Магрибски художник. Рене Магрит

Един от най-забележителните художници на миналия век, Рене Магрит (1898-1967) е от Белгия. През 1912 г. майка му се удави в реката, което очевидно е направило голямо впечатление на тогавашния тийнейджър, бъдещ художник, но, противно на общоприетото схващане, не трябва да се надценява влиянието на това събитие върху творчеството на автора. Магрит върна от детството си редица други, не толкова трагични, но не по-малко мистериозни спомени, за които самият той каза, че са отразени в творчеството му.

Образован в Академията за изящни изкуства в Брюксел, той първоначално е силно повлиян от дадаизма и кубизма. 1925 г. е повратна точка в творчеството му: картината "Розите на Пикардия" бележи нов стил и ново отношение - "поетичен реализъм". Художникът се премества в "центъра на сюрреализма" - Париж, където участва във всички сюрреалистични изложби. И през 1938 г. Лондонската художествена галерия организира първата голяма изложба на белгийския майстор.

В началото на 1950г Изкуството на Магрит получава все по-голямо международно признание, както се вижда от големите му изложби в Рим, Лондон, Ню Йорк, Париж и Брюксел. През 1956 г. Магрит, като изключителен представител на културата на Белгия, е удостоен с престижната награда "Гугенхайм".

Основната характеристика на Магрит е атмосферата на мистерия в неговите творби. Усещането за мистерия, както знаете, е присъщо на истинското изкуство. „Винаги съм смятал Магрит за художник на въображаемото, майстор, стоящ някъде на нивото на Джорджоне“, пише Хърбърт Рийд. Тези думи съдържат ключа към поетиката на Магрит.

В картината "Фалшиво огледало" (1929), която изразява идейното кредо на художника, цялото пространство е заето от образа на огромно око. Само вместо ириса, зрителят вижда лятно синьо небе с прозрачни облаци, плаващи по него. Заглавието обяснява идеята на картината: сетивните органи отразяват само външния вид на нещата, без да предават скритите дълбини на света, неговите тайни. Само несъвместимото помага, според Магрит, да се разбере смисълът на битието. Един образ може да се роди само от сливането на две повече или по-малко отдалечени реалности.

Магрит ще следва този метод през цялата си кариера, което е особено забележимо в неговите "философски" картини. Една от тях е Ваканцията на Хегел (1958).

"Последната ми картина - пише той - започна с въпроса: как да изобразя чаша вода в картина по такъв начин, че да не е безразлична към нас? Но в същото време и по такъв начин, че няма да е особено странно, произволно или незначително.Едно с една дума, за да може да се каже: гениално (да оставим излишния срам).
Започнах да рисувам чашите една след друга (три скици), всеки път с щрих напречно (скица). След стотната или сто и петдесетата
рисунка, ударът стана малко по-широк (контур). Първоначално чадърът стоеше вътре в стъклото (скица), но след това се оказа, че е под него (скица).
Така намерих решение на първоначалния въпрос: как може да се изобрази гениално чаша вода. Скоро разбрах, че тази тема може да представлява голям интерес за Хегел (той също е гений), защото моята тема съчетава две противоположни
стремежи: не иска вода (отблъсква я) и иска вода (вдига я). Мисля, че щеше да му хареса или да му се стори смешно (например по време на празниците). Затова нарекох картината „Ваканцията на Хегел”.

Магрит рязко се откроява сред сюрреалистите: за разлика от тях той използва не фантастични, а обикновени елементи, взети по причудливи начини. Такава е известната му картина „Лично съкровище” (1952).

"Ключът" тук също е името. „Личното” хипертрофира до чудовищни размери. Стаята се превръща в един вид "микрокосмос", затворен, притиснат, въпреки небето с облаци, плаващи по него вместо стени. Всички неща тук странно се промениха, сякаш оживяха, придобиха неутилитарен вид, въпреки че, както винаги при Магрит, предметите не промениха външния си вид, текстура, цвят и са напълно "разпознаваеми". Зрителят, сякаш мимоходом, се възхищава на синкавия блясък на стъклото на стъклото, текстурата на дървените мебели, умението за прехвърляне на огледални отражения. Но само мимоходом, защото предметите сякаш са придобили самостоятелност, сякаш говорят от името на собственика си, напълно узурпирайки неговата „водеща“ роля. Самите те са се превърнали в "личности" и сякаш си говорят.

Една от характеристиките на ранната живопис на Магрит е нейната "литературност" в добрия смисъл на думата. Магрит се върти в кръг от поети, философи, писатели, изучава теоретичните трудове на известни романтици от 19 век. Той е силно повлиян от произведенията на английския романтичен поет и философ от началото на 19 век. Самюъл Тейлър Колридж, който на първо място почиташе символизма в изкуството - такова "пълно подчинение на материята на духа, че материята се превръща в символ, чрез който духът се разкрива".

Илюстрация на тази мисъл е по-специално известната картина на Магрит "Освобождение" ("Полет в полетата"), създадена през 1933 г.

От счупен прозорец се открива странен пейзаж. Зеленикави вечерни хълмове, кълбовидни сини дървета, прозрачно седефено небе, сини далечини. Брилянтно използвайки техниките на тоналната живопис, художникът създава настроение на радостно въодушевление, очакване на нещо необичайно, прекрасно. Топлият нюанс на завесите на преден план засилва впечатлението за ефирността на този омагьосан пейзаж ... Картините на Магрит изглеждат като направени от спокойна, безстрашна ръка. Майстор на цвета, Магрит го използва пестеливо, пестеливо. В "Освобождение" цветовата символика се използва за изразяване на сложни асоциации. Петна от синьо, розово, жълто и черно придават на изображението невероятна цветова пълнота и жизненост.

