Картина от Рене Магрит: Прогноза. Рене Магрит

Бела Адцеева

Белгийският художник Рене Магрит, въпреки несъмнената си принадлежност към сюрреализма, винаги е стоял отделно в движението. Първо, той беше скептичен към може би основното хоби на цялата група на Андре Бретон - психоанализата на Фройд. Второ, самите картини на Магрит не приличат нито на лудите сюжети на Салвадор Дали, нито на странните пейзажи на Макс Ернст. Магрит използва предимно обикновени ежедневни образи – дървета, прозорци, врати, плодове, човешки фигури – но картините му са не по-малко абсурдни и мистериозни от творбите на неговите ексцентрични колеги. Без да създава фантастични предмети и същества от дълбините на подсъзнанието, белгийският художник прави това, което Лотреамон нарича изкуство - организира "среща на чадър и пишеща машина на операционната маса", съчетавайки банални неща по небанален начин. Изкуствоведите и ценителите все още предлагат нови интерпретации на неговите картини и техните поетични заглавия, почти никога не свързани с изображението, което още веднъж потвърждава, че простотата на Магрит е измамна.

Самият Рене Магрит наричаше изкуството си дори не сюрреализъм, а магически реализъм и беше много недоверчив към всякакви опити за интерпретация и още повече към търсенето на символи, твърдейки, че единственото нещо, което трябва да се направи с картините, е да се разглеждат.

От този момент нататък Магрит периодично се връща към образа на мистериозен непознат с бомбе, изобразявайки го или на пясъчния морски бряг, или на градски мост, или в зелена гора, или изправен пред планински пейзаж. Може да има двама или трима непознати, те стоят с гръб към зрителя или полустрани, а понякога - както например в картината High Society (1962) (може да се преведе като "Висше общество" - бележка на редактора) - художникът посочи само контур на мъже в бомбе, изпълвайки го с облаци и листа. Най-известните картини, изобразяващи непознат, са „Голконда“ (1953) и, разбира се, „Синът на човека“ (1964) - най-често възпроизвежданата творба на Магрит, пародии и алюзии към която се срещат толкова често, че образът вече живее отделно от неговият създател. Първоначално Рене Магрит рисува картината като автопортрет, където фигурата на мъж символизира модерен човек, който е загубил своята индивидуалност, но остава син на Адам, който не може да устои на изкушенията - оттук и ябълката, покриваща лицето му.

"Любовници"

Рене Магрит доста често коментира картините си, но остави една от най-мистериозните - „Любовници“ (1928) без обяснение, оставяйки място за интерпретация на изкуствоведите и феновете. Първите отново видяха в картината препратка към детството на художничката и преживяванията, свързани със самоубийството на майка й (когато тялото й беше извадено от реката, главата на жената беше покрита с подгъва на нощницата й - бел.ред.). Най-простата и очевидна от съществуващите версии - „любовта е сляпа“ - не вдъхва доверие сред експертите, които често тълкуват картината като опит за предаване на изолация между хора, които не могат да преодолеят отчуждението дори в моменти на страст. Други виждат тук невъзможността да се разберат и опознаят докрай близките хора, докато трети разбират „Любовници“ като реализирана метафора за „загуба на главата от любов“.

През същата година Рене Магрит рисува втора картина, наречена „Любовници“ - в нея лицата на мъжа и жената също са затворени, но техните пози и фон са променени, а общото настроение се е променило от напрегнато към мирно.

Както и да е, „Любовниците“ остава една от най-разпознаваемите картини на Магрит, чиято мистериозна атмосфера е заимствана от днешните художници - например обложката на дебютния албум на британската група Funeral for a Friend Casually Dressed & Deep в Conversation (2003) се позовава на него.

„Предателството на образите“, или това не е...

Имената на картините на Рене Магрит и връзката им с образа е тема за отделно изследване. „Стъклен ключ“, „Постигане на невъзможното“, „Човешка съдба“, „Препятствие на празнотата“, „Красив свят“, „Империя на светлината“ са поетични и мистериозни, те почти никога не описват това, което зрителят вижда на платното, но какво значение иска художникът да вложи в името, във всеки отделен случай трябва само да се гадае. „Заглавията са избрани по такъв начин, че да не ми позволяват да поставя картините си в областта на познатото, където автоматизмът на мисълта със сигурност ще работи, за да предотврати безпокойството“, обясни Магрит.

През 1948 г. той създава картината „Предателство на образите“, която става една от най-известните творби на Магрит благодарение на надписа върху нея: художникът преминава от непоследователност към отричане, като пише „Това не е лула“ под изображението на лула . „Тази прословута лула. Как хората ме упрекваха с нея! И все пак, можете да я напълните с тютюн? Не, това е само снимка, нали? Така че, ако напиша под снимката „Това е лула“, бих лъжи!" - каза художникът.

Небето на Магрит

Небето с облаци, носещи се по него, е толкова ежедневен и използван образ, че изглежда невъзможно да се превърне във „визитна картичка“ на даден художник. Небето на Магрит обаче не може да бъде объркано с чуждо - по-често поради факта, че в картините му се отразява в изящни огледала и огромни очи, изпълва контурите на птиците и заедно с линията на хоризонта от пейзажа неусетно преминава към стативът (серия „Човешка съдба“). Спокойното небе служи като фон за непознат с бомбе ("Decalcomania", 1966), замества сивите стени на стаята ("Лични ценности", 1952) и се пречупва в триизмерни огледала ("Елементарна космогония" , 1949).

Известната "Империя на светлината" (1954), изглежда, изобщо не прилича на работата на Магрит - във вечерния пейзаж на пръв поглед нямаше място за необичайни предмети и мистериозни комбинации. И все пак има такава комбинация и тя прави картината "Магрит" - ясно дневно небе над езеро и къща, потънала в мрак.

Бела Адцеева

"Любовници"

„Предателството на образите“, или това не е...

Небето на Магрит

Един от най-забележителните художници на миналия век, Рене Магрит (1898-1967) е родом от Белгия. През 1912 г. майка му се удави в реката, което очевидно е направило голямо впечатление на тогавашния тийнейджър, бъдещ художник, но, противно на общоприетото схващане, не трябва да се надценява влиянието на това събитие върху творчеството на автора. Магрит върна от детството си редица други, не толкова трагични, но не по-малко мистериозни спомени, за които самият той каза, че са отразени в творчеството му.

Образован в Академията за изящни изкуства в Брюксел, той първоначално е силно повлиян от дадаизма и кубизма. 1925 г. е повратна точка в творчеството му: картината "Розите на Пикардия" бележи нов стил и ново отношение - "поетичен реализъм". Художникът се премества в "центъра на сюрреализма" - Париж, където участва във всички сюрреалистични изложби. И през 1938 г. Лондонската художествена галерия организира първата голяма изложба на белгийския майстор.

В началото на 1950г. Изкуството на Магрит получава все по-голямо международно признание, както се вижда от големите му изложби в Рим, Лондон, Ню Йорк, Париж и Брюксел. През 1956 г. Магрит, като изключителен представител на културата на Белгия, е удостоен с престижната награда "Гугенхайм".

В картината "Фалшиво огледало" (1929), която изразява идейното кредо на художника, цялото пространство е заето от образа на огромно око. Само вместо ириса, зрителят вижда лятно синьо небе с прозрачни облаци, плаващи по него. Заглавието обяснява идеята на картината: сетивните органи отразяват само външния вид на нещата, без да предават скритите дълбини на света, неговите тайни. Само несъвместимото помага, според Магрит, да се разбере смисълът на битието. Един образ може да се роди само от сливането на две повече или по-малко отдалечени реалности.

Магрит ще следва този метод през цялата си творческа кариера, което е особено забележимо в неговите „философски“ картини. Една от тях е Ваканцията на Хегел (1958).

„Последната ми картина - пише той - започна с въпроса: как да изобразя чаша вода в картина по такъв начин, че да не ни е безразлична? Но в същото време по такъв начин, че няма да е особено странно, произволно или незначително.Едно.с една дума,за да може да се каже: гениално (да оставим излишния срам).
Започнах да рисувам чашите една по една (три скици), всеки път с кръстосана черта (скица). След стотната или сто и петдесетата
рисунка, ударът стана малко по-широк (контур). Първоначално чадърът стоеше в стъклото (скица), но след това се озова под него (скица).
Така намерих решение на първоначалния въпрос: как чаша вода може да бъде изобразена по брилянтен начин. Скоро разбрах, че тази тема може да представлява голям интерес за Хегел (той също е гений), защото моята тема съчетава две противоположни
стремежи: не иска вода (отблъсква я) и иска вода (вдига я). Мисля, че щеше да му хареса или да му се стори смешно (например по време на празниците). Затова нарекох картината „Ваканцията на Хегел“.

Магрит рязко се откроява сред сюрреалистите: за разлика от тях той използва не фантастични, а битови елементи, взети в странни отношения. Това е известната му картина „Лично имущество” (1952).

„Ключът“ тук също става името. „Личното” е хипертрофирано до чудовищни размери. Стаята се превръща в един вид "микрокосмос", затворен, притиснат, въпреки небето с облаци, плаващи по него вместо стени. Всички неща тук са се променили странно, сякаш са оживели, придобили са неутилитарен вид, въпреки че, както винаги при Магрит, предметите не са променили външния си вид, текстура, цвят и са идеално „разпознаваеми“. Зрителят, сякаш мимоходом, се възхищава на синкавия блясък на стъклото на стъклото, текстурата на дървените мебели и умението да предава огледални отражения. Но именно мимоходом, защото предметите сякаш са добили самостоятелност, сякаш говорят от името на собственика си, напълно узурпирайки неговата „водеща” роля. Самите те са се превърнали в „личности“ и сякаш водят разговор помежду си.

Една от характеристиките на ранната живопис на Магрит е нейната „литературност“ в добрия смисъл на думата. Магрит се движи в кръг от поети, философи, писатели, изучава теоретичните трудове на известни романтици от 19 век. Той е силно повлиян от произведенията на английския романтичен поет и философ от началото на 19 век. Самюъл Тейлър Колридж, който почита предимно символизма в изкуството - като „пълното подчинение на материята на духа, че материята се превръща в символ, чрез който духът се разкрива“.

Тази идея е илюстрирана по-специално от известната картина на Магрит „Освобождение“ („Полет в полетата“), създадена през 1933 г.

От счупен прозорец се открива странен пейзаж. Зеленикави вечерни хълмове, кълбовидни сини дървета, прозрачно седефено небе, сини далечини. Брилянтно използвайки техниките на тоналната живопис, художникът създава настроение на радостно въодушевление, очакване на нещо необикновено и прекрасно. Топлият нюанс на завесите на преден план засилва впечатлението за ефирността на този омагьосан пейзаж... Картините на Магрит изглеждат като правени със спокойна, безстрашна ръка. Майстор на цвета, Магрит го използва пестеливо и пестеливо. В "Освобождение" символиката на цвета е използвана за изразяване на сложни асоциации. Петна от синьо, розово, жълто и черно придават на изображението невероятна цветова пълнота и жизненост.

Оригиналността на творчеството на Рене Магрит ще бъде разкрита по-пълно, ако се обърнем към темата "Сюрреализъм и фройдизъм". Основният теоретик на сюрреализма Андре Бретон, психиатър по професия, придава решаващо значение на психоанализата на Фройд при оценката на творчеството на художника. Фройдистките възгледи не само бяха възприети от много сюрреалисти - те станаха техен начин на мислене. Например за Салвадор Дали, по негово собствено признание, светът на идеите на Фройд означава толкова, колкото светът на Светото писание за средновековните художници или светът на древната митология за майсторите на Ренесанса.

„Методът на свободните асоциации“, предложен от Зигмунд Фройд, неговата „теория за грешките“ и „тълкуването на сънищата“ бяха насочени основно към идентифициране на болезнени психични разстройства с цел излекуване. Към това беше насочена и интерпретацията на произведенията на изкуството, предложена от Фройд. Но с това разбиране изкуството се свежда до частен, така да се каже, „лечебен” фактор. Това беше погрешността на подхода на теоретиците на сюрреализма към произведенията на изкуството. Магрит е бил наясно с това, отбелязвайки в едно от писмата си през 1937 г.: "Изкуството, както го разбирам, не е обект на психоанализа. То винаги е мистерия." Художникът третира иронично опитите да интерпретира картините си с помощта на психоанализата: "Те решиха, че моят" Червен модел "е пример за кастрационен комплекс. След като изслушах няколко обяснения от този вид, направих рисунка според всички " правила" на психоанализата. Естествено, те го анализираха по същия начин хладнокръвно. Ужасно е да видиш на каква подигравка може да бъде подложен човек след една невинна рисунка... Може би самата психоанализа е най-добрата тема за един психоаналитик ."

Ето защо Магрит упорито отказваше да се нарече „сюрреалист“. Той с готовност прие описанието на "магически реалист". Тази насока е характерна за „белгийския период” на неговото творчество - започвайки през 1930 г., когато Магрит се завръща от Париж в Брюксел завинаги.

Традициите на старото холандско изкуство оказват благотворно влияние върху творчеството на Магрит. В картината „Плагиатство” (1960) няколко символични детайла привличат вниманието.

Вляво на масата виждаме изображение на гнездо и три яйца - символика на Троицата. Подобно на магьосник художникът сякаш материализира пред очите ни образите на въображението си и те се превръщат в красива плодоносна градина – символ на живо творческо въображение. Магрит създава тънък, одухотворен поетичен образ. Съзерцавайки картината, човек може само да се възхищава на най-деликатните розови, синкави, перлени нюанси - наистина приказна гледка.

През 1930г Магрит, заедно с изкуството на Бош, задълбочено изучава творчеството на своя сънародник, драматург и философ Морис Метерлинк, който през 1889 г. в сборника „Оранжерии“ пише: „Символът е природна сила, но човешкият ум не може да устои неговите закони... Ако няма символ, няма произведение на изкуството."

Магрит дължи на Метерлинк способността да развива сравнението в цяла мрежа от образи, които въображението на художника трансформира в реалния свят. В картината „Лудост на величието“ (1948) умираща свещ е изобразена върху каменен парапет на фона на безкрайното лазурно море - като символ на крехкостта на човешкия живот. В близост има няколко женски торса, израстващи един от друг (символ на чувственост). И в небето с красиви замръзнали облаци (за Магрит - символ на безвремието), зрителят вижда сини "безплътни" геометрични форми, символизиращи "чисти идеи", и балон с горещ въздух - символ на абстрактна "чиста мисъл".

С помощта на фино обмислена цветова схема художникът "избистря" основната идея. Неговата „чувственост“ е топъл телесен цвят. “Чисти форми” са решени в студена синкава тоналност, кореспондираща със символиката и същевременно създаваща усещане за безгранично пространство.

„Ние се скитаме произволно из долината, без да осъзнаваме, че всичките ни движения се възпроизвеждат и придобиват истинското си значение на върха на планината“, пише Метерлинк в „Съкровището на скромните“, „и е необходимо от време на време някой да идва към нас и каза: „Погледнете нагоре, вижте какво сте, вижте какво правите. Ние не живеем тук, животът ни е там горе. Този поглед, който разменихме в тъмнината, тези думи, които нямаха значение в подножието на планината вижте в какво са се превърнали и какво значат там, над снежните висини."

Тази идея на Метерлинк е отразена в картината на Магрит "Притежанието на Арнхайм" (1962).

Само чрез счупване на стъкло с изрисуван фалшив образ можете да видите реалността в целия й блясък, смята художникът. Тук, по върховете на планините, за които говори Метерлинк, се крие Истината.

Картината "Неочакван отговор" (1933) въплъщава друга мисъл на Метерлинк: "Няма незначителни дни в живота. Върви, върни се, излез отново - ще намериш в здрача това, което ти трябва. Но никога не забравяй, че си близо до вратата., може би една от онези тесни пукнатини във вратите на тъмнината, през които ни се дава възможност да предвидим за миг всичко, което трябва да се случи в пещерата от съкровища, които все още не са открити.

Картината изглежда като някаква емблема на вълнуваща мистерия - всичко тук е толкова цялостно, "естествено", ако това определение може да се припише на една от най-загадъчните и мистични композиции на Магрит. Отворената "счупена врата" е символ на друго измерение, изпълнено с много мистерии.

Някои автори, пишещи за Магрит, го обявяват за "художник на абсурда", в чиито картини няма смисъл. Ако това беше така, ако целта на художника беше да изобрази само „абсурда на ежедневието ни“, това би било творчество на ниво пъзел, а не сериозно изкуство, каквото е. Магрит написа: „Ние питаме снимката на случаен принцип, вместо да я слушаме. И сме изненадани, когато отговорът, който получаваме, не е откровен.“

Неговото изкуство често е наричано "мечтания". Художникът пояснява: „Картините ми не са сънища, които те приспиват, а сънища, които те събуждат.“ Не напразно видният сюрреалист Макс Ернст, след като видя изложбата му в Ню Йорк в началото на 50-те години, каза: "Магрит нито спи, нито стои буден. Той осветява. Той завладява света на сънищата."

„Без мистерия не са възможни нито светът, нито идеята“, не се уморява да повтаря Магрит. И като епиграф към един от своите автопортрети той взе реплика от френски поет от 19 век. Лотреамонт: „Понякога сънувам, но нито за миг не губя съзнание за своята идентичност.“

Оттук и неочакваното тълкуване на „вътрешно и външно“ в произведенията на Магрит.

Ето и коментара на художника за картината му „Рамки на живота” (1934): „Пред прозореца, който виждаме от вътрешността на стаята, поставих картина, изобразяваща точно тази част от пейзажа, която покрива. дървото на снимката скрива дървото, което стои зад него, е отвън. За зрителя дървото е едновременно вътре в стаята на снимката и отвън в реалния пейзаж. Ето как виждаме света. Виждаме го извън нас и на в същото време виждаме неговото представяне в себе си. По този начин понякога поставяме в миналото това, което се случва в настоящето. Така времето и пространството са освободени от тривиалното значение, с което обикновеното съзнание им дава."

Хърбърт Рийд отбеляза: "Магрит се отличава със строгостта на формите си и отчетливата яснота на визията. Неговата символика е чиста и прозрачна, като стъклото на прозорците, които той толкова обича да изобразява. Рене Магрит предупреждава за крехкостта на света. Стъклото е счупено: значително замръзващи по време на полет, изображенията падат, подреждайки се в редица като ледени късове." Това е пример за една възможна интерпретация на многозначните метафори на Магрит. Мотивът на стъкления прозорец на този художник може да се разглежда и като граница между два свята - реалния и сюрреалистичния, поетичния и всекидневния, между съзнателното и несъзнаваното.

В картината „Син човешки” (1964) съвременният човек е изобразен на фона на стена, която го отделя от необятните простори на океана и небето, символизиращи безкрайността. Ябълка, висяща пред лицето на човек, добавя мистерия към изображението. Тази ябълка може да се възприема както като плод на дървото на познанието, така и като символ на природата, която човекът се опитва да разбере. В същото време този детайл придава хармония на прозаичния външен вид на спретнат буржоа.

Картината „Голконда“ (1953) може да се разглежда като въплътена метафора: хората „с тегло“ са станали безтегловни. В името се крие ирония: все пак Голконда е полулегендарен град в Индия, известен със своите златни находища и диаманти, а тези хора изглежда са привлечени от златото. Художникът окачва в безкрайно пространство няколко десетки спретнато облечени рентиери с бомбета, вратовръзки и модни палта, като същевременно запазва абсолютно невъзмутимост.

В една от по-късните картини на Магрит, „Готов букет“ (1956 г.), мъж със същата шапка и опашки, стоящ с гръб към зрителя на терасата, съзерцава вечерния парк. А на гърба му е изобразена „Пролет” от Ботичели, разхождаща се в цветя и блясъка на цветовете. Какво е това? Реализация на афоризма „Човекът минава, изкуството остава”? Или може би човек, който се любува на парка, си спомня картина на Ботичели? Отговорът е неясен.

Художникът се стреми да разруши обичайната представа за добре познатото, непроменливо, за да го накара да види обекта в ново измерение, което води зрителя до объркване. В своите платна той създава свят на фантазия и мечти от реални неща, потапяйки зрителите в атмосфера на мечти и мистерия. Художникът брилянтно знаеше как да „насочи“ чувствата си. Изглежда, че светът, създаден от художника, е статичен и силен, но нереалното винаги нахлува в ежедневието, унищожавайки този познат свят (обикновена ябълка в стаята, растяща, измества хората или парен локомотив изскача от камината в пълна скорост - „Пронизано време“, 1939).

Най-често копираната картина е „Сътворението на човека“ (1935). Образът на морето в картината на статива, стоящ пред отворения прозорец, по чудо се слива с „истинската“ морска гледка от прозореца.

Темата на много от картините на Магрит беше така наречената „скрита реалност“. Част от изображението, например лицето на главния герой, е покрито с нещо (ябълка, букет цветя, птица). Магрит обяснява значението на тези творби: „Интересното в тези картини е присъствието на откритото и скритото, които внезапно избухват в съзнанието ни, които в природата никога не са разделени едно от друго.“

В картината „Любовниците” Рене Магрит показва, че когато сме истински влюбени, очите ни са затворени.

Опитвайки се да разбере неуловимия смисъл на картините на Магрит, да ги „обясни“, съзнанието на зрителя трескаво се хваща и за двете. Художникът му „хвърля“ заглавието на картината (то обикновено се появява след завършване на работата). Магрит дава на заглавието решаваща роля за възприемането на картината. Според спомените на роднини и приятели, когато измислял имена, той често ги обсъждал с приятели писатели. Ето какво каза самият художник за това: „Заглавието е индикатор за функцията на картината”, „Заглавието трябва да съдържа жива емоция”, „Най-доброто заглавие за една картина е поетичното, то не трябва да учи на нищо, но вместо това изненадайте и очаровайте.

Много от заглавията на картините са умишлено научни и в тях се вижда ирония: „Философска лампа“ (1937), „Възхвала на диалектиката“ (1937), „Естествено познание“ (1938), „Трактат за усещанията“ (1944). ). Други заглавия създават атмосфера на поетична мистерия: „Диалог, прекъснат от вятъра” (1928), „Ключът към сънищата” (1930), „Болезнено времетраене” (1939), „Империя на светлината” (1950), „Божият живот” Стая” (1958).

Картината "Империя на светлината" е нарисувана от Магрит през последното десетилетие от живота му, но веднага става може би най-популярната му творба. Толкова популярен, че много колекционери бяха готови да платят всякакви пари, само за да имат едно от неговите копия в колекцията си.

И така, каква е тази картина, която е завладяла умовете на хората по света? На пръв поглед изглежда просто и дори невзрачно. Къща на брега на малко езеро е скрита в сянката на разпръснати дървета. Прозорците на втория етаж греят с уютна светлина, самотен фенер дава своята приятелска светлина на пътник, който може да се озове тук в тъмна нощ. Изглежда като обикновен, напълно реалистичен ноктюрно. Всеки „традиционен“ художник може да нарисува нещо подобно.

Но вярно ли е това? Защо тогава възниква смътно безпокойство, което кара зрителя да се вглежда все по-отблизо в картината? Това безпокойство няма да напусне, докато изведнъж не стане ясно - небето, това е всичко! Синьо небе, по което весело тичат бели пухкави облачета. И това е късно през нощта! Само не питайте как е възможно това, защото в света на Магрит нищо не е невъзможно. Като никой друг, този художник обича да свързва несъвместимото, да въвежда в картините си детайли, които толкова рязко контрастират един с друг, че зрителят първо изпитва лек шок, но след това умът му започва да работи двойно интензивно, опитвайки се да намери решение на предложената шарада.

Самият Магрит каза следното за това: „Комбинирах различни концепции в „Империята на светлината“, а именно нощен пейзаж и небето в цялото великолепие на дневната светлина. Пейзажът ни кара да мислим за нощта, небето - за деня. Според мен този едновременен феномен на деня и нощта има силата да изненадва и омагьосва. И аз наричам тази сила поезия.

Самият Рене Магрит

„Автопортрет“ („Ясно око“)

Спомняйки си детството си, той пише: „Спомням си учудването си, когато за първи път видях шахматната дъска и фигурите върху нея. Плашещо впечатление! Нотни листове, където мистериозни знаци обозначават звук, а не са думи!“ Ето една малка ранна творба на художника - „Изгубеният жокей“, която се превърна в негов творчески манифест.

Ездач, който се втурна с пълна скорост на напукан кон, се изгуби в сюрреалистична горичка от огромни шахматни фигури, изрисувани с музикални ноти.

Картина „Карт бланш” или „Препятствието на празнотата”.

Магрит пише за нея: „Видимите неща могат да бъдат невидими. Ако например някои хора яздят кон през гората, първо ги виждате, после не ги виждате, но знаете, че са там. В картината „Карт бланш“ ездачът засенчва дърветата, а те нея. Нашата мисловна сила обаче обхваща както видимото, така и невидимото и с помощта на рисуването аз правя мислите видими.”

Картина "Забранена раздвоение"

Интересно е да се отбележи, че при Магрит само изображенията на птици са свободни от асоциативни сложности. Птиците носят положителната енергия на полета, нищо повече. Няма птици мъртви, паднали, със счупени крила. Птиците са живи и крилете им са пълни с ярките сини и бели перести облаци на Магрит (Голямо семейство, 1963).

На 15 август 1967 г. Рене Магрит умира от рак. Отиде си един от художниците-магьосници на 20 век, който приживе много приличаше на уважаван фармацевт.
Той водеше тих и спокоен живот на белгиец на улицата, далеч от суматохата на бохемите - човек, който е трудно да се отличи от тълпата. Мечти, парадокси, страхове, тайнствени опасности изпълват само неговите картини, но не и живота му. Художникът се бореше със скуката само в творчеството. Редовността на всеки ден го устройваше доста, той дори рисува повечето от картините си в трапезарията и до края на живота си предпочиташе трамвая пред другите видове транспорт.
Веднъж, малко преди смъртта си, Магрит, този изтънчен майстор, каза: "Все още не разбирам причината, поради която живеем и умираме." Може би художникът е шифровал уликите за причините и мистериите на съществуването в своите ребусни картини? Всичко е възможно. Тогава трябва да ги разгледате!

На 2 юни 2009 г. в Брюксел беше открит нов музей, посветен на творчеството на известния художник сюрреалист Рене Магрит. Кралският музей за изящни изкуства отдели за него помещение от 2,5 хиляди квадратни метра. Изложбата на музея Рене Магрит включва повече от 200 творби на автора - това е най-голямата колекция в света.

През 1978 г. Ейдриън Мабен снима филм за великия Рене Магрит. Тогава целият свят научи за художника, но неговите картини бяха достойни да станат безсмъртни от самото начало. Магрит рисува в стила на сюрреализма и смело го поставят на едно ниво със Салвадор Дали. Магрит беше много остроумен в произведенията си. Вижте сами: те заслужават възхищение.

Син човешки, 1964 г

Шехерезада, 1948 г

Най-смешното в стила на художника беше, че той не рисува неразбираеми образи, а използва доста примитивни неща като компоненти на картината. Изглежда, че всички обекти са разпознаваеми, но крайният резултат е някаква невъобразима изненада (изненада!).

Вечно движение, 1935 г

Освен това самият Магрит каза, че „зашива“ мисъл във всяка снимка, а изображенията не са глупаво натрупване на елементи, а независима история.

Принципът на удоволствието, 1937 г

Спътници на страха, 1942 г

Изследователите казват, че ако оцените всички картини на художник, можете да създадете доста ясна представа за неговия вътрешен свят.

Това не е ябълка, 1964 г

Голямо семейство, 1967 г

Голямата война, 1964 г

Спокоен спящ, 1927 г

Художникът е роден на 21 ноември 1898 г. в град Лоесин. Когато навършва 14 години, майката на Рене се удавя в река Самбре, което е голям шок за детето. По някаква причина е общоприето, че този факт не е повлиял на работата на Магрит, но със сигурност има връзка.

Любовници, 1928 г

Любовници II, 1928

Голконда, 1953 г

Две мистерии, 1966 г

Явно като компенсация за тежкото си детство, на 15-годишна възраст момчето се влюбва в Жоржет Бергер и тя става единствената му жена за цял живот. Той посвещава всичките си картини на нея, тя е единственият му модел, остава верен на нея. Една достойна за уважение любовна история! Когато навършва 22 години, те се женят, по това време Магрит отдавна е завършил художествената академия.

Джорджет Магрит, 1934 г

Магрит с Жоржет

На вълна от любов бъдещият талант се възхищава на произведенията на други майстори (кубизмът беше на мода по това време) и започва да печели допълнителни пари като художник и плакатист.

Терапевт, 1937 г

Философска лампа, 1936 г

Първата изложба на Магрит се състоя през 1927 г. Тогава той четеше много, движеше се сред философи и уважавани писатели, изучаваше психоанализа, така че всичките му картини бяха пълни с дълбоко съдържание и смисъл. Но той не харесваше психоанализата и не се смяташе за сюрреалист, тъй като критиците на картините му се опитваха да „разчленят“ характера му въз основа на неговите произведения. Стигнахме до Едиповия комплекс, спомнихме си за починалата майка и тогава Магрит се ядоса.

„Ужасно е да видиш на каква подигравка може да бъде подложен човек, след като направи една невинна рисунка... Може би самата психоанализа е най-добрата тема за един психоаналитик.“

Изнасилване, 1934 г

Медитация, 1936 г

През 50-те години на миналия век той получи световно признание, картините му бяха изложени в Рим, Лондон, Ню Йорк, като цяло в най-добрите галерии на планетата. Изкуството му често е наричано „мечтания“.

Стая за слушане, 1952 г

Червен модел, 1935 г

Криво огледало, 1928 г

Колективно изобретение, 1942 г

Художникът уточни:

„Моите картини не са сънища, които те приспиват, а сънища, които те събуждат.

Разбира се, картините му са рисувани в различни стилове и техники: арт деко, постимпресионизъм, кубизъм, сюрреализъм, в творбите му са използвани всякакви материали (от гваш до апликация), но той печели известност именно със сюрреализма в произведенията му, което е нетипично за всеки.

Midnight Married, 1926

През 1967 г. Рене умира от рак на панкреаса. Изминаха почти 50 години, но работата му все още вълнува и харесва хората. Това означава, че художникът може безопасно да се счита за класик.

Незавършена картина, 1954 г

17.03.2011 V 22:08

Сюрреализъм от Рене Магрит

Насилие(всички творби могат да бъдат увеличени)

Един от най-забележителните художници на миналия век, Рене Магрит(1898–1967) е родом от Белгия. Образован в Академията за изящни изкуства в Брюксел, той първоначално е силно повлиян от дадаизма и кубизма. 1925 г. е повратна точка в творчеството му: картината „Розите на Пикардия“ бележи нов стил и ново отношение - "поетичен реализъм". Художникът се премества в "центъра на сюрреализма" - Париж, където участва във всички сюрреалистични изложби.

Дадаизъм, или Дада- модернистично течение в литературата, изобразителното изкуство, театъра и киното. Възниква по време на Първата световна война в неутрална Швейцария, в Цюрих. Съществува от 1916 до 1922 г. Основната идея на дадаизма беше последователното унищожаване на всяка естетика. Дадаистите провъзгласиха: „Дадаистите са нищо, нищо, нищо, несъмнено те няма да постигнат нищо, нищо, нищо.“
Основните принципи на Дада бяха ирационалност, отричане на признати канони и стандарти в изкуството, цинизъм, разочарование и липса на система. Смята се, че дадаизмът е предшественик на сюрреализма, което до голяма степен определя неговата идеология и методи.

любовници

Червен модел

Основната характеристика на Магрит е атмосферата на мистерия в неговите творби. Чувството за мистерия, както знаем, е присъщо на истинското изкуство. „Винаги съм смятал Магрит за художник на въображаемото, майстор, стоящ някъде на нивото на Джорджоне“, пише Хърбърт Рийд. В тези думи се крие ключът към поетиката на Магрит.Магрит рязко се откроява сред сюрреалистите: за разлика от тях той използва не фантастични, а битови елементи, взети в причудливи отношения.

Insight ("La clairvoyance (autoportait)")

Носталгия

Завръщането на пламъка ("Le retour de flamme")

Философия на будоара

Перспектива II: Балконът на Мане („Perspective II^ le balcon de Manet“)

Голконда

Мистерията на хоризонта

Магрит дава на заглавието решаваща роля за възприемането на картината. Според спомените на роднини и приятели, когато измислял имена, той често ги обсъждал с приятели писатели. Ето какво каза самият художник за това: „Заглавието е индикатор за функцията на картината”, „Заглавието трябва да съдържа жива емоция”, „Най-доброто заглавие за една картина е поетичното, то не трябва да учи на нищо, но вместо това изненадайте и очаровайте.

Месец на гроздобера

Голямо семейство

Карт бланш

Фалшиво огледало

Син човешки

Магрит рисува тази картина като автопортрет. Изобразява мъж във фрак, с бомбе, застанал до стена, зад която се виждат морето и облачното небе. Лицето на мъжа е почти изцяло покрито от зелена ябълка, носеща се пред него. Смята се, че картината дължи името си на образа на съвременен бизнесмен, останал син на Адам, и ябълка, символизираща изкушенията, които продължават да преследват човека в съвременния свят.

Музей Рене Магрит в Брюксел