es un gran vacío, entonces déjelo ser. Armstrong fue la quintaesencia de su tiempo. Este es Johann Sebastian Bach del jazz. Demasiadas coincidencias en este hombre. Había muchos músicos muy buenos de esa época que no coincidían tanto como él. Un músico menos conocido es Sidney Bechet. Bechet era una persona muy apasionada, basta con escuchar sus grabaciones para estar seguro. Era un hombre de extremos y todo lo que hacía era tan apasionado como su actuación. Como recuerda de él su alumno Bob Wilber, Beshe podía ser muy amable y cariñoso, pero si sentía algún tipo de desdén en tus palabras, podía ser muy vicioso y vengativo. Si no fuera por Bechet, no se sabe si hubiéramos sabido sobre John Hodges (el famoso saxofonista alto de la Orquesta de Duke Ellington - Ed.), porque Hodges escuchó a Bechet toda su vida e incluso aprendió algunas lecciones de él. Puedes escucharlo, como un enfoque de Nueva Orleans al instrumento. Bechet tiene un sonido muy brillante, distintivo, vibrato muy frecuente, que es difícil de copiar. Quizás la composición más famosa interpretada por él es Hora de verano George Gershwin. Para muchos saxofonistas soprano, se ha convertido en una plantilla de interpretación. Personalmente, me encanta la grabación. Blues de palo negro, allí toca el clarinete; después de todo, comenzó como clarinetista. El director suizo Ernest Anserme dijo sobre él que existe un músico de la orquesta. Orquesta sincopada del sur es un verdadero genio. Luego tocó el clarinete.

Sydney Bechet - "Verano"

El vibrato es una pulsación rápida de un sonido con un cambio periódico en su tono de menos de un semitono. El resultado es una línea ondulada continua.

Jack Teagarden y su orquesta - "Basin Street Blues"

Roswell Rudd

trombonista, compositor, Cuarteto de Arte de Nueva York

Dixieland es la música de la que aprendí. Lo escuché en los años 40 y 50 cuando era joven. Lo que más me atrajo de ella fue la improvisación colectiva. Ella fue muy abierta. Había una estructura clara, pero en esta estructura, la gente hacía música escuchándose unos a otros. Entonces me llamó la atención y todavía me asombra. Creo que la improvisación colectiva es lo que yo y mis compañeros de 20 años trajimos al jazz en los años 60. Cuando aparecimos por primera vez frente a la audiencia, incluimos la improvisación colectiva en nuestro juego. Fue natural para mí, porque venía de Dixieland, y tenía un sentido de cómo tocar en relación con otra persona: una "pregunta-respuesta" improvisada. Los grupos de Charles Mingus, Cecil Taylor; San Ra: todos improvisaron colectivamente y lo hicieron muy bien. Estas personas dieron vida a la música antigua y al mismo tiempo crearon algo moderno.

La técnica receptiva (pregunta-respuesta) es un principio compositivo fundamental en el que todos los elementos de una forma musical se alinean en pares complementarios, donde el primer elemento, inestable e incompleto, implica la presencia de un elemento posterior, lógicamente final.

Jack Teegarden es nuestro monumento americano; es como JJ Johnson (el legendario trombonista de la era del bebop - Ed.). Encarna un cierto estilo de tocar el trombón: muy limpio, fresco y enérgico. Me gusta la música anterior de Teegarden cuando era más un experimentalista. Cuando era joven, escuché muchas de sus cosas posteriores durante las presentaciones en vivo, y fue hermoso. Pero extrañaba sus "errores".

Todo el jazz es "gratis", no solo el free jazz. Todo depende de qué tipo de músicos estés hablando. El jazz es, en esencia, la primera música. Se puede encontrar en todo el mundo, porque cuando la gente improvisa, esta es la primera música. Dixieland, la improvisación colectiva es la forma más vanguardista que puedes lograr, y si lo haces bien, le pones un sentimiento real y no te exageras con el intelectualismo, entonces obtienes buena música. Free jazz, música nueva, improvisación libre, todos significan lo mismo para mí, son solo música. La improvisación colectiva es la base de lo que hago. Puede analizar ciertos períodos y estilos: Congo Square (un área cerca de Nueva Orleans, donde en el siglo XVIII y principios del XIX, se permitía a los negros reunirse para comerciar, cantar y bailar). Ed.), Nueva Orleans, Chicago, Kansas City, Nueva York, Costa Oeste, etc. O los grandes pioneros de los estilos: Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Pee Wee Russell, John Birks Gillespie, Charlie Parker, Ornette Coleman, etc. Pero lo que distingue a cada uno de ellos es precisamente la forma única de improvisación, y cuando ocurre colectivamente se obtiene música "sinfónica" libre. Yo lo llamo Dixieland.

Bud Freeman - "La anguila"

Oleg Grymov

Bud Freeman es un gran músico. Era un dandy, siempre se veía muy elegante y jugaba igual de bien. Muchos críticos creen que influyó en Lester Young. De hecho, en los conciertos de finales de la década de 1960, si cierras los ojos, parece que Lester Young. Lester, creo, lo negó, pero habló muy bien de Bud Freeman. Freeman ha trabajado extensamente con Benny Goodman, Tommy Dorsey. Es un típico artista de swing, pero también ha tocado con músicos de Dixieland. Tiene muchos discos en los que toca en composiciones de Dixieland, donde, al parecer, debería haber un trombón, y ahí toca el saxofón tenor de Bud Freeman, se obtiene un sonido completamente diferente, más móvil, menos obligado. Nació y murió en Chicago. En ese momento, muchos grandes músicos vivían allí, por ejemplo, Jimmy Noon. Escucho una clara influencia de Noon en las grabaciones de los años 30. Es bastante obvio que fueron a las actuaciones del otro, tomaron algo, tomaron prestado. Así que todo se confundió: en Freeman se encuentra Jimmy Noon, en Lester se encuentra Freeman y Frankie Trumbauer. Este es un suelo tan mixto, del que luego crecen hermosas flores. En general, a pesar de todo el papel dominante de los músicos negros, no se sabe cómo se habría desarrollado si no hubiera sido por Nueva Orleans, donde había enormes colonias francesas y españolas. Los criollos son hijos ilegítimos de colonos franceses y españoles de sus esclavos. En el jazz temprano, era costumbre usar un pequeño vibrato en instrumentos de viento, especialmente hacia el final de la frase. El ejemplo más extremo es Bechet, en quien fluía sangre francesa. Me parece que incluso esto mostró algún tipo de influencia genética francesa: si tomas el canto de chansonniers franceses, puedes escucharlo.

4. Era del swing, era de las big bands. 1930

La creciente popularidad del jazz ha generado una demanda de grandes orquestas de música de baile. Esto, a su vez, requería una ejecución más coherente y organizada y arreglos complicados. El estilo del hot jazz se está volviendo familiar para el público en general y está comenzando a moverse hacia la corriente principal. Cómo toda la orquesta "oscila" se vuelve especialmente importante.

Fats Waller - "Honeysuckle Rose"

Daniel Kramer

El swing es una síncopa natural basada en un flujo rítmico continuo, llamado pulsión, en combinación con una relación variable diferente de ritmos reales y sentidos, que, según algunas opiniones, incluida la mía, es uno de los significados del término "latido" ( otro significado es golpe, método de acentuación en tiempo). Cuando hay tres componentes en un complejo: ritmo, impulso y síncopa natural, entonces, de hecho, comienza el jazz. Fats Waller ya tiene complejos armónicos de jazz y swing establecidos. Una persona hablará con acento, otra dirá las mismas palabras, pero sin acento. Fats Waller ya habla sin acento, hay un lenguaje establecido. Ya hay un swing de cuatro tiempos. En la música jazz, el solista toca con el ritmo o un poco atrás, pero nunca al frente. El triplete en la música de jazz se balancea dentro de sí mismo, el ritmo se cuenta desde el tercer tiempo débil del triplete y desciende al fuerte, primero, como desde una onda.

Un triplete es un método de agrupar tres notas de igual duración, que en total duran tanto como dos notas de la misma duración.

Fletcher Henderson y su orquesta - "Copenhague"

Valery Kiselev

Fletcher Henderson pertenecía a ese círculo negro que se había abierto en los estratos superiores y estaba muy orgulloso de ello. Atesoraban mucho su posición, no permitían que sus hijos jugaran con niños negros: cuando un gamberro blanco es una cosa, y cuando uno negro, todo es diferente. Fletcher recibió una buena educación. En realidad, se le considera el fundador de la big band moderna. En el conjunto de Dixieland, la trompeta lidera la melodía principal, el clarinete toca el llamado obligato, el trombón lidera la voz armónica. Cuatro o cinco instrumentos, luego se produce una cacofonía: no hay ningún lugar donde expandirse. Cuando las orquestas empezaron a tocar en casas respetables, donde se necesitaban más músicos, de alguna manera fue necesario organizarse de una manera nueva. Y luego a Fletcher Henderson y su colega Don Redman se les ocurrió la idea de yuxtaponer los grupos: tres saxofones y tres instrumentos de viento, generalmente dos trompetas y un trombón. Yuxtaposición constante, los sajones tocan el tema, el fondo toca metales, luego los metales interceptan la melodía, los saxofones tocan el acompañamiento. Estos son los primeros signos de una big band, una competición de secciones de instrumentos.

Big Band es un conjunto de jazz con más de diez miembros. La big band se caracteriza por un arreglo más completo, una textura complicada y un papel cada vez mayor del jefe del conjunto.

Orquesta Glenn Miller - "In the Mood"

saxofonista, compositor, líder de la Banda Redonda

Para mí, el período previo al bebop del jazz ha sido un misterio durante mucho tiempo. Para ser honesto, rara vez escucho esta música y ahora, cuando me refiero, por ejemplo, a las grabaciones de los años 30 del siglo pasado, me parece un poco extraño no escuchar cantos típicos de Bop, clichés, alteraciones en la ejecución de músicos de swing. Pero, ahondando en el estudio de este estilo, la forma en que tocan los músicos, sus características lingüísticas, la armonía, la improvisación, ya sabes, esta es una capa artística extraordinaria, una dirección enorme, sin la cual un nuevo paso era imposible. El mundo de la "era del swing" es, diría yo, una perspectiva mundial especial. Los músicos tocan, por así decirlo, salpica en una corriente de emociones, a veces incluso sin forma, ideas no realizadas en forma de varias construcciones melódicas, a veces incluso discutiendo, interrumpiéndose entre sí, con imágenes brillantes y contrastantes, para los músicos de viento, por ejemplo, que contiene un elemento de pasaje o un silbido prolongado en una nota. Quizás esta sea la influencia del hot jazz, en el que los músicos intentaron lograr más libertad y expresividad en el solo, en el que se pueden escuchar los orígenes africanos.

El hot jazz es un tipo de jazz que se caracteriza por un comienzo de improvisación mejorado, el dominio de la entonación y la expresividad rítmica sobre la composición. Desde los albores del jazz, "caliente" significaba "auténtico", a diferencia de una imitación de Nueva Orleans por músicos blancos y una versión comercial del jazz que utilizaba sólo algunos elementos característicos del lenguaje del jazz. Mientras que el hot jazz y la versión comercial del jazz, el sweet jazz, se opusieron fuertemente en la década de 1920, en la década de 1930 el hot jazz en forma de swing se convirtió en música popular de éxito comercial y se convirtió en la corriente principal.

Pero al mismo tiempo, en la era del swing, en los años 30, a la hora de expresar y expresar ideas, los músicos tienen un juego sólido, a veces incluso racional, en el que siempre se escucha una clara organización rítmica, y un swing integral con una rítmica especial. retraso inherente a este período del jazz. Uno tiene la sensación de que los músicos parecen estar tratando de terminar con la ayuda de sus instrumentos lo que no pueden decir con palabras. Pero al mismo tiempo, en su juego se percibe una clara estabilidad, fidelidad a su estilo, modales, lenguaje, melodía, ritmo metropolitano. Por cierto, sobre el ritmo: una conversación separada. Después de todo, digamos, si hablamos del período pre-pop en general, la organización rítmica fue construida y percibida por los músicos de diferentes maneras. Digamos que las bandas de Count Basie, Glenn Miller, Duke Ellington, Benny Goodman no solo son conceptos melódicos e improvisados ​​diferentes, sino también enfoques diferentes de la solución metro-rítmica.

Count Basie Orchestra - "Swingin" the Blues "

Vladimir Tarasov

Nosotros, jazzistas, dicho famoso, parodiando a los miembros del partido, sonaba así: decimos "jazz", queremos decir "swing" y viceversa. Hasta ahora, nadie en particular ha podido describir qué es el swing. ¿Qué es esta forma especial oscilante de producción de sonido con síncopa? Una vez simplifiqué y llegué a la conclusión de que si se toca solo en corcheas, entonces para mí no es jazz, pero si las frases musicales se construyen a través de una octava con un punto y una decimosexta, entonces jazz. Y no necesariamente a un ritmo regular. Anteriormente, los músicos en Rusia, por alguna razón, creían obstinadamente que el swing es cuando necesitas tocar un poco al frente o un poco atrás, entonces todo saldrá bien. Afortunadamente hoy en día, hay muchos músicos que pueden tocar con swing. También conozco a muchos músicos clásicos que, en mi opinión, tienen un gran swing.

Benny Goodman - "Canta, canta, canta"

Valery Kiselev

Mi conocimiento del jazz ocurrió en 1963, cuando estaba en séptimo grado. Mi amigo mayor me invitó a la Casa de la Cultura del distrito, donde proyectaron la película "Serenade of the Sun Valley" con Glenn Miller. Con esta película me entró el jazz, la big band, el swing. En la década de 1930, el swing jazz fue de gran importancia. Este, en términos modernos, fue el único "pop". En la década de 1930, había más de cien grandes bandas con nombres famosos en Nueva York. A fines de los años 30, Estados Unidos estaba cubierto con una red de estaciones de radio y la gente podía escuchar jazz, bailar y divertirse desde la mañana hasta la noche. Antes del comienzo de la guerra, se produjeron una gran cantidad de registros. Con la ayuda de los discos, las orquestas ganaron fama, se fueron de gira, la gente compraba sus discos y se iba a los bailes. Cuando aparecieron los grabadores de video en la Unión Soviética y vimos a estas orquestas en vivo, nos sorprendió: ¡qué, esas estrellas están tocando bailes! En general, no era costumbre comprar entradas, sentarse en un sillón y escuchar jazz. El jazz tocaba donde la gente bebía, bebía y bailaba.

Lindy Hop es el baile principal de la era del swing.

Todos los músicos de swing salieron a bailar. Cuando aprendí este baile, entendí realmente qué es el swing. Una persona que no baila percibe la música con sus oídos, y los bailes de swing se basan en rebotes, en el balanceo del cuerpo. No fue hasta enero de 1938 que el concierto de jazz de la Benny Goodman Orchestra se organizó por primera vez en el Carnegie Hall, donde generalmente se tocaba música sinfónica. Esta música venía de abajo y tenía que llegar hasta la sala de conciertos.

Los rebotes se realizan a un tempo moderadamente rápido con una presentación rítmica "elástica", característica del swing. También una especie de baile swing.

El Savoy fue el primer salón de baile donde se permitió bailar a parejas mixtas de blancos y negros. Como regla general, en tales salas había dos orquestas: una para la suya y la otra para un invitado; hubo una competencia entre ellos. Cuando Benny Goodman creó su orquesta, tuvo un problema: como decían entonces, no tenía su propio "portafolio", el repertorio. Se le aconsejó que buscara arreglos con Fletcher Henderson, quien recientemente había disuelto su orquesta. Fletcher Henderson ya le dio sus obras a Chick Webb. Y las dos orquestas tocaron las mismas notas. Alguien tuvo la idea de organizar un concurso: una orquesta blanca y otra negra. Se conserva la grabación de este concierto. Nunca creí que las orquestas negras pudieran swing mejor, pero tocando las mismas notas, la orquesta de Benny Goodman parecía mucho más débil. No separaría la cultura blanca de la negra en Estados Unidos. Todos crecieron en esta cultura, solo tienes que vivir en Estados Unidos.

Había muchas orquestas muy similares, recorridos para bailar. Pero también hubo muchas orquestas brillantes, arreglistas, solistas. Alguien fue más, en términos modernos, ascendido, alguien menos. Benny Goodman fue un gran clarinete, pero también un gran hombre de negocios. Un crítico dijo de dos amigos que trabajaron juntos para Ben Pollack en su juventud, Benny Goodman y Glenn Miller: si estos dos tipos se dedicaran a cualquier otro negocio, habrían tenido éxito. Glenn Miller contó cada centavo. No es un músico particularmente talentoso, reunió una orquesta, arreglistas y se convirtió en un gran.

En la década de 1930, los solistas desempeñaron un papel menor. Se suponía que la obra iba a encajar en unos tres minutos. Por lo tanto, los solistas nunca tocaron un cuadrado completo de 32 compases. Todos los solistas tocaron el solo pieza por pieza, dividiendo el cuadrado en partes. Por lo tanto, los solistas no pudieron probarse a sí mismos, como en el bebop.

Un cuadrado es una cuadrícula armónica (secuencia de acordes) que dura un cierto número de compases (la mayoría de las veces 32), subyacente al tema principal, sobre el que se superpone la improvisación cuando se repite. Una composición de jazz suele estar formada por una serie de estos cuadrados.

Duke Ellington - "Toma el tren A"

Vladimir Tarasov

La era de las big band fue genial. Yo mismo comencé con la big band y amaba las orquestas de Duke Ellington, Count Basie, Don Ellis, Gil Evans, quienes dieron forma al pensamiento compositivo de Miles Davis. Para una big band, el trabajo competente de un arreglista y el talento de un líder y director son importantes. La Orquesta de Duke Ellington Escuché doce conciertos. En general, apenas improvisaban en el sentido generalmente aceptado de la palabra, tocaban el mismo programa, pero cada concierto era diferente. Ésta es la habilidad de un músico, aquí y ahora, en un tiempo y espacio determinados. Jugaron absolutamente increíble. Duke Ellington sonaba a sí mismo y era parte de lo que tocaba. El carisma del artista, el líder, fue "encendido" por la orquesta. Cuando Ellington se fue a otro mundo, literalmente un mes después, escuché a esta orquesta tocar con la misma formación, solo dirigida por su hijo Mercer Ellington. Había el mismo programa, los mismos músicos, pero música completamente diferente. En el arte, todavía hay tres grados: aficionado, profesional y maestro. Duke Ellington fue un gran maestro. Hoy en día hay muchos profesionales en Rusia, pero solo unos pocos maestros. No se trata de tecnología. Todos sabemos leer música, libros, pero aún tenemos que entender el significado del texto. Para eso están los buenos directores de orquesta (y no solo los de jazz): nos revelan la "historia" inherente al sonido.

5. Jazz en la música académica y saxofonistas de los años 30

"Porgy and Bess"

Alemán Lukyanov

trompetista, trompetista flugel, compositor, líder del conjunto Kadans

Shostakovich asistió al estreno de Porgy and Bess en Leningrado. Mi madre lo conocía, se enteró de cómo hablaba de la ópera: "Treinta por ciento de buena música". Yo tampoco daría el cien por cien, hay algunas debilidades, no se puede decir que esta sea una obra maestra impecable. Pero el treinta por ciento es muy poco. Por supuesto, hay más de la mitad de buena música allí. Esta es la música que contiene elementos del arte del jazz. A Gershwin le gustaba mucho el jazz, esto es bastante obvio. Si este no fuera el caso, los jazzistas no habrían tocado su tema. Sintieron algo familiar en esto: en armonía, en ritmo, en estética. Pero estaba ansioso por la sinfonía, la escala del jazz le parecía pequeña.

Coleman Hawkins - "Cuerpo y alma"

Oleg Grymov

Hawkins adoptó un enfoque armonioso de la improvisación. Cavó cada uno centímetro cuadrado tejido musical, trató de revelar todas las facetas de la armonía del jazz. Antes que él, pocas personas tocaban el saxofón tenor con tanta habilidad.

Lester Young - "Way down Yonder in New Orleans"

Alexey Kruglov

Entre los músicos que surgieron en la década de 1930, como saxofonista, estoy particularmente interesado en la personalidad de Lester Young. Este es un músico increíble que, totalmente en el estilo de improvisación swing, sigue siendo significativamente diferente de otros saxofonistas de swing, en particular Ben Webster y Coleman Hawkins. Esta es, en muchos sentidos, una personalidad que lo abarca todo. En primer lugar, claramente no gravitaba hacia la interpretación "caliente", a menudo escuchaba entonaciones frías, lo que, tal vez, anticipaba la aparición de lo cool como estilo. Lester Young a veces usa alteraciones, beats, que estaban a la vanguardia de los boppers. Por supuesto, este momento no fue su línea principal, a menudo sus solos se construyen en la fila de acordes de séptima habitual usando giros de blues, pero sin embargo, la creación de tensión armónica debido al uso de un movimiento de bop parcial con alteración, junto con la ejecución en frío. , causa una impresión única.

Alteración: subir o bajar el tono de un sonido sin cambiar su nombre.

Creo que no solo Lester Young, aunque sin saberlo, fue más allá de los límites de su estilo. Todavía vale la pena explorar este tema, ya que el tema de realizar habilidades en esta dirección solo parece a primera vista ser una tarea fácil. Después de todo, un jazzista es una cosmovisión especial, y más aún en el período pre-pop, donde cada músico no trató de parecerse a alguien, sino que siguió su propio camino original.

Continuará

Jazz - una forma de arte musical que surgió a finales del siglo XIX y principios del XX en los Estados Unidos, en Nueva Orleans, como resultado de la síntesis de las culturas africana y europea, y que posteriormente se generalizó. El jazz tiene sus orígenes en el blues y otras músicas folclóricas afroamericanas. Rasgos característicos El lenguaje musical del jazz fue originalmente la improvisación, la polirritmia basada en ritmos sincopados y un conjunto único de técnicas para realizar texturas rítmicas: el swing. El mayor desarrollo del jazz se produjo debido al desarrollo de nuevos modelos rítmicos y armónicos por parte de músicos y compositores de jazz. Los sabores del jazz son: jazz de vanguardia, bebop, jazz clásico, cool, fret jazz, swing, smooth jazz, soul jazz, free jazz, fusión, hard bop y muchos otros.

La historia del desarrollo del jazz

Banda de jazz de Vilex College, Texas

El jazz se originó como una combinación de varias culturas musicales y tradiciones nacionales. Provenía originalmente de África. Para cualquier música africana es característico un ritmo muy complejo, la música siempre va acompañada de bailes, que son rápidos tapping y bofetadas. Sobre esta base, a finales del siglo XIX, surgió otro género musical: el ragtime. Posteriormente, los ritmos del ragtime, combinados con elementos del blues, dieron lugar a una nueva dirección musical: el jazz.

El blues surge a finales del siglo XIX como una fusión de ritmos africanos y armonía europea, pero sus orígenes deben buscarse desde el momento en que los esclavos fueron traídos de África al territorio del Nuevo Mundo. Los esclavos traídos no eran del mismo clan y por lo general ni siquiera se entendían entre sí. La necesidad de consolidación condujo a la unificación de muchas culturas y, como resultado, a la creación de una cultura única (incluida la musical) de afroamericanos. Los procesos de mezcla de la cultura musical africana y europea (que también sufrió importantes cambios en el Nuevo Mundo) tuvieron lugar a partir del siglo XVIII y en el siglo XIX llevaron al surgimiento del "protojazz", y luego del jazz en el sentido convencional. La cuna del jazz fue el sur de Estados Unidos y, sobre todo, Nueva Orleans.
La clave de la eterna juventud del jazz es la improvisación.
La peculiaridad del estilo es la interpretación individual única del virtuoso del jazz. La clave de la eterna juventud del jazz es la improvisación. Después del surgimiento de un intérprete genio que vivió toda su vida al ritmo del jazz y aún sigue siendo una leyenda: Louis Armstrong, el arte de la interpretación del jazz vio nuevos horizontes inusuales para sí mismo: la interpretación vocal o instrumental se convierte en el centro de todo performance, cambiando por completo la idea del jazz. El jazz no es solo un determinado tipo de actuación musical, sino también una época única y alegre.

Jazz de Nueva Orleans

El término Nueva Orleans generalmente se refiere al estilo de los músicos que tocaron jazz en Nueva Orleans entre 1900 y 1917, así como a los músicos de Nueva Orleans que tocaron y grabaron discos en Chicago desde aproximadamente 1917 hasta la década de 1920. Este período de la historia del jazz también se conoce como la "Era del Jazz". Y este término también se usa para describir la música interpretada en diferentes períodos históricos por el Renacimiento de Nueva Orleans, que aspiraba a interpretar jazz al mismo estilo que los músicos de la Escuela de Nueva Orleans.

Los caminos del folklore afroamericano y el jazz se han separado desde el descubrimiento de Storyville, el barrio rojo de Nueva Orleans famoso por sus lugares de entretenimiento. Para aquellos que querían divertirse y divertirse, había muchas oportunidades seductoras que ofrecían pistas de baile, cabaret, espectáculos de variedades, circo, bares y restaurantes. Y en todas partes de estas instituciones sonaba la música y los músicos que dominaban la nueva música sincopada podían encontrar trabajo. Gradualmente, con el aumento en el número de músicos que trabajan profesionalmente en los establecimientos de entretenimiento de Storyville, el número de bandas de música callejeras y de marcha disminuyó, y en su lugar surgieron los llamados conjuntos de Storyville, cuya manifestación musical se vuelve más individual en comparación con la interpretación de bandas de música. Estas bandas, a menudo llamadas "orquestas combinadas", se convirtieron en los fundadores del estilo del jazz clásico de Nueva Orleans. En 1910-1917, los clubes nocturnos de Storyville se convirtieron en ideales medio ambiente para el jazz.
En 1910-1917, los clubes nocturnos de Storyville se convirtieron en entornos ideales para el jazz.
El desarrollo del jazz en Estados Unidos en el primer cuarto del siglo XX

Después del cierre de Storyville, el jazz comenzó a transformarse de un género de folclore regional a una dirección musical a nivel nacional, extendiéndose hacia el norte y provincias del noreste EE.UU. Pero su amplia distribución, por supuesto, no podría facilitarse solo con el cierre de un barrio de entretenimiento. Junto con Nueva Orleans, St. Louis, Kansas City y Memphis jugaron un gran papel en el desarrollo del jazz desde el principio. Ragtime nació en Memphis en el siglo XIX, desde donde se extendió por todo el continente norteamericano en el período 1890-1903.

Por otro lado, las actuaciones de juglares, con su colorido mosaico de todo tipo de folclore afroamericano, desde el jig hasta el ragtime, se extendieron rápidamente por todas partes y allanaron el camino para la llegada del jazz. Muchas futuras celebridades del jazz comenzaron su andadura precisamente en el show menstrell. Mucho antes del cierre de Storyville, los músicos de Nueva Orleans se fueron de gira con los llamados grupos de "vodevil". Jelly Roll Morton ha realizado giras regularmente en Alabama, Florida, Texas desde 1904. A partir de 1914 tenía un contrato para actuar en Chicago. En 1915, la Orquesta White Dixieland de Tom Brown también se trasladó a Chicago. La famosa Creole Band, dirigida por el cornetista de Nueva Orleans Freddie Keppard, también realizó importantes giras de vodevil en Chicago. Separados de la Olympia Band, los artistas de Freddie Keppard ya en 1914 actuaron con éxito en el mejor teatro de Chicago y recibieron una oferta para realizar grabaciones sonoras de sus actuaciones incluso antes que la Original Dixieland Jazz Band, que, sin embargo, Freddie Keppard rechazó miope. Expandió significativamente el territorio cubierto por la influencia del jazz, orquestas tocando vapores de placer que navegaban por el Mississippi.

Desde finales del siglo XIX, los viajes por el río desde Nueva Orleans a St. Paul se han vuelto populares, primero durante un fin de semana y luego durante toda una semana. Desde 1900, las orquestas de Nueva Orleans han comenzado a actuar en estos barcos fluviales, haciendo de su música el entretenimiento más atractivo para los pasajeros en los recorridos fluviales. La futura esposa de Louis Armstrong, el primer pianista de jazz Lil Hardin, se inició en una de estas orquestas, Sugar Johnny. La orquesta fluvial del pianista Fates Marable ha presentado a muchas futuras estrellas del jazz de Nueva Orleans.

Los vapores que navegaban a lo largo del río a menudo se detenían en las estaciones de paso, donde las orquestas realizaban conciertos para el público local. Fueron estos conciertos los que se convirtieron en los debuts creativos de Bix Beiderback, Jess Stacy y muchos otros. Otra ruta famosa atravesaba Missouri hasta Kansas City. En esta ciudad, donde, gracias a las fuertes raíces del folklore afroamericano, el blues se desarrolló y finalmente tomó forma, la interpretación virtuosa de los jazzistas de Nueva Orleans encontró un ambiente excepcionalmente fértil. A principios de la década de 1920, el principal centro para el desarrollo de la música jazz fue Chicago, en el que, gracias al esfuerzo de muchos músicos reunidos de diferentes partes de Estados Unidos, se creó un estilo que recibió el sobrenombre de Chicago jazz.

Grandes bandas

La forma clásica y establecida de las grandes bandas se conoce en el jazz desde principios de la década de 1920. Esta forma mantuvo su relevancia hasta finales de la década de 1940. Los músicos que ingresaron a la mayoría de las grandes bandas, por regla general, casi en su adolescencia, tocaron bastante ciertas partes, ya sea aprendidas de memoria en los ensayos o de partituras. Las orquestaciones meticulosas combinadas con grandes secciones de viento de metal y madera produjeron ricas armonías de jazz y crearon un sonido sensacionalmente fuerte que se conoció como "el sonido de la gran banda".

La big band se convirtió en la música popular de su época, alcanzando su punto máximo a mediados de la década de 1930. Esta música se convirtió en la fuente de la moda del baile swing. Los líderes de las famosas orquestas de jazz Duke Ellington, Benny Goodman, Count Basie, Artie Shaw, Chick Webb, Glenn Miller, Tommy Dorsey, Jimmy Lunsford, Charlie Barnett compusieron o arreglaron y grabaron en discos un genuino desfile de melodías que sonaban no solo en la radio, pero también en todas partes en los salones de baile. Muchas big bands exhibieron a sus improvisadores solistas, quienes llevaron a la audiencia a un estado cercano a la histeria durante las bien promocionadas "batallas de las orquestas".
Muchas big bands mostraron a sus improvisadores solistas, que llevaron al público a un estado cercano a la histeria.
Aunque la popularidad de las grandes bandas declinó significativamente después de la Segunda Guerra Mundial, las orquestas dirigidas por Basie, Ellington, Woody Herman, Stan Kenton, Harry James y muchos otros viajaron con frecuencia y grabaron discos durante las siguientes décadas. Su música se transformó gradualmente bajo la influencia de las nuevas tendencias. Grupos como los conjuntos liderados por Boyd Ryburn, Sun Ra, Oliver Nelson, Charles Mingus, Ted Jones-Mel Lewis exploraron nuevos conceptos en armonía, instrumentación y libertad de improvisación. Hoy en día, las big bands son el estándar en la educación del jazz. Orquestas de repertorio como Lincoln Center Jazz Orchestra, Carnegie Hall Jazz Orchestra, Smithsonian Masterpiece Jazz Orchestra y Chicago Jazz Ensemble tocan regularmente arreglos originales de big band.

Jazz del noreste

Aunque la historia del jazz comenzó en Nueva Orleans a principios del siglo XX, la música despegó a principios de la década de 1920 cuando el trompetista Louis Armstrong dejó Nueva Orleans para crear nueva música revolucionaria en Chicago. La migración de maestros de jazz de Nueva Orleans a Nueva York, que comenzó poco después, marcó la tendencia de un movimiento constante de músicos de jazz de sur a norte.

Louis Armstrong

Chicago adoptó la música de Nueva Orleans y la calentó, elevando la intensidad no solo de los famosos conjuntos Hot Five y Hot Seven de Armstrong, sino también de otros como Eddie Condon y Jimmy McPartland, cuyo equipo de Austin High School ayudó a revivir. Escuelas de Nueva Orleans. Otros habitantes famosos de Chicago que han empujado los horizontes del estilo clásico de jazz de Nueva Orleans incluyen al pianista Art Hodes, el baterista Barrett Deems y el clarinetista Benny Goodman. Armstrong y Goodman, quienes finalmente se mudaron a Nueva York, crearon una especie de masa crítica allí, lo que ayudó a que esta ciudad se convirtiera en una verdadera capital mundial del jazz. Y mientras que Chicago siguió siendo en el primer cuarto del siglo XX principalmente el centro de la grabación de sonido, Nueva York también se convirtió en una importante sala de conciertos de jazz, con clubes tan legendarios como Minton Playhouse, Cotton Club, Savoy y Village Vanguard, y también por arenas como el Carnegie Hall.

Estilo Kansas City

Durante la Gran Depresión y la Prohibición, la escena del jazz de Kansas City se convirtió en la meca de los sonidos novedosos de finales de los años veinte y treinta. El estilo que floreció en Kansas City se caracterizó por piezas llenas de sentimiento con tintes de blues interpretadas tanto por grandes bandas como por pequeños conjuntos de swing, con solos muy enérgicos interpretados para pubs clandestinos. Fue en estos pubs donde cristalizó el estilo del gran Count Basie, que comenzó en Kansas City con la Walter Page Orchestra y posteriormente con Benny Mouten. Ambas orquestas eran representantes típicos del estilo de Kansas City, cuya base era una forma peculiar de blues, llamada "blues de la ciudad" y formada en la ejecución de las orquestas antes mencionadas. La escena del jazz de Kansas City también se distinguió por toda una galaxia de destacados maestros del blues vocal, reconocidos como el "rey" entre los que se encontraba el cantante principal de la Count Basie Orchestra, el famoso cantante de blues Jimmy Rushing. El famoso altsaxofonista nacido en Kansas City Charlie Parker, a su llegada a Nueva York, hizo un amplio uso de los característicos "trucos" de blues que había aprendido en las orquestas de Kansas City y que posteriormente constituyeron uno de los puntos de partida de los experimentos de Bopper en la década de 1940. .

Jazz de la costa oeste

Los artistas atrapados en el movimiento del jazz cool en la década de 1950 trabajaron extensamente en los estudios de grabación de Los Ángeles. Influenciados en gran medida por el inexperto Miles Davis, estos intérpretes de Los Ángeles desarrollaron lo que ahora se conoce como "West Coast Jazz" o jazz de la costa oeste. El jazz de la costa oeste era mucho más suave que el furioso bebop que lo precedió. La mayoría de las piezas de jazz de la costa oeste se han escrito con gran detalle. Las líneas de contrapunto que se utilizan a menudo en estas composiciones parecían ser parte de la influencia europea que había impregnado el jazz. Sin embargo, esta música también dejó mucho espacio para largas improvisaciones lineales en solitario. Aunque West Coast Jazz se realizó principalmente en estudios de grabación, clubes como The Lighthouse en Ermoza Beach y Haig en Los Ángeles con frecuencia presentaban a sus mejores maestros, incluido el trompetista Shorty Rogers, los saxofonistas Art Pepper y Bud Schenk. El baterista Shelley Mann y el clarinetista Jimmy Juffrey.

Difundir el jazz

El jazz siempre ha despertado el interés de músicos y oyentes de todo el mundo, independientemente de su nacionalidad. Basta rastrear las primeras obras del trompetista Dizzy Gillespie y su síntesis de las tradiciones del jazz con la música de los cubanos negros en la década de 1940 o posteriores, la combinación del jazz con la música japonesa, euroasiática y de Oriente Medio, conocida en la obra del pianista Dave Brubeck, así como en el brillante compositor y director de jazz.- Orquesta de Duke Ellington, que combinó la herencia musical de África, América Latina y el Lejano Oriente.

Dave Brubeck

El jazz ha absorbido constantemente y no solo las tradiciones musicales occidentales. Por ejemplo, cuando diferentes artistas empezaron a intentar trabajar con los elementos musicales de la India. Un ejemplo de este esfuerzo se puede escuchar en las grabaciones del flautista Paul Horn en el Taj Mahal, o en la corriente de "música mundial" presentada, por ejemplo, por la banda de Oregon o el proyecto John McLaughlin Shakti. La música de McLaughlin, antiguamente basada principalmente en el jazz, mientras trabajaba con Shakti comenzó a utilizar nuevos instrumentos de origen indio, como el hatama o tabla, sonaban ritmos intrincados y la forma de raga india era muy utilizada.
A medida que continúa la globalización del mundo, el impacto de otras tradiciones musicales se siente constantemente en el jazz.
El Art Ensemble of Chicago fue uno de los pioneros en la fusión de formas africanas y de jazz. Más tarde, el mundo conoció al saxofonista y compositor John Zorn y su exploración de la cultura musical judía, tanto dentro como fuera de la Orquesta de Masada. Estos trabajos han inspirado a grupos de otros músicos de jazz, como el tecladista John Medeski, que grabó con el músico africano Salif Keita, el guitarrista Marc Ribot y el bajista Anthony Coleman. El trompetista Dave Douglas ha inspirado influencias balcánicas en su música, mientras que la Orquesta de Jazz Asiático-Estadounidense se ha convertido en uno de los principales defensores de la convergencia del jazz y las formas musicales asiáticas. A medida que continúa la globalización del mundo, el impacto de otras tradiciones musicales se siente constantemente en el jazz, proporcionando alimento maduro para futuras investigaciones y demostrando que el jazz es verdaderamente música del mundo.

Jazz en la URSS y Rusia

Primera banda de jazz de Valentin Parnakh en la RSFSR

La escena del jazz surgió en la URSS en la década de 1920, simultáneamente con su apogeo en los Estados Unidos. La primera orquesta de jazz en la Rusia soviética fue creada en Moscú en 1922 por el poeta, traductor, bailarín y figura teatral Valentin Parnakh y fue llamada "La primera orquesta excéntrica de las bandas de jazz de Valentin Parnakh en la RSFSR". El nacimiento del jazz ruso se considera tradicionalmente el 1 de octubre de 1922, cuando tuvo lugar el primer concierto de este grupo. La orquesta del pianista y compositor Alexander Tsfasman (Moscú) es considerada la primera banda de jazz profesional en aparecer en la radio y grabar un disco.

Las primeras bandas de jazz soviéticas se especializaban en realizar bailes de moda (foxtrot, charleston). En la conciencia de masas, el jazz comenzó a ganar gran popularidad en los años 30, en gran parte gracias al conjunto de Leningrado dirigido por el actor y cantante Leonid Utesov y el trompetista Y.B. Skomorovsky. La popular película de comedia "Merry Guys" (1934) con su participación estaba dedicada a la historia de un músico de jazz y tenía una banda sonora correspondiente (escrita por Isaac Dunaevsky). Utesov y Skomorovsky formaron el estilo original de "tea-jazz" (jazz teatral), basado en una mezcla de música con teatro, opereta, números vocales y un elemento de interpretación que jugó un papel importante en él. Eddie Rosner, compositor, músico y director de orquesta, hizo una contribución significativa al desarrollo del jazz soviético. Después de haber comenzado su carrera en Alemania, Polonia y otros países europeos, Rosner se mudó a la URSS y se convirtió en uno de los pioneros del swing en la URSS y en el pionero del jazz bielorruso.
En la conciencia de masas, el jazz comenzó a ganar gran popularidad en la URSS en los años 30.
Actitud Autoridades soviéticas al jazz fue controvertido: los intérpretes de jazz nacionales, por regla general, no estaban prohibidos, pero la crítica dura del jazz como tal estaba generalizada, en el contexto de la crítica de la cultura occidental en general. A fines de la década de 1940, durante la lucha contra el cosmopolitismo, el jazz en la URSS atravesaba un período particularmente difícil, cuando las bandas de música "occidental" fueron perseguidas. Con el inicio del "deshielo" se detuvo la represión contra los músicos, pero las críticas continuaron. Según una investigación de la profesora de historia y cultura estadounidense Penny Van Eschen, el Departamento de Estado estadounidense intentó utilizar el jazz como arma ideológica contra la URSS y contra la expansión de la influencia soviética en el tercer mundo. En los años 50 y 60. en Moscú, las orquestas de Eddie Rosner y Oleg Lundstrem reanudaron sus actividades, aparecieron nuevas composiciones, entre las que se encuentran las orquestas de Joseph Weinstein (Leningrado) y Vadim Ludvikovsky (Moscú), así como la Riga Variety Orchestra (REO).

Las grandes bandas han traído toda una galaxia de arreglistas y solistas-improvisadores talentosos, cuyo trabajo llevó el jazz soviético a un nivel cualitativamente nuevo y lo acercó a los estándares mundiales. Entre ellos se encuentran Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. El desarrollo del jazz de cámara y de club comienza en toda su diversidad de estilos (Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golstein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexey Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexey Kuznetsov, Victor Fridman , Igor Bril, Leonid Chizhik, etc.)

Club de Jazz "Blue Bird"

Muchos de los maestros del jazz soviético antes mencionados comenzaron su carrera en el escenario del legendario club de jazz de Moscú "Blue Bird", que existió desde 1964 hasta 2009, descubriendo nuevos nombres de representantes de la generación moderna de estrellas del jazz ruso (hermanos Alexander y Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko y otros). En los años 70, el trío de jazz "Ganelin-Tarasov-Chekasin" (GTCH), formado por el pianista Vyacheslav Ganelin, el baterista Vladimir Tarasov y el saxofonista Vladimir Chekasin, que existió hasta 1986, se hizo ampliamente conocido. En los años 70 y 80 se conocieron también el cuarteto de jazz azerbaiyano “Gaia”, los conjuntos vocales e instrumentales georgianos “Orera” y “Jazz-Choral”.

Después del declive del interés por el jazz en los años 90, volvió a ganar popularidad en la cultura juvenil. Moscú acoge anualmente festivales de música de jazz como Manor Jazz y Jazz en el Hermitage Garden. El club de jazz más popular de Moscú es el club de jazz Union of Composers, que invita a artistas de jazz y blues de renombre mundial.

Jazz en el mundo moderno

El mundo moderno de la música es tan diverso como el clima y la geografía que experimentamos a través de los viajes. Y, sin embargo, hoy asistimos a la mezcla de un número creciente de culturas del mundo, acercándonos constantemente a lo que, en esencia, ya se está convirtiendo en “músicas del mundo”. El jazz de hoy ya no puede estar influenciado por sonidos que lo penetran desde casi todos los rincones del mundo. El experimentalismo europeo con tintes clásicos sigue influyendo en la música de jóvenes pioneros como Ken Vandermark, un frejaz saxofonista de vanguardia, más conocido por su trabajo con contemporáneos como los saxofonistas Mats Gustafsson, Evan Parker y Peter Brotzmann. Otros músicos jóvenes y más tradicionales que continúan buscando su propia identidad incluyen a los pianistas Jackie Terrasson, Benny Green y Braid Meldoa, los saxofonistas Joshua Redman y David Sanchez, y los bateristas Jeff Watts y Billy Stewart.

La vieja tradición de sonar es rápidamente continuada por artistas como el trompetista Winton Marsalis, que trabaja con todo un equipo de asistentes, tanto en sus propios grupos pequeños como en la Lincoln Center Jazz Orchestra, que él dirige. Bajo sus auspicios, los pianistas Marcus Roberts y Eric Reed, el saxofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, el trompetista Marcus Printup y el vibrafonista Stephen Harris crecieron hasta convertirse en grandes músicos. El bajista Dave Holland también es un gran descubridor de jóvenes talentos. Entre sus muchos descubrimientos se encuentran artistas como el saxofonista / bajista M Steve Coleman, el saxofonista Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson y el baterista Billy Kilson. Otros grandes mentores para jóvenes talentos incluyen al pianista Chick Corea, y al ahora fallecido baterista Alvin Jones y a la cantante Betty Carter. Las oportunidades potenciales para un mayor desarrollo del jazz son actualmente bastante grandes, ya que las formas de desarrollar el talento y los medios para expresarlo son impredecibles, multiplicándose por la unificación de esfuerzos de varios géneros de jazz que hoy se fomentan.