Оригиналността на творчеството на Рене Магрит ще се разкрие по-пълно, ако се обърнем към темата "Сюрреализъм и фройдизъм". Основният теоретик на сюрреализма Андре Бретон, психиатър по професия, придава решаващо значение на психоанализата на Фройд при оценката на творчеството на художника. Фройдистките възгледи не бяха възприети само от много сюрреалисти - те станаха техен начин на мислене. Например за Салвадор Дали, по негово собствено признание, светът на идеите на Фройд означава толкова, колкото светът на Светото писание за средновековните художници или светът на древната митология за ренесансовите майстори.

„Методът на свободната асоциация“, предложен от Зигмунд Фройд, неговата „теория за грешките“, „тълкуването на сънищата“ са насочени основно към идентифициране на болестни психични разстройства с цел лечение. Към това беше насочена и интерпретацията на произведенията на изкуството, предложена от Фройд. Но с това разбиране изкуството се свежда до един особен, така да се каже, „лечебен” фактор. Това беше погрешността на подхода на теоретиците на сюрреализма към произведенията на изкуството. Магрит е бил наясно с това, отбелязвайки в едно от писмата си през 1937 г.: "Изкуството, както аз го разбирам, не е обект на психоанализа. То винаги е мистерия." Художникът беше ироничен относно опитите да интерпретира картините си с помощта на психоанализата: "Те решиха, че моят" Червен модел "е пример за кастрационен комплекс. След като изслушах няколко обяснения от този вид, направих рисунка според всички " правила "на психоанализата. Естествено, те го анализираха по същия начин. Ужасно е да се види каква подигравка може да претърпи човек, който е направил една невинна рисунка ... Може би самата психоанализа е най-добрата тема за психоаналитик.

Ето защо Магрит упорито отказваше да се нарече „сюрреалист“. Той охотно приема характеристиката на "магически реалист". Тази насока е характерна за „белгийския период” на неговото творчество – започващ от 1930 г., когато Магрит се завръща завинаги от Париж в Брюксел.

Традициите на старото холандско изкуство оказват благотворно влияние върху творчеството на Магрит. В картината "Плагиатство" (1960) вниманието привличат няколко детайла-символа.

Вляво на масата виждаме изображението на гнездо и три яйца - символиката на Троицата. Подобно на магьосник художникът сякаш материализира пред очите ни образите на своята фантазия и те се превръщат в красива плодоносна градина - символ на живо творческо въображение. Магрит създава тънък, одухотворен поетичен образ. Съзерцавайки картината, човек може само да се възхищава на най-деликатните розови, синкави, седефени нюанси - наистина приказна гледка.

През 1930г Магрит, заедно с изкуството на Бош, дълбоко изучава творчеството на своя сънародник, драматург и философ Морис Метерлинк, който пише през 1889 г. в колекцията „Оранжерии“: „Символът е природна сила, но умът на човека не може да устои на нейния закони ... Ако няма символ, няма произведение на изкуството."

Метерлинк дължи на Магрит способността да развие сравнението в цяла мрежа от образи, които фантазията на художника превръща в реалния свят. В картината "Лудост на величието" (1948) горяща свещ е изобразена върху каменен парапет на фона на безкрайното лазурно море - като символ на крехкостта на човешкия живот. В близост има няколко женски торса, израстващи един от друг (символ на чувственост). А в небето с красиви застинали облаци (за Магрит - символ на безвремието) зрителят вижда сини "безплътни" геометрични фигури, символизиращи "чисти идеи", и балон - символ на абстрактна "чиста мисъл".

С помощта на фино обмислена цветова схема художникът "усъвършенства" основната идея. "Чувствеността" е топъл телесен цвят. „Чистите форми” са решени в студена синкава тоналност, съответстваща на символиката и същевременно създаваща усещане за необятен простор.

„Ние се скитаме произволно из долината, без да осъзнаваме, че всичките ни движения се възпроизвеждат и придобиват истинското си значение на върха на планината“, пише Метерлинк в „Съкровището на скромните“, „и е необходимо от време на време някой да идва към нас и каза: „Погледнете нагоре, вижте какво сте, вижте какво правите. Ние не живеем тук, животът ни е там горе. Този поглед, който разменихме в тъмнината, тези думи, които нямаха значение в подножието на планината виж в какво са се превърнали и какво значат там, над снежните висини.

Тази идея на Метерлинк е отразена в картината на Магрит "Притежанието на Арнхайм" (1962).

Само чрез счупване на стъкло с изрисуван фалшив образ можете да видите реалността в целия й блясък, смята художникът. Именно тук, по върховете на планините, за които говори Метерлинк, се крие Истината.

Картината "Неочакван отговор" (1933) въплъщава друга мисъл на Метерлинк: "Няма незначителни дни в живота. Върви, върни се, излез отново - ще намериш това, от което се нуждаеш в здрача. Но никога не забравяй, че си близо до вратата.Това може би е една от онези тесни пукнатини във вратите на мрака, през които ни се дава възможност за миг да предвидим всичко, което трябва да се случи в пещерата на съкровищата, които все още не са открити.

Картината изглежда като някаква емблема на вълнуваща мистерия - всичко тук е толкова цялостно, "естествено", ако това определение може да се припише на една от най-загадъчните и мистични композиции на Магрит. Отворената "счупена врата" е символ на друго измерение, изпълнено с много мистерии.

Някои автори, пишещи за Магрит, го обявяват за "художник на абсурда", в чиито картини няма смисъл. Ако това беше така, ако целта на художника беше да изобрази само „абсурда на ежедневието ни“, това би било творчество на ниво пъзел, а не сериозно изкуство, каквото е. Магрит написа: „Ние питаме снимката на случаен принцип, вместо да я слушаме. И сме изненадани, когато отговорът, който получаваме, не е откровен.“

Неговото изкуство често е наричано "будни сънища". Художникът уточни: „Картините ми не са сънища, а сънища наяве“. Нищо чудно, че видният сюрреалист Макс Ернст, виждайки изложбата му в Ню Йорк в началото на 50-те години, каза: "Магрит не спи и не е буден. Той осветява. Той завладява света на сънищата."

„Без мистерия нито светът, нито идеята са възможни“, не се уморява да повтаря Магрит. И като епиграф към един от своите автопортрети той взе линията на френския поет от 19 век. Лотреамонт: „Понякога сънувам, но нито за миг не губя съзнанието за своята идентичност.“

Оттук и неочакваното тълкуване на "вътрешно и външно" в творчеството на Магрит.

Ето коментара на художника за картината му „Рамки на живота“ (1934): „Пред прозореца, който виждаме отвътре на стаята, поставих картина, изобразяваща точно тази част от пейзажа, която тя затваря. Така дървото на картината скрива дървото, което стои зад нас извън нас. За зрителя дървото е както вътре в стаята на картината, така и отвън в реалния пейзаж. Така виждаме света. Виждаме го извън нас и на същото време виждаме неговото представяне вътре в себе си. По този начин понякога поставяме в миналото това, което се случва в настоящето. Така времето и пространството се освобождават от тривиалното значение, с което обикновеното съзнание ги дарява."

Хърбърт Рийд отбеляза: "Магрит се отличава със строгостта на формите и отчетливата яснота на визията. Неговата символика е чиста и прозрачна, като стъклото на прозорците, които той обича да изобразява толкова много. Рене Магрит предупреждава за крехкостта на света. като ледени късове." Това е пример за една от възможните интерпретации на двусмислените метафори на Магрит. Мотивът на стъкления прозорец на този художник може да се разглежда и като граница между два свята - реалния и нереалния, поетичния и битовия, между съзнателното и несъзнаваното.

В картината "Човешкият син" (1964) съвременният човек е изобразен на фона на стена, отделяща го от необятните простори на океана и небето, символизиращи безкрайността. Ябълка, висяща пред лицето на човек, придава мистериозност на изображението. Тази ябълка може да се възприема както като плод на дървото на познанието, така и като символ на природата, която човек се опитва да разбере. В същото време този детайл придава хармония на прозаичния външен вид на спретнат буржоа.

Картината "Голконда" (1953) може да се разглежда като материализирана метафора: хората "с тегло" са станали безтегловни. Има ирония, скрита в името: все пак Голконда е полулегендарен град в Индия, известен със своите златни разсипи и диаманти, а тези хора изглежда са привлечени от златото. Художникът виси в безкрайно пространство няколко десетки спретнато облечени – с бомбета, вратовръзки и модни палта – рентиери, запазвайки абсолютно невъзмутимост.

В една от късните картини на Магрит, „Готовият букет“ (1956 г.), мъж със същата шапка и фрак, стоящ с гръб към зрителя на терасата, съзерцава вечерния парк. А на гърба му е „Пролетта“ на Ботичели, маршируваща в цветя и блясък от цветове. Какво е това? Реализация на афоризма „Човекът минава, изкуството остава“? Или може би човек, който се възхищаваше на парка, си спомни картината на Ботичели? Отговорът е неясен.

Художникът се стреми да разруши обичайната представа за добре познатото, непроменено, да накара обекта да се види в ново измерение, което води зрителя до объркване. В своите платна той създава свят на фантазия и мечти от реални неща, потапяйки зрителите в атмосфера на мечти и мистерия. Художникът брилянтно знаеше как да "насочва" чувствата си. Изглежда, че светът, създаден от художника, е статичен и солиден, но сюрреалистичното винаги нахлува в обикновеното, унищожавайки този познат свят (обикновена ябълка в стаята, растяща, измества хората или парен локомотив изскача от камината в пълен обем) скорост - „Пронизано време“, 1939).

Най-често копираната картина е „Сътворението на човека“ (1935). Образът на морето в картината на статив, стоящ пред отворен прозорец, по чудо се слива с „истинската“ морска гледка от прозореца.

Темата на много от картините на Магрит беше така наречената "скрита реалност". Част от изображението, например лицето на главния герой, е покрито с нещо (ябълка, букет цветя, птица). Магрит обяснява значението на тези творби по следния начин: „Интересното в тези картини е присъствието на откритото и скритото, които внезапно избухват в нашето съзнание, които в природата никога не се отделят едно от друго.“

Във „Влюбени“ Рене Магрит показва, че когато сме истински влюбени, очите ни са затворени.

В стремежа си да проумее неуловимия смисъл на картините на Магрит, да ги „обясни“, съзнанието на зрителя трескаво се вкопчва и в двете. Художникът му "хвърля" името на картината (обикновено се появява след завършване на работата). Магрит дава на заглавието решаваща роля за възприемането на картината. Според спомените на близки и приятели, когато измислял имена, той често ги обсъждал с колеги писатели. Ето какво каза самият художник за това: „Заглавието е индикатор за функцията на картината“, „Заглавието трябва да съдържа жива емоция“, „Най-доброто заглавие на картината е поетично. То не трябва да учи на нищо, но вместо това изненадайте и очаровайте."

Много от заглавията на картините са умишлено научни и в тях се вижда ирония: „Философска лампа“ (1937), „Възхвала на диалектиката“ (1937), „Естествено познание“ (1938), „Трактат за усещанията“ (1944). ). Други заглавия създават атмосфера на поетична мистерия: Диалог, прекъснат от вятъра (1928), Ключ към мечтите (1930), Болезнена продължителност (1939), Империя на светлината (1950), Божията гостна (1958).

Картината "Империя на светлината" е нарисувана от Магрит през последното десетилетие от живота му, но веднага става може би най-популярната му творба. Толкова популярна, че много колекционери бяха готови да платят всякакви пари, само за да имат едно от нейните копия в колекцията си.

И така, каква е тази картина, която е завладяла умовете на хората по света? На бегъл поглед изглежда просто и дори непретенциозно. Къщата на брега на малко езеро е скрита в сянката на разпръснати дървета. Прозорците на втория етаж горят с уютна светлина, самотен фенер дава своята приятелска светлина на пътник, който може да е тук в тъмна нощ. Изглежда - обикновен, доста реалистичен ноктюрно. Всеки „традиционен“ художник може да напише такава картина.

Но дали е вярно? Защо тогава възниква смътно безпокойство, което кара зрителя да се вглежда все по-отблизо в картината? Тази тревога няма да напусне, докато изведнъж не стане ясно - небето, ето какво е! Синьо небе с бели пухкави облаци, които тичат весело. И това е късно през нощта! Само не питайте как е възможно това, защото нищо не е невъзможно в света на Магрит. Като никой друг, този художник обича да свързва несъвместимото, да въвежда детайли в картините си, които толкова рязко контрастират един с друг, че зрителят първо изпитва лек шок, но след това умът му започва да работи двойно интензивно, опитвайки се да намери решение към предложената шарада.

Самият Магрит каза следното за нея: „Съчетах различни концепции в Empire of Light, а именно нощния пейзаж и небето в цялата му прелест на дневна светлина. Пейзажът ни кара да мислим за нощта, небето - за деня. Според мен този едновременен феномен на деня и нощта има силата да изненадва и омагьосва. И тази сила аз наричам поезия.

Рене Магрит лично

"Автопортрет" ("Бдителен поглед")

Спомняйки си детството си, той пише: „Спомням си учудването си, когато за първи път видях шахматната дъска, фигурите върху нея. Плашещо впечатление! Нотни листове, където мистериозни знаци означават звук, а не думи! Ето една малка ранна работа на художника - "Изгубеният жокей", който се превърна в негов творчески манифест.

Ездачът, който се втурна с пълна скорост върху напупан кон, се изгуби в нереална горичка от огромни шахматни фигури, боядисани с ноти.

Картина „Карт бланш” или „Препятствие на празнотата”.

Магрит пише за нея: „Видимите неща могат да бъдат невидими. Ако например някои хора яздят през гора, тогава първо ги виждате, после не ги виждате, но знаете, че са там. В картината „Карт бланш“ ездачът засенчва дърветата, а те нея. Но нашата сила на мислене обхваща както видимото, така и невидимото и с помощта на рисуването аз правя мислите видими.”

Картина "Забранена раздвоение"

Интересно е да се отбележи, че при Магрит само изображенията на птици са свободни от асоциативни сложности. Птиците носят положителната енергия на полета, нищо повече. Няма птици мъртви, паднали, със счупени крила. Птиците са живи и крилете им са пълни с ярките сини и бели перести облаци на Магрит (Голямо семейство, 1963).

На 15 август 1967 г. Рене Магрит умира от рак. Отиде си един от художниците-магьосници на 20 век, който приживе много приличаше на уважаван фармацевт.
Той водеше тих и спокоен живот на белгиец от улицата, далеч от бохемската суматоха - човек, който трудно се отличава от тълпата. Мечти, парадокси, страхове, мистериозни опасности заляха само неговите картини, но не и живота. Художникът се бореше със скуката само в творчеството. Редовността на всеки ден го устройваше напълно, той дори рисува повечето от картините си в трапезарията и до края на живота си предпочиташе трамвая пред другите видове транспорт.
Някак си, малко преди смъртта си, Магрит, този изтънчен майстор, каза: "Все още не разбирам причината, поради която живеем и умираме." Може би художникът просто е шифровал уликите за причините и мистериите на съществуването в своите пъзел картини? Всичко може да бъде. Тогава трябва да ги разгледате!

На 2 юни 2009 г. в Брюксел беше открит нов музей, посветен на творчеството на известния художник сюрреалист Рене Магрит. Кралският музей за изящни изкуства отдели за него помещение от 2,5 хиляди квадратни метра. Експозицията на музея Рене Магрит включва повече от 200 произведения на автора - това е най-голямата колекция в света.

(Фр. Рене Франсоа Гислен Магрит; роден - 21 ноември 1898 г., Лесин, починал - 15 август 1967 г., Брюксел) - белгийски художник-сюрреалист. Известен като автор на остроумни и същевременно поетично загадъчни картини.

Рене Магрит беше гледан с подозрение. Особено лекарите. Особено психоаналитиците. Тези, които не забелязаха никакви психически отклонения зад този художник, след това рязко промениха мнението си на обратното. Как се запознахте с творчеството му?

Но в отговор на техните посегателства самият художник, не без сарказъм, твърди, че най-добрият пациент за психоаналитик е друг психоаналитик. А най-популярният в онези дни Зигмунд Фройд изобщо не се приемаше на сериозно. Но той продължи да рисува ябълки и лица, огледала с фантастични отражения, ковчези за седящи мъртви и други странности и неразбираемости.

Рене прекарва детството и младостта си в малкия индустриален град Шарлероа. Животът беше тежък.

Рене Магрит "Син човешки", 1964 г.

През 1912 г. майка му се удавя в река Самбре, което очевидно оказва голямо влияние върху тогавашния тийнейджър, бъдещ художник. При намирането на трупа главата му е била внимателно увита в лека марля.

Вероятно затова специално място в творчеството на Магрит заемат лицата или по-скоро тяхното отсъствие. Най-често лицето на портрета или е покрито с чужд предмет, или е увито в плат, или просто вместо лицето е изобразена тила или друга част от тялото.

Магрит върна от детството си редица други, не толкова трагични, но не по-малко мистериозни спомени, за които самият той каза, че са отразени в творчеството му.

В началото на 1916 г. Магрит учи в Кралската академия за изящни изкуства в Брюксел и напуска Академията през 1918 г. По същото време той среща Жоржет Бергер, за която се жени през 1922 г. и живее с нея до смъртта си през 1967 г.

Заплашеният убиец - 1927 г

Картините на Магрит се характеризират с отделен, така да се каже, невъзмутим стил. Те изобразяват обикновени предмети, които Магрит, за разлика от други големи сюрреалисти (Дали, Ернст), почти никога не губят своята „обективност“: те не се разпространяват, не се превръщат в свои собствени сенки. Много странната комбинация от тези предмети обаче е поразителна и те кара да се замислиш. Невъзмутимостта на стила само задълбочава тази изненада и потапя зрителя в някакъв поетичен ступор, породен от самата мистерия на нещата.

На 14-годишна възраст Рене среща момиче на име Жоржет. Няколко години по-късно тя става негова съпруга, любовница, муза, колежка и приятелка – единствената жена модел на артиста. В живота му не е имало други жени. Красивото лице на Жоржет е неуловимо в картините на Магрит. Тя е мъглива и криптирана, като неуловима красота.

Значението на нощта 1927

Целта на Магрит, по собственото му признание, е да накара зрителя да мисли. Поради това картините на художника често приличат на пъзели, които не могат да бъдат напълно решени, тъй като повдигат въпроси за самата същност на битието: Магрит винаги говори за измамността на видимото, за неговата скрита мистерия, която обикновено не забелязваме. Има цикъл от творби на художника, в които той пише под обикновени предмети: това не е той. Особено популярна е картината „Предателство на образите“, която изобразява димяща лула с надпис „Това не е лула“. Така Магрит отново напомня на зрителя, че изображението на обекта не е самият обект.

Той, подобно на Дали и други сюрреалисти, пренася мечти и мисли върху платното. но мразеше, когато критиците го наричаха сюрреалист. „Аз съм магически реалист“, каза си Магрит.

На 18-годишна възраст Рене отива да учи в Брюкселската академия за изящни изкуства, където бързо осъзнава, че за него да пренесе детайлите от реалния живот върху платното е смъртен копнеж. Тук той „се разболява” от кубизма и футуризма в духа на Фернан Леже, но се излекува от запознаването с творчеството на Макс Ернст и Джорджо де Кирико.

Time Fixed 1938

Като цяло, имената на картините играят специална роля в Магрит. Почти винаги са поетични и на пръв поглед нямат нищо общо със самия образ. И точно в това вижда значението им самият художник: той вярва, че скритата поетична връзка между името и картината допринася за онази магическа изненада, която Магрит вижда като цел на изкуството.

През 1921 г. Магрит е призован в армията и година по-късно, след завръщането си към цивилния живот, той получава работа като чертожник във фабрика за тапети, където прекарва часове, пишейки рози върху хартия с големи детайли (розите по-късно ще станат една от лайтмотивите на картините му - символ на фаталната и опасна красота - "Гробът на борец", 1961). След това, заедно с брат си, той отваря рекламна агенция, която им позволява скоро да забравят за належащите проблеми.

През 1930 г. има скъсване с Бретон. Магрит се завръща в Брюксел и заедно с Пол Делво става един от лидерите на сюрреалистичното движение тук. През този плодотворен период на дейност Магрит създава редица картини с мистериозни и поетични теми, включително най-често копираната му картина „Състоянието на човека“ (1935). Образът на морето в картината на статив, стоящ пред отворен прозорец, по чудо се слива с „истинската“ морска гледка от прозореца.

Когато германците окупират Белгия през 1940 г., Магрит първо прекарва три месеца в изгнание в Каркасон (Франция), след което се завръща в Брюксел, където оцелява след войната. Веднага след войната Магрит решава да рисува с широки щрихи в стила на Реноар и Матис, обяснявайки това с необходимостта да намери радост, за разлика от общия песимизъм на онези години. Този период в работата на Магрит най-често се нарича период на „ярко слънце“ („plein soleil“). Но мотивите на импресионизма и фовизма в творчеството на майстора на мистериозните картини не убедиха публиката и критиката и до 1948 г. художникът се върна към собствения си стил.

„Вземам произволен обект или тема като въпрос“, пише той, „и след това се заех да търся друг обект, който би могъл да послужи като отговор. За да стане кандидат за отговор, обектът, който се търси, трябва да бъде свързан с въпросния обект чрез набор от тайнствени връзки. Ако отговорът се предлага с пълна яснота, тогава връзката между двата обекта се установява. И още: „За мен мисълта първоначално се състои само от видими неща, а самата тя може да стане видима благодарение на рисуването.“ Рене Магрит

През 50-те години художникът създава едни от най-известните си творби. Сред тях е картината "Голконда" (1953). Художникът изобразява десетки спретнато облечени рентиери (с бомбета, вратовръзки и модни палта), които се реят в безкрайно пространство, като същевременно запазват абсолютно невъзмутимост. Голконда е древен град в Индия, който се е превърнал в синоним на безброй съкровища и богатства, защото именно тук са открити много известни диаманти и други скъпоценни камъни. Хората на снимката изглежда са привлечени от съкровищата на Голконда.

През 1950-1960 г. картините на Рене Магрит разтърсват американския арт пазар, където цял сезон се провеждат само негови изложби. Парите се изсипват от всички страни, но този човек с лице на любезен фармацевт, както твърдят близките му, остава верен на себе си: никаква бохема, скромен дом, тиха работилница и каране на любимия си транспорт - трамвая.

Магрит умира на 15 август 1967 г. на 69-годишна възраст от рак, оставяйки нова версия на може би най-известната си картина „Империята на светлината“ недовършена. Тя завинаги остана в стаята им на статив. Жоржет каза, обръщайки се към съпруга си: „В едно нещо си сгрешил - в крайността на собствения си живот, в победата на смъртта над всичко. Ти остана жив не само за мен, но и за всички, които гледат твоите картини: все пак всички ти си в тях. Гледам ги, говоря с теб и споря, както винаги. Все пак направи това, за което си мечтал. Ти проникна в огледалото, но остана. Ти победи смъртта."

Той се стреми да унищожи обичайната представа за добре познатото, непроменливо, да накара обекта да се види в ново измерение, което води зрителя до объркване. В своите платна той създава свят на фантазия и мечти от реални неща, потапяйки зрителите в атмосфера на мечти и мистерия. Художникът брилянтно знаеше как да "насочва" чувствата си. Изглежда, че светът, създаден от художника, е статичен и солиден, но сюрреалистичното винаги нахлува в обикновеното, унищожавайки този познат свят (обикновена ябълка в стаята, растяща, измества хората или парен локомотив изскача от камината в пълен обем) скорост - „Пронизано време“, 1938).

Белгийският художник сюрреалист Рене Магрит - живот и творчествоактуализиран: 21 октомври 2018 г. от: уебсайт

Белла Адзеева

Белгийският художник Рене Магрит, въпреки несъмнената си принадлежност към сюрреализма, винаги е стоял отделно в движението. Първо, той беше скептичен към може би основното хоби на цялата група на Андре Бретон - психоанализата на Фройд. Второ, самите картини на Магрит не приличат нито на лудите сюжети на Салвадор Дали, нито на странните пейзажи на Макс Ернст. Магрит използва предимно обикновени ежедневни изображения - дървета, прозорци, врати, плодове, фигури на хора - но картините му са не по-малко абсурдни и мистериозни от работата на ексцентричните му колеги. Без да създава фантастични предмети и същества от дълбините на подсъзнанието, белгийският художник прави това, което Лотреамон нарича изкуство - организира "среща на чадър и пишеща машина на операционната маса", съчетавайки банални неща по небанален начин. Изкуствоведите и ценителите все още предлагат нови интерпретации на неговите картини и техните поетични заглавия, почти никога не свързани с изображението, което още веднъж потвърждава, че простотата на Магрит е измамна.

Самият Рене Магрит наричаше изкуството си дори не сюрреализъм, а магически реализъм и беше много недоверчив към всякакви опити за интерпретация и още повече към търсенето на символи, твърдейки, че единственото нещо, което трябва да се направи с картините, е да се разглеждат.

От този момент нататък Магрит периодично се връща към образа на мистериозен непознат с бомбе, изобразявайки го или на пясъчен морски бряг, или на градски мост, или в зелена гора, или изправен пред планински пейзаж. Може да има двама или трима непознати, те стоят с гръб към зрителя или наполовина, а понякога - както например в картината High Society (1962) (може да се преведе като "Висше общество" - бел.ред.) - художникът посочи само контурите на мъжете в бомбе, изпълвайки го с облаци и зеленина. Най-известните картини, изобразяващи непознат, са "Голконда" (1953) и, разбира се, "Синът на човека" (1964) - най-тиражираната творба на Магрит, пародиите и алюзиите към която са толкова често срещани, че изображението вече живее отделно от своето създател. Първоначално Рене Магрит рисува картината като автопортрет, където фигурата на мъж символизира модерен човек, който е загубил своята индивидуалност, но остава син на Адам, който не може да устои на изкушенията - оттук и ябълката, покриваща лицето му.

"Любовници"

Рене Магрит доста често коментира картините му, но остави една от най-мистериозните – „Любовници” (1928) – без обяснение, оставяйки поле за тълкуване от страна на изкуствоведите и феновете. Първият отново видя в картината препратка към детството на художника и преживяванията, свързани със самоубийството на майката (когато тялото й беше извадено от реката, главата на жената беше покрита от подгъва на нощницата й - бел. ред.). Най-простата и очевидна от съществуващите версии - "любовта е сляпа" - не вдъхва доверие сред специалистите, които често тълкуват картината като опит да се предаде изолацията между хора, които не могат да преодолеят отчуждението дори в моменти на страст. Други виждат тук невъзможността да се разберат и опознаят докрай близки хора, трети разбират „Влюбените” като реализирана метафора за „загубата на главата от любов”.

През същата година Рене Магрит рисува втора картина, наречена „Любовници“ - върху нея лицата на мъж и жена също са затворени, но техните пози и фон са променени, а общото настроение се е променило от напрегнато към мирно.

Както и да е, "Любовниците" остава една от най-разпознаваемите картини на Магрит, чиято мистериозна атмосфера е заимствана от днешните художници - например обложката на дебютния албум на британската група Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep в Conversation (2003) се позовава на него.

„Предателство на образите“, или Не е ...

Имената на картините на Рене Магрит и връзката им с образа е тема за отделно изследване. „Стъклен ключ“, „Постигане на невъзможното“, „Човешка съдба“, „Препятствие на празнотата“, „Красив свят“, „Империя на светлината“ са поетични и мистериозни, те почти никога не описват това, което зрителят вижда на платното, но какво значение иска художникът да вложи в името, във всеки отделен случай трябва само да се гадае. „Заглавията са избрани по такъв начин, че да не ми позволяват да поставя картините си в областта на познатото, където автоматизмът на мисълта със сигурност ще работи, за да предотврати безпокойството“, обясни Магрит.

През 1948 г. той създава картината „Предателство на образите“, която става една от най-известните творби на Магрит благодарение на надписа върху нея: художникът преминава от непоследователност към отричане, като пише „Това не е лула“ под изображението на лула . „Тази прословута лула. Как хората ме упрекваха с нея! И все пак, можете да я напълните с тютюн? Не, това е само снимка, нали? Така че, ако напиша под снимката „Това е лула“, бих лъжи!" каза художникът.

Скай Магрит

Небето с облаци, носещи се по него, е толкова ежедневен и използван образ, че изглежда невъзможно да се превърне във „визитна картичка“ на даден художник. Небето на Магрит обаче не може да бъде объркано с чуждо - по-често поради факта, че в картините му се отразява в изящни огледала и огромни очи, изпълва контурите на птиците и заедно с линията на хоризонта от пейзажа неусетно преминава към стативът (серия „Човешка съдба“). Спокойното небе служи като фон за непознат с бомбе ("Decalcomania", 1966), замества сивите стени на стаята ("Лични ценности", 1952) и се пречупва в триизмерни огледала ("Елементарна космогония" , 1949).

Известната "Империя на светлината" (1954), изглежда, изобщо не прилича на работата на Магрит - във вечерния пейзаж на пръв поглед нямаше място за необичайни предмети и мистериозни комбинации. И все пак има такава комбинация и тя прави картината "Магрит" - ясно дневно небе над езеро и къща, потънала в мрак.

Тук публикувах картини на Рене Магрит със заглавия. Също така малко факти за характера и философията на този човек. Тези, които желаят да научат повече за биографията на този художник, ви съветвам да гледате филма Монсеньор Магрит.

Дълго време отлагах тази публикация, не защото не харесвам Рене Магрит, а точно обратното, заради значимостта на този феномен. Всъщност, според моето разбиране, стълбовете на сюрреализма в живописта са двама души: Салвадор Дали и Рене Магрит. Те са като Толкин и Луис във фентъзи. Магрит и Дали са имали и продължават да оказват влияние върху всички сюрреалисти.

Те обаче бяха двама напълно различни хора, толкова различни, колкото се различаваха снимките им. Рене Магрит, за разлика от Дали, както и от всички останали сюрреалисти, не обичаше да шокира публиката, не водеше битки, не използваше мухоморки за вдъхновение и прекара целия си живот с една жена - съпругата му Джорджет, главната муза, сродна душа и модел.

Философията на Рене Магрит

Любопитното е, че човекът, който заедно с Дали се счита за класик на сюрреализма, дори не признава философията на това течение, в което психоанализата заема едно от основните места. Белгиецът вярваше, че творчеството не може да бъде анализирано, че то е загадка, философски пъзел, но не и предмет на фройдистки анализ.

Като се има предвид тази философия, не е изненадващо, че много от неговите творби често предизвикват недоумение и усещането, че художникът се подиграва с вас. Очевидно такава двусмисленост и символизъм допринесоха за създаването на много пародии и инсталации върху неговите картини. Особено популярна в това отношение е картината "син човешки".

Съвсем свестен бюргер :) Това не ти е Дали с скафандъра :)

Като цяло Магрит беше тих, спокоен човек и най-интересните неща се случваха в главата му. Може би затова са направени толкова малко филми за Рене Магрит, за разлика от Дали.

Тук няма да изброявам сухо фактите от неговата биография, 100 500 други хора вече са направили това за мен. Не мисля, че хората посещават блога за това, в крайна сметка за това е pediwiki. Ако искате да се запознаете с биографията на този художник, съветвам ви да гледате филма Мосю Рене Магрит (Monsieur Rene Magritte) 1978. Това е по-интересно от четенето на сух текст в Wikipedia (с цялото ми уважение към pediviki).

Картини на Рене Магрит със заглавия

Всичко, което този човек е искал да ни каже – той го е казал с картините си. Картините на Рене Магрит, за разлика от бурния натиск на причудливите видения на Дали, са по-спокойни и философски. В допълнение, платната на Магрит са пропити с много странно чувство за хумор. Какво струва само неговата снимка на лула, с подпис отдолу - това не е лула.

La Philosophie dans le boudoir (Философия в будоара)

La Magie noire (Черна магия) Твърди се, че всички женски образи в неговите картини са образи на жена му. Гледайки тази снимка, започвате да разбирате защо е живял целия си живот с една жена. Според мен много по-красива от Гала.

La Memoire (Памет).

Cosmogonie Elementaire (Елементарна космогония).

La Naissance de l'idole (Раждане на идол).

La Belle captive (Красивата пленница).

L'Invention collective (Колективно изобретение), картина на Рене Магрит.

Les Amants (Любовниците), Рене Магрит, картини, сюрреализъм.

Le Therapeute II (Терапевт II), Рене Магрит, художници, сюрреализъм.

Le Fils de l'homme (Човешки син), Рене Магрит. Една от най-известните картини на художника.

Le Faux miroir (Фалшиво огледало),

Le Coup au coeur (Удар в сърцето)

Алогизъм, абсурд, комбинация от несъвместима, парадоксална визуална променливост на образи и фигури - това е основата на основите на сюрреализма. Основателят на тази тенденция се счита за този, който в сърцето на сюрреализма видя въплъщение на теорията за подсъзнанието на Зигмунд Фройд. Именно на тази основа много представители на посоката създадоха шедьоври, които не отразяваха обективната реалност, а бяха просто въплъщение на индивидуални образи, вдъхновени от подсъзнанието. Платната, рисувани от сюрреалистите, не могат да бъдат продукт нито на доброто, нито на злото. Всички те предизвикваха различни емоции у различните хора. Следователно можем да кажем с увереност, че тази посока на модернизма е доста противоречива, което допринесе за бързото му разпространение в живописта и литературата.

Сюрреализмът като илюзорен и литература на ХХ век

Салвадор Дали, Пол Делво, Рене Магрит, Жан Арп, Макс Ернст, Джорджо де Кирико, Ив Танги, Майкъл Паркс и Дороти Танинг са стълбовете на сюрреализма, възникнал във Франция през 20-те години на миналия век. Тази посока не беше териториално ограничена до Франция, разпространявайки се в други страни и континенти. Сюрреализмът значително улесни възприемането на кубизма и абстрактното изкуство.

Един от основните постулати на сюрреалистите беше идентифицирането на енергията на творците с подсъзнанието на човек, което се проявява в сън, под хипноза, в делириум по време на болест или случайни творчески прозрения.

Отличителни черти на сюрреализма

Сюрреализмът е сложна посока в живописта, която много художници разбират и разбират по свой начин. Ето защо не е изненадващо, че сюрреализмът се развива в две концептуално различни посоки. Миро, Макс Ернст, Жан Арп и Андре Масон могат безопасно да бъдат приписани на първия клон, в чиито творби основното място е заето от изображения, които плавно се превръщат в абстракция. Вторият клон взема за основа въплъщението на нереален образ, генериран от подсъзнанието на човек, с илюзорна точност. В тази посока работи Салвадор Дали, който е идеален представител на академичната живопис. Неговите творби се характеризират с точно предаване на светлосенка и внимателен начин на писане - плътните предмети имат осезаема прозрачност, докато твърдите се разпространяват, масивните и обемни фигури придобиват лекота и безтегловност, а несъвместимите могат да се комбинират в едно.

Биография на Рене Магрит

Наравно с произведенията на Салвадор Дали е творчеството на Рене Магрит, известен белгийски художник, роден в град Лесин през 1898 г. В семейството, с изключение на Рене. има още две деца, а през 1912 г. се случва нещастие, което засяга живота и работата на бъдещия художник - майка му умира. Това е отразено в картината на Рене Магрит "В памет на Мак Сенет", която е нарисувана през 1936 г. Самият художник твърди, че обстоятелствата не са повлияли на живота и работата му.

През 1916 г. Рене Магрит постъпва в Брюкселската академия по изкуствата, където среща бъдещата си муза и съпруга Жоржет Бергер. След като завършва Академията, Рене работи върху създаването на рекламни материали и се отнася към това доста пренебрежително. Футуризмът, кубизмът и дадаизмът оказват огромно влияние върху художника, но през 1923 г. Рене Магрит за първи път вижда творбата на Джорджо де Кирико „Песен на любовта“. Именно този момент стана отправна точка за развитието на сюрреалиста Рене Магрит. По същото време започва формирането на течение в Брюксел, а Рене Магрит става негов представител заедно с Марсел Лекамте, Андре Сури, Пол Нуже и Камил Геманс.

Творчеството на Рене Магрит.

Творбите на този художник винаги са били противоречиви и привличат много внимание.

На пръв поглед картината на Рене Магрит е изпълнена със странни образи, които са не само мистериозни, но и двусмислени. Рене Магрит не засегна въпроса за формата в сюрреализма, той вложи визията си в смисъла и значението на картината.

Много художници обръщат специално внимание на заглавията. Особено Рене Магрит. Картини с имената "Това не е тръба" или "Син човешки" събуждат мислителя и философа в зрителя. Според него не само картината трябва да насърчава зрителя да покаже емоции, но и заглавието трябва да изненада и да ви накара да се замислите.
Що се отнася до описанията, много сюрреалисти дадоха кратка анотация на своите платна. Рене Магрит не прави изключение. Картините с описание винаги са присъствали в рекламната дейност на художника.

Самият художник нарича себе си "магически реалист". Целта му беше да създаде парадокс, а обществото да си направи изводите. Рене Магрит в творбите си винаги ясно очертава границата между субективния образ и реалната реалност.

Картина "Любовници"

Рене Магрит рисува поредица от картини "Любовници" през 1927-1928 г. в Париж.

Първата снимка показва мъж и жена, които са се слели в целувка. Главите им са увити в бял плат. Второто платно изобразява същите мъж и жена в бяла кърпа, които гледат от картината към публиката.

Бялата тъкан в творбите на художника предизвиква и предизвиква бурни дискусии. Има две версии. Според първата бяла тъкан в творбите на Рене Магрит се появява във връзка със смъртта на майка му в ранна детска възраст. Майка му скочи от моста в реката. Когато тялото й беше извадено от водата, беше намерена бяла кърпа, увита около главата й. Що се отнася до втората версия, мнозина знаеха, че художникът е фен на Фантомас, героят на популярния филм. Следователно може да се окаже, че бялата тъкан е почит към страстта към киното.

За какво е тази снимка? Много хора смятат, че картината „Любовници“ олицетворява сляпата любов: влюбвайки се, хората спират да забелязват някого или нещо различно от своята сродна душа. Но хората остават загадки за себе си. От друга страна, гледайки целувката на влюбените, може да се каже, че те са загубили главите си от любов и страст. Картината на Рене Магрит е изпълнена с взаимни чувства и преживявания.

"Човешки син"

Картината на Рене Магрит "Човешкият син" се превърна в отличителен белег на "магическия реализъм" и автопортрет на Рене Магрит. Именно тази работа се смята за една от най-противоречивите творби на майстора.

Художникът скри лицето си зад ябълка, сякаш казваше, че всичко не е такова, каквото изглежда и че хората постоянно искат да влязат в душата на човека и да разберат истинската същност на нещата. Картината на Рене Магрит едновременно скрива и разкрива същността на самия майстор.

Рене Магрит изиграва важна роля в развитието на сюрреализма и творчеството му продължава да вълнува умовете на все повече нови поколения